Cuerpo Móvil
Residencia de entrenamiento y creación escénica en sitio específico

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Coordinan Canela Corno y Valeria Piscicelli

Jueves 28 de octubre de 15:00 a 20:00h
Viernes 29 de octubre de 15:00 a 21:00h

Inscripción:  https://forms.gle/mRiv7o5wXLi1UubA7
Actividad gratuita. Cupos limitados.

Destinado artistas escénicxs: actores, performers, creadores del movimiento y estudiantes de las disciplinas mencionadas.
Les participantes serán seleccionades por las coordinadoras.

Se reciben inscripciones hasta el 20 de octubre o hasta completar el cupo.
Se notificará a las personas seleccionadas a partir del 21 de octubre.

Cuerpo Móvil es un laboratorio intensivo para diez personas, un espacio para entrenar el cuerpo escénico y producir a partir de distintas herramientas y procedimientos que tendrán como objetivo potenciar el cuerpo poético desde lo que cada integrante trae, para configurar elecciones singulares y situadas pertenecientes a un contexto y a una composición que, en su resonar, hará de la pieza una posición única e irrepetible. Cuerpo Móvil intentará posibilitar modos diversos de abordar la creación, abriendo caminos posibles por medio de la experiencia, para, en y desde la práctica, entendiendo los espacios de trabajo situadamente a partir de una mirada encarnada, que haga foco en qué miramos y con qué cuerpos miramos eso que miramos.

Comprende una experiencia de intercambio entre el adentro y el afuera; con un recorrido que inicia en los hogares de cada participante y les guía por medio de audios de Whatsapp en un trayecto senso-perceptivo, hasta confluir en el encuentro con todes, donde las capas acumuladas son material potencial para la creación durante el transcurso de los encuentros.

A modo de cierre, la residencia se abrirá al público con el fin de compartir el proceso del laboratorio como parte del entrenamiento con la presentación de un material propio y compartido como producto escénico, singular y situado, que surja de la investigación individual y colectiva, entendiendo que la mirada de un otre será quien termine de constituir el hecho artístico como tal.

Más información de la residencia: Residencia Cuerpo Móvil

Valeria Piscicelli. Actriz, directora y docente de teatro, graduada en la Escuela de Teatro de La Plata (ETLP). Profundizó su formación en diferentes campos del quehacer escénico al estudiar actuación, dirección, iluminación, performance, gestión y producción escénica con profesores de la ciudad de La Plata y de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires (CABA). En 2019 fue seleccionada para formar parte de dos residencias: “Foro de Artistas Jóvenes creadores” en el marco del Festival Internacional de Buenos Aires (FIBA), Centro Cultural Recoleta y La Bienal Arte Joven (CABA), y “Residencia de formación y creación: Archivos para una memoria posible” por los diez años de la inauguración de la sala TACEC, Teatro Argentino de La Plata. Como docente fue ayudante de la Cátedra Actuación II en la ETLP (2013-2011). Es integrante de “Una Escena Propia”, encuentro nacional que congrega directoras escénicas para reflexionar sobre la práctica desde una perspectiva de género y de territorio. Actualmente dirige el Elenco Estable Municipal de Teatro de la ciudad de Tres Arroyos y amplía sus estudios con la realización de una Maestría en Dirección Escénica en la Universidad Nacional de Arte de Tandil (UNICEN). En sus producciones investiga los dispositivos del artefacto escénico como fuentes de dramaturgia y el cuerpo poético-experimental dentro de los espacios situados en la frontera del concepto teatral.
Últimas participaciones como intérprete: Ficciones (2020), videominutos de dieciséis actrices platenses, coordinado y presentado vía streaming para la apertura de “Escenas de danza y performance” en el Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti, La Plata; Intervencion Ferreyra (2020), con dirección de Andrés Mangone e Ivana Zacharski, organizado por Ojo Obrero Fotografía; Hacer un pozo (2019), creación colectiva de residentes, sala TACEC, Teatro Argentino de La Plata; Ansío los alpes, así nacen los lagos (2019), con dirección de Victoria Hernández, Teatro Argentino de La Plata; La Cerradura (2019), con dirección de Anabella Sarrias, Hasta Trilce, CABA.

Canela Corno. Actriz graduada en la ETLP. Continúa sus estudios y entrenamiento en los espacios de formación: TAE del Teatro Argentino de La Plata con Carolina Donnantuoni; en actuación aérea con Rosario Alfaro y Hernán Quaroni; en el Centro Latinoamericano de Creación e Investigación Teatral (CELCIT); en el Estudio de Federico Olivera y Soledad Villamil; en Apacheta Sala Estudio con Guillermo Cacace; Teoría de la Performance con Mariana Moreno; en Performance y Biodrama con Marina Otero. En este momento forma parte de la Residencia Luz Natural en Site Specific, coordinada por Valeria Junquera y producida por Mula Cultura para el festival ÁURA 6ta edición, donde tendrá apertura  la obra generada. En la actualidad forma parte, como intérprete, de la pieza performática audiovisual Vidrios, creación colectiva con otras tres actrices y bailarinas de diferentes ciudades del país.
Últimos espectáculos en los que participó como actriz-performer: Fénix (2021), performance dentro del marco de Teatro por la Identidad La Plata, con dirección de Diego Biancotto; Memorias de un pasaje hacia el olvido (2021), situaciones performáticas sobre una ciudad en aislamiento, con dirección de Jazmín García Sathicq; Segundo Laboratorio de Investigación y Producción Escénica del Teatro Municipal Coliseo Podestá (2019), coordinado y dirigido por Carolina Donnantuoni y Jazmín García Sathicq; La plaza de los sueños perdidos (2019), dramaturgia y dirección de Diego Biancotto.
También ha participado dentro de la Cía Sapucay y, entre otras producciones, del primer ciclo de Teatro por la Identidad La Plata con Micro relatos sobre identidad de género. Su último trabajo en cine incluye Previa (2018), ganadora del premio de Laboratorio Bellas Artes Filma (LaBAF) y estrenada en la apertura del Festival de Artes Audiovisuales Latinoamericano de Universidades Públicas REC 2019. Desde el año 2014 coordina y dirige talleres de entrenamiento actoral y creación escénica en la ciudad de La Plata.

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La casa y el universo
Taller

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Habitar el espacio

Viernes 15.10.21, 22.10.21 y 5.11.21
14:00 a 16:00h
Coordinación: Florencia Suárez Guerrini

Inscripción: https://forms.gle/vYWgDLYncY3D3Swq6
Plataforma Zoom
Actividad gratuita. Cupos Limitados

El Centro de Arte de la UNLP diseñó una serie de actividades para acompañar la exposición Punto de Fuga, BienalSur 2021, con el foco en la experiencia del espacio que entrañan las migraciones. La idea misma de migración supone un desplazamiento en el espacio que involucra el cuerpo, las sensaciones y la afectividad; un sentido de cohesión y pertenencia, al mismo tiempo que de diáspora y proyección. ¿Podemos hablar de una espacialidad migrante? ¿De qué modo la pandemia se suma, a la reconfiguración del espacio subjetivo, como otro fenómeno que altera la percepción de las distancias y modifica nuestras concepciones de límite y frontera? Las actividades están organizadas en dos grandes ejes: “Desplazamientos, territorios y fronteras” y “Habitar el espacio”.

El taller propone una experiencia de exploración del espacio, cotidiano, doméstico, urbano, geográfico, subjetivo, a partir de reflexiones y ejercicios que amplíen su percepción y estimulen otras formas de habitarlo. Está organizado en tres encuentros independientes, a cargo de tres artistas. En cada reunión se trabajarán diferentes aspectos y materialidades: la palabra, el cuerpo, los objetos, el entorno y la imagen, para activar el encuentro con el espacio.

Viernes 15.10.21
14:00 a 16:00h

El espacio del lenguaje
Por Matías Moscardi

Este encuentro tiene como objetivo pensar las relaciones entre espacio y lenguaje. ¿Escribir es habitar? ¿Tienen raíces las palabras? ¿Crecen de la tierra los textos? ¿Cuánto espacio ocupa la escritura? ¿Hay una economía del lenguaje en relación al espacio que ocupa? ¿Cómo cartografiar, en una página, el espacio transitado, movimientos y vaivenes, caminatas y vagabundeos? ¿Tiene patas o ruedas o alas la escritura? ¿Hay una arquitectura del lenguaje? ¿Hay edificios, casas, condominios y chozas de palabras? ¿Cómo narra el espacio la literatura? La idea es iniciar la conversación alrededor de dos textos teóricos: Relatos de espacio de Michel de Certeau y Estética radicante de Nicolas Bourriaud. A partir de ellos, proponemos pensar, analizar y debatir las repercusiones estéticas de la espacialidad en las prácticas artísticas contemporáneas como trayecto por cada uno de estos interrogantes.

Viernes 22.10.21
14:00h a 16:00h

La relación secreta entre las cosas
Por Estefanía Santiago

El encuentro se propone como un espacio de reflexión y creación sobre los objetos y sus genealogías afectivas, las cuales conforman nuestro cotidiano y la relación práctica artística/experiencia vital. Nos acercaremos a ellos desde la escritura y la escucha. ¿Qué historias se depositan en los objetos? ¿Qué cualidades me interesan? ¿Cómo suenan?¿Qué ficciones me presentan? Nos apoyaremos en breves lecturas de Georges Perec, Jean Baudrillard y Soledad Gutierrez, para mirar nuestros propios objetos y las redes invisibles que éstos tejen con otros objetos, y nuestra propia existencia.

Viernes 5.11.21
14:00h a 16:00h

El lugar y la práctica artística
Por Maximiliano Peralta Rodríguez

El encuentro propone una charla sobre determinadas producciones personales que permitan revisar ideas y conceptos vinculados al espacio en relación a las prácticas artísticas contemporáneas y a la generación de proyectos autogestivos que dinamizan escenas artísticas en contextos periféricos. La intención es develar un proceso creativo que se constituye a partir de reflexiones sobre la propia práctica en relación con el contexto de producción, con el territorio, con lo local y con el medio ambiente. Para el recorrido propuesto abordaremos autores que fueron referentes en algunas de las reflexiones que sustentan mi trabajo: Iván Illich y el hecho de habitar, Yi-Fu Tuan y el concepto de Topofilia y Luci Lippard en relación a un arte comprometido con el lugar.

Matías Moscardi (Mar del Plata, 1983). Investigador de CONICET y doctor en Letras por la Universidad Nacional de Mar del Plata (UNMdP), donde trabaja como docente. Publicó libros de poesía, novela y ensayo. Entre ellos, Diccionario de separación. De Amor a Zombie (Eterna Cadencia, 2016, en coautoría con Andrés Gallina) y El gran Deleuze. Para pequeñas máquinas infantes (Beatriz Viterbo, 2021).

Estefanía Santiago (Federación, 1988). Licenciada y profesora en Artes Audiovisuales en la Universidad Nacional de La Plata (UNLP), máster en Fotografía Documental y Artística por la Escuela Universitaria de Artes-Universidad Rey Juan Carlos (TAI-URJC) y máster en Profesiones Artísticas por la Escuela Sur-Universidad Carlos III de Madrir (UC3M-SUR). Desde 2011 hasta la fecha, ha realizado clínicas de obra con Ananké Assef, Adriana Bustos, Romina Resuche, entre otros. Participó en Proyecto PAC 2014, NidoErrante, Encontro de Artistas Novos y Residencia Cantera-Tabacalera (Madrid). Obtuvo la beca individual del Fondo Nacional de las Artes (FNA) y la beca PAR y FNA con la colectiva MUCA. Su obra ha formado parte de numerosas exposiciones individuales, colectivas y festivales en países como Argentina, México, España, Dinamarca y Turquía. Actualmente forma parte del grupo de estudio Políticas y Estéticas de la Memoria del Centro de Estudios, Museo Reina Sofía.

Maximiliano Peralta Rodríguez (Haedo, Buenos Aires, 1975). Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Nacional de Misiones (UNaM). Artista, gestor cultural y formador. Desarrolla su trabajo a través de prácticas vinculadas a la escultura, la intervención, la construcción site specific y el trabajo en colaboración con otros artistas. Desde el año 2013 coordina “Curadora. Residencia para artistas”. Vive y trabaja en San José del Rincón, Santa Fe.

 

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El libro es el territorio
Taller de producción editorial dictado por Carlos Ríos

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Habitar el espacio

Lunes 04.10.21,18.10.21, 25.10.21 y 01.11.21
De 16:00 a 18:00h

Inscripción: https://forms.gle/XEnEUJgMongqeUHp9
Plataforma Zoom
Actividad gratuita. Cupos limitados

El Centro de Arte de la UNLP diseñó una serie de actividades para acompañar la exposición Punto de Fuga, BienalSur 2021, con el foco en la experiencia del espacio que entrañan las migraciones. La idea misma de migración supone un desplazamiento en el espacio que involucra el cuerpo, las sensaciones y la afectividad; un sentido de cohesión y pertenencia, al mismo tiempo que de diáspora y proyección. ¿Podemos hablar de una espacialidad migrante? ¿De qué modo la pandemia se suma a la reconfiguración del espacio subjetivo, como otro fenómeno que altera la percepción de las distancias y modifica nuestras concepciones de límite y frontera? Las actividades están organizadas en dos grandes ejes: “Desplazamientos, territorios y fronteras” y “Habitar el espacio”.

El Centro de Arte de la UNLP organiza junto con Papel Cosido. Registros sobre Arte en América Latina, editorial de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata (FDA-UNLP), el taller de producción editorial “El libro es el territorio”, dictado por el escritor y editor Carlos Ríos que se desarrollará en cuatro encuentros de dos horas.

La propuesta del taller consiste en la realización de libros con materiales reciclables recolectados en el espacio público y en la vida doméstica. A través de diferentes procedimientos de construcción artesanal y colectiva de libros inspirados en las actividades artísticas de BienalSur, se activarán intuiciones y saberes técnicos que al poner en relación elementos disímiles que migran de un espacio a otro, nos permitirán entrever las reconfiguraciones de sentido y de proxemias que disuelven o alteran las fronteras tradicionales del libro al ingresar en su composición diversos materiales provenientes de un espacio mayor.

El taller se presenta como un espacio de acción fundamentalmente práctico, donde los saberes acerca de la edición artesanal serán trabajados de manera individual y en grupo. Les participantes explorarán en forma sistemática los materiales; entrarán en contacto con técnicas, experiencias de gestión y diseño que impactarán en sus producciones y elaborarán prototipos que permitirán visualizar las condiciones básicas necesarias para concretar un proyecto de trabajo editorial autogestivo. Al final del taller, les participantes podrán distinguir cuáles son las herramientas indispensables para iniciar dicho proyecto.

Contenidos

• El campo específico del libro y sus desplazamientos.
• Modelos de producción editorial: industrial, artesanal e híbrido. Problemas y ventajas de cada uno. Alcances de una editorial comunitaria.
• Terminología, técnicas y materiales propios de la edición.
• Filosofía de un proyecto editorial artesanal.

Metodología

Encuentro 1
a) Exposición sobre aspectos de la producción editorial contemporánea y sus componentes específicos.
b) Observación de libros artesanales cartoneros y análisis de los mismos.
c) Valoración de recursos y definición de aspectos para el esbozo del prototipo de un proyecto editorial.

Encuentros 2 y 3
Elaboración de prototipos de libros cartoneros dentro y fuera del espacio del taller.

Encuentro 4
a) Presentación y análisis de los prototipos diseñados.
b) Definición del campo específico de cada proyecto editorial a partir de la resolución práctica del prototipo.
c) Puesta en común de los proyectos.
d) Cierre del taller.

Carlos Ríos (Santa Teresita, 1967). Escritor, editor y profesor en Historia del Arte con orientación en Artes Visuales (UNLP). Publicó más de veinte libros, entre los que se cuentan Hikikomori argentino, Manigua (Entropía, 2009), Rebelión en la ópera (Club Hem, 2015) y Un shock póstumo (emr, 2017). Actualmente dirige la editorial cartonera Oficina Perambulante, es miembro del consejo editor de la revista Bazar Americano y coordina talleres de lectura, escritura y producción editorial en cárceles bonaerenses y diversos espacios culturales. Varios de sus libros integran catálogos en Francia, España, Brasil, Chile, Uruguay y México.

 

 

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La guitarra: detrás del arreglo
Taller dictado por Joaquín Molejón

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Miércoles 15.09.21, 22.09.21, 29.09.21 y 6.10.21
De 18 a 20h

Plataforma Zoom
Inscripción: https://forms.gle/EFHKWsaqMLU9ecpf8

El taller tiene como principal objetivo generar un primer acercamiento al modo de pensar un arreglo con la guitarra, brindando herramientas generales y específicas en su carácter de instrumento solista y en formato de dúo vocal-instrumental.

Se pondrá eje en la toma de decisiones al momento de crear un arreglo otorgando herramientas que amplíen y complejicen las posibilidades de elección. Momentos teóricos y prácticos, ejemplos y actividades facilitarán la apropiación de conceptos abordados.

El enfoque de las clases promoverá desarrollar el oficio, desplegar la tarea de contar algo secreto sobre algo que ya existe, de mostrarlo de una manera propia; por eso este espacio pretenderá generar más inquietudes que certezas.

Joaquín Molejón (Pehuajó). Realizó estudios de guitarra clásica en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata (FDA-UNLP), graduándose en 2013 y obteniendo el premio Egresado Distinguido. Asistió a numerosos seminarios con Pablo Márquez, Eduardo Fernández, Omar Cyrulnik, Irma Costanzo, Nora Buschmann y Berta Rojas. Ha realizado la especialización en Música Latinoamericana bajo la tutela del maestro Eduardo Isaac. Durante el año 2020 se radicó en la ciudad de Barcelona donde continuó su formación en la Escola Superior de Música de Catalunya (ESMUC) con grandes maestros como Alex Garrobé y Nora Buschmann. Participó en varias oportunidades en el Festival Internacional “Guitarras del Mundo”, “Guitarras en Concierto” y en distintos festivales nacionales, donde resultó ganador en dos oportunidades de la categoría solista instrumental. Participó junto a artistas de renombre como Opus4, Juan Falú y Marcelo Moguilevsky. Realizó presentaciones como solista en salas de sumo prestigio como el Teatro Coliseo Podestá de la ciudad de La Plata y la sala Piazzolla del Teatro Argentino de La Plata. Realizó conciertos de música de cámara interpretando obras como el Romancero Gitano de Mario Castelnuovo-Tedesco, el concierto en Re de Antonio Vivaldi, Suite Argentina de Eduardo Falú, entre otros. Participó como guitarrista en óperas del Teatro Colón de Buenos Aires: El barbero de Sevilla de Gioachino Rossini y Ascenso y caída de la ciudad de Mahagonny de Kurt Weill. Se desempeña como concertista de guitarra clásica y camarista, con amplia actividad de conciertos, interpretando tanto arreglos propios de músicas populares como obras originales de repertorio. Actualmente se encuentra en la ciudad de La Plata, donde desarrolla su actividad docente en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata (FDA-UNLP).

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Taller de Dramaturgia
A cargo de Blas Arrese Igor

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Lunes 6, 13, 20 y 27 de septiembre de 18 a 20h
Plataforma Zoom

Inscripción: https://forms.gle/Ce8tr2QuAXMjDSvK7
Actividad gratuita. Cupos limitados

Se propone la calle como el lugar de inspiración fundamental para escribir pequeñas piezas teatrales a partir del uso de herramientas básicas para la construcción de textos dramatúrgicos. Imaginando un escenario post pandemia se observará desde la ventana a personas, personajes, situaciones, escenas del espacio público como un enigma a dilucidar, una historia a narrar, un campo poético generador de experiencias artísticas. Se trata de generar una experiencia colectiva donde la heterogeneidad promueva experiencias comunes. Lo producido en el taller será publicado en un fanzine digital.

Blas Arrese Igor es dramaturgo, director y actor. Docente e investigador de la Licenciatura en Dirección Teatral en la Univeridad Nacional de las Artes (UNA). Escribió y dirigió obras en el Teatro San Martín, Teatro Cervantes, Teatro Colón, Teatro Regio, Teatro Argentino de La Plata y en salas independientes de todo el país. Fue convocado para actuar en espectáculos de Lola Arias, Daniel Veronese y Emilio García Wehbi.
Como artista invitado formó parte del Manifiesto de Niños, última producción del emblemático grupo argentino “Periférico de Objetos”. Realizó trabajos artísticos en Japón, Alemania, República Checa, Canadá, Liechtenstein, Hungría, Noruega, Chile, Austria, Uruguay, Inglaterra, México, España, Francia, Holanda y Brasil. Alguno de ellos: Teatro Noh (Tokyo, Japón, 2015), Mladi Levi International Festival (Liubliana, Eslovenia, 2014), Transitions 2. Latin America: Contemporary Art Festival of the Independent Latin American Scene (Atenas, Grecia 2014), Archa Theatre (Praga, República Checa, 2014), Trafó Teatro (Budapest, Hungría, 2014), Festival Internacional de Santiago a Mil (Santiago, Chile, 2011), Festival Internacional de Artes Escénicas de Bahía (Salvador de Bahía, Brasil, 2010), Radicals Teatre Lliure (Barcelona, España, 2010), Extra (Annecy, Francia, 2010), Festival Transversales (México DF, México, 2010), ArtCena Festival (Río De Janeiro, Brasil, 2010), International Summer Festival (Hamburgo, Alemania, 2009), Noorderzon Performing Arts Festival (Groningen, Holanda, 2009), Theater Spektakel (Zürich, Suiza, 2009), Spielart (Munich, Alemania, 2009), Festival de théâtre des Amériques (Montreal, Canadá, 2003), Festival Theaterformen (Brunswick, Alemania, 2002), Porto Alegre Em Cena. Festival Internacional de Artes (Porto Alegre, Brasil, 2002), Wiener Festwochen (Viena, Austria, 2001).
La Editorial de la Universidad Nacional de La Plata (EDULP) publicó dos libros de su autoría: El éxito o lo que queda del fracaso con prólogo de Alejandro Tantanian e ilustraciones del diseñador Pablo Ramírez; y Hablarle al oído a King Kong con prólogo del escritor Félix Bruzzone. Es licenciado en comunicación y está escribiendo su tesis doctoral en dramaturgia de la recepción. De allí nace Jamlet de Villa Elvira, obra experimental que cruza el campo artístico, social y comunicacional. En la ciudad de La Plata coordina su Taller de Entrenamiento Actoral y Creaciones Escénicas, como así también seminarios de dramaturgia en entornos virtuales.

 

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Seminario de vestuario

Artes escénicas

Dictado por Pheonia Veloz

Martes 10, 17, 24 y 31 de agosto
De 14:30 a 17h

Plataforma Zoom
Inscripción en: https://forms.gle/5dbawHU3yvUboYsV9
Actividad gratuita. Cupos limitados

El seminario propone un espacio de investigación y experimentación del lenguaje del vestuario asociado al teatro, el cine y la imagen mediada por la cámara o computadora.
Se analizará qué aporta el diseño de vestuario al personaje/intérprete en una narración visual y cuáles son sus posibilidades escénicas en el espacio, en el cuerpo y en los objetos en el marco de una dramaturgia escénica.
La propuesta es explorar en cada encuentro diferentes herramientas del lenguaje visual (forma, color y textura) en diálogo con el texto, la dirección, la interpretación de quien actúa y la pregunta sobre el desarrollo de un diseño para un público determinado.
Destinado a les actores, bailarines y artistes escénicos en general que quieran adquirir nociones básicas de vestuario para producciones teatrales y/o audiovisuales.

Programa:
Programa Seminario Vestuario

Pheonía Veloz es diseñadora de vestuario y escenografía, docente e investigadora. Profesora de Artes Plásticas con orientación en Escenografía de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata (FDA-UNLP). Dicta talleres y seminarios en diversos centros de formación e instituciones universitarias públicas y privadas, como la Escuela Universitaria de Cine de Tucumán, la Universidad Nacional de las Artes (UNA), el Centro Latinoamericano de Creación e Investigación Teatral (CELCIT), Centro de Formación Profesional del Sindicato de la Industria Cinematográfica Argentina (SICA), entre otros. Diseñó vestuarios y escenografías en producciones cinematográficas y televisivas bajo la dirección de importantes creadores y creadoras como Demián Rugna, Gabriel Lichtmann, Nicolás Savignone, Daniela Goggi, Nicolás Capelli, Pablo Destito, Rosa Teichmann, Juan Bautista Stagnaro y Juan Carlos Desanzo. En teatro, trabajó con directores y directoras tales como Guillermo Ghio, Agustín Rittano y Tatiana Sandoval. Integra el grupo cultural La Grieta de la ciudad de La Plata y la compañía de teatro Cuerpo equipaje de la Ciudad de Buenos Aires. Es coautora, junto con Valentina Bari, del libro Descubrir el vestuario, próximo a publicarse.

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Excursión por la ría
Charla sobre poesía, museos y ciudad

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Canal de YouTube del Centro de Arte de la UNLP

Esta actividad se realiza en el marco del Programa de formación en arte, curaduría y teorías contemporáneas del Centro de Arte UNLP.

A través de un recorrido por estas experiencias que tuvieron lugar en Bahía Blanca a partir de la vuelta de la democracia, Sergio Raimondi y Francisco Lemus conversarán sobre los lazos que pueden generarse entre un museo, la historia y la sociedad. ¿Cómo se construye un patrimonio y un archivo desde la memoria colectiva y desde el encuentro entre generaciones? ¿Cuáles son las estrategias para transformar los relatos oficiales que atraviesan los modos de pensar un territorio? ¿Es posible pensar un museo donde las imágenes y los objetos que lo conforman no posean una jerarquía? Estas y otras preguntas formarán parte del encuentro que dará inicio al Programa de formación en arte, curaduría y teorías contemporáneas 2021 del Centro de Arte de la UNLP.

Sergio Raimondi (1968). Nació y vive en Bahía Blanca, Argentina. Es poeta, ensayista y docente. Formó parte del grupo Poetas mateístas. Publicó Poesía civil (2001), una de las obras centrales de la poesía argentina y latinoamericana de las últimas décadas. Es profesor de Literatura contemporánea en la Universidad Nacional del Sur. Entre 2003 y 2011 fue director del Museo del Puerto de Ingeniero White, una institución pública y comunitaria basada en un archivo de miles de relatos orales de les trabajadores de esa localidad. En 2011 fue nombrado Secretario de Cultura de Bahía Blanca, cargo que ocupó hasta 2014. Durante su gestión, el Museo y Archivo Histórico Municipal de la ciudad fue trasladado a un edificio más grande y mejor acondicionado que permitió la ampliación y la revisión crítica del guión expositivo.

Francisco Lemus. Vive y trabaja en Buenos Aires, Argentina. Es historiador del arte por la Universidad Nacional de La Plata (UNLP) y doctor en Teoría Comparada de las Artes por la Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF). Es magíster en Curaduría en Artes Visuales por la misma universidad. Su tesis doctoral se titula Guarangos y soñadores. La Galería del Rojas en los años noventa. En el marco de una Beca Posdoctoral del CONICET, investiga las respuestas artísticas y políticas al VIH/sida en la posdictadura argentina. Es docente del Departamento en Estudios Históricos y Sociales de la Facultad de Artes de la UNLP y de la Maestría en Estudios y Políticas de Género de la UNTREF. Publica artículos académicos y textos de divulgación en revistas nacionales e internacionales. Ha curado exposiciones en instituciones y museos de arte del país, entre éstas, Imágenes seropositivas (La Ene, 2017), Tácticas luminosas (Colección Fortabat, 2019) y Fuera de serie (MALBA,2021).

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Narrativa
Taller intensivo dictado por Lisandro Relva

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Lunes de agosto: 02.08.21,09.08.21, 23.08.21, 30.08.21

Plataforma Zoom
Inscripciones en: https://forms.gle/Z5rsgByKGBqULtXN7
Actividad gratuita. Cupos limitados

El Centro de Arte de la UNLP organiza junto con Papel Cosido. Registros sobre Arte en América Latina, editorial de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata (FDA-UNLP), el Taller Intensivo de Narrativa dictado por Lisandro Relva.

Este taller se propone alentar y acompañar la escritura narrativa personal de les participantes a través de cuatro encuentros de dos horas cada uno, en donde el deseo sea el orientador privilegiado. En cada clase se buscará trabajar a partir de elementos y ejercicios que permitan destrabar la propia creatividad y dinamicen las ganas de escribir. Se trata de indagar y experimentar con distintas técnicas de escritura, para lo cual es necesario descartar la exigencia de un texto perfecto, definitivo, único, idea que suele inhibir las apuestas creativas.

También habrá una dimensión formativa orientada hacia la reflexión en torno a la experiencia de la literatura y las diversas concepciones de lenguaje (del mundo) que ahí pueden tener lugar. Este trabajo, a la vez teórico y crítico con diversos materiales (formas poéticas, cuentos, ensayos, crónicas), busca proporcionar herramientas para ingresar a lo literario y a lo narrativo en particular, tanto para la lectura como para la escritura, dos procesos que no pueden pensarse separados.

Metodología:

La propuesta procurará atender a la diversidad de experiencias en relación con la práctica de la escritura. El taller se desarrollará mediante encuentros que articularán la escucha común, la reflexión teórica y el ejercicio de la escritura.
La presentación teórico-crítica de los ejes a desarrollar estará siempre orientada en función de los contenidos, con apoyo de un corpus bibliográfico, iconográfico y filmográfico deliberadamente heterogéneo y abierto, es decir, permeable a los intereses que se vayan manifestando.
Se propondrán ejercicios que sirvan como disparadores de escritura, tanto durante los encuentros como de manera diferida.
El análisis grupal sobre los materiales propuestos y los trabajos realizados por les participantes también tendrá lugar de modo sincrónico y diferido, en función de la cantidad de producciones y su extensión. Lo mismo aplica para las revisiones, tanto individuales como colectivas, que podrán darse por fuera del horario del taller.

Contenidos:

• Primer encuentro: Elementos de la narración: ¿qué/quién/cómo (se) cuenta?
Lo narrable: formas asumidas por el narrador (homo y heterodiegético, omnisciente, discurso indirecto libre); focalización narrativa.

• Segundo encuentro: Objetividad y subjetividad: autobiografía, autoficción, no-ficción.
La carga subjetiva en la escritura: debates contemporáneos en torno a lo autobiográfico, la auto-ficción, la no-ficción.

• Tercer encuentro: Concepciones del lenguaje: la palabra como estética.
El lenguaje en la literatura: concepciones acerca de la lengua; nociones de voz, tono, dialogismo, bivocalidad; la lengua literaria como no-discurso; política y estética: el reparto de lo sensible.

• Cuarto encuentro: El texto como reescritura: ¿qué hacer con los borradores?
El texto: modos tradicionales y contemporáneos de entender el objeto “texto” y sus vínculos con los procesos de escritura; el borrador como el otro del texto; la textualización como irrupción de la contingencia.

Lisandro Relva (La Plata, 1993) es profesor y licenciado en Letras por la Universidad Nacional de La Plata (UNLP). Como becario doctoral en co-tutela de UNLP y de la Universidad de Poitiers en Francia, lleva adelante una investigación que estudia las diversas formas de comunidad que la escritura de Julio Cortázar fue y es capaz de activar. Se especializa en filología y archivística, estudiando ya no exclusivamente las obras éditas sino los procesos de escritura de las que son una parte más. Desde 2016 participa como docente en la Escuela Popular Tinku y en diversos espacios de formación en educación popular.

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Esta historia es la mía
Introducción a la escritura autobiográfica

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Viernes 2 y 16 de julio de 2021

Inscripción: https://forms.gle/v1QQyB8xvPyggrNf8
Actividad gratuita. Cupos limitados

El Centro de Arte de la UNLP organiza junto con Papel Cosido. Registros sobre Arte en América Latina, editorial de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata (FDA-UNLP), el taller “Esta historia es la mía. Introducción a la escritura autobiográfica” dictado por Mariana Mazover.

El programa se dirige a quienes buscan tener un primer acercamiento a la escritura autobiográfica y adquirir herramientas que sirvan para abordar un proyecto propio.

Se desarrollará en dos jornadas de tres horas de duración y con una frecuencia quincenal. Estos encuentros de iniciación a la escritura se proponen como un espacio de trabajo donde se sentarán las bases teóricas para abordar la escritura autobiográfica y se trabajará en forma práctica, a partir de la lectura de los ejercicios surgidos durante el taller.

Contenidos:

1) Encuentro teórico: Lo autobiográfico en la escritura literaria.

• ¿Qué es lo autobiográfico? Género vs pacto de lectura.

• El problema de la sinceridad en lo autobiográfico.

• Universo pulsional en la escritura autobiográfica: memoria y experiencia.

• Estrategias productivas en la literatura autobiográfica: la rememoración del pasado y el registro del presente.

• Herramientas para escribir: voz narrativa, tono, atmósfera, figuratividad y dramaticidad en la escritura autobiográfica.

 

2) Encuentro práctico: Lectura y corrección.

• Estrategias para leer y corregir un texto autobiográfico.

• Selección de textos para trabajar en la clase y propiciar un espacio de preguntas e intercambios.

 

Material adicional:

• Dos clases audiovisuales introductorias que los participantes podrán ver antes del primer encuentro.

• Cuadernillo de lectura con dos textos autobiográficos: Glaciares, de Marina Yuckzuck y Diario de una observadora de nubes, de Cecilia Pavón.

• Cuadernillo de ejercicios de escritura con tres pautas creativas.

Mariana Mazover (Buenos Aires, 1979). Es licenciada en Ciencias de la Comunicación por la Universidad de Buenos Aires (UBA), cuenta con más de diez años de experiencia y trayectoria como artista, dramaturga y docente de escritura creativa. Desarrolló su formación artística con maestros como Mauricio Kartun, Ricardo Monti, Claudio Tolcachir y Juan Carlos Gené. Como autora y directora estrenó El Cerco de Agua (2009/2010), Piedras dentro de la Piedra (2012), Esquinas en el cielo (2013), Etiopía (2015/2016), Mil Federicos (2016/2018) y Trayectorias Residenciales (2019/2020). Fue distinguida con el Premio Teatro del Mundo y el Premio ARTEI. La mayoría de sus obras se encuentran publicadas. En los últimos años se dedicó a la creación de ciclos y festivales orientados a investigar el cruce entre artes escénicas y literatura, desarrollando diferentes formatos.
Con una vasta experiencia en la enseñanza de escritura creativa, a partir del año 2020 su escuela pasó a funcionar bajo la Plataforma Mariana Mazover. Artes de la Escritura y Artes Escénicas, en cuyo marco produce también nuevos formatos de transmisión y formación orientados a los nuevos entornos digitales. El primer proyecto dentro de este nuevo ciclo profesional es la creación del Atlético de Escritura Creativa, un proyecto virtual que reúne a una extensa comunidad de escritoras y escritores que trabajan en todo el mundo bajo consignas creativas por correspondencia.

 

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Ableton Live desde cero
Dictado por Santiago Rodríguez

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Miércoles 07.07.21, 14.07.21, 04.08.21 y 11.08.21

Plataforma Zoom
Inscripción: https://forms.gle/hE26SLeQ7j9Wkvfb7

Este taller está orientado a aquellas personas con o sin conocimientos musicales, que quieran introducirse en el mundo de la producción musical en Ableton Live.
El objetivo es explorar las posibilidades que ofrece el software para empezar a plasmar ideas musicales, que sirvan como punto de partida hacia composiciones terminadas y/o como herramientas para actuaciones en vivo.
En los primeros dos encuentros abordaremos tanto la Vista de Sesión (Session View) como la Vista Arreglo (Arrangement View), y la relación que tienen entre sí.
En el tercer encuentro veremos cuestiones relacionadas a Live Looping, y en el cuarto encuentro trabajaremos colectivamente sobre ideas propuestas por los oyentes.

Santiago Rodríguez. Cursó estudios en el conservatorio de música de Tres Arroyos, así como en las carreras de Composición Musical y Guitarra en Música Popular en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata (FDA-UNLP). Actualmente cursa la Tecnicatura en Sonido y Grabación en dicha casa de estudios. También realizó cursos de grabación y sonido con Pablo Formica, Santiago D’Elía, Pablo Gindre y Pablo Rabinovich. Como músico fue integrante de varios grupos y formatos. Actualmente produce su proyecto solista llamado “Santi Mutante”.

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La canción y su arreglo. Tensiones y distancias
Dictado por Facundo Cedeño

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Miércoles 09, 16, 23 y 30 de junio
De 16 a 18h
Plataforma Zoom

Inscripción: https://forms.gle/3wXaRTzTBRUnU1r99

El taller tiene como objetivo construir un acercamiento a la experiencia del arreglo de canciones.
Los tres primeros encuentros se desarrollarán en torno a los siguientes ejes:

• Primer encuentro: La melodía principal.
• Segundo encuentro: El acompañamiento.
• Tercer encuentro: La letra.

En cada uno de ellos presentaremos una canción original y un arreglo donde se pueda observar y analizar el trabajo de intervención realizado.
Paralelamente se les solicitará a los talleristas realizar un ejercicio de intervención y composición sobre el eje abordado en cada encuentro.
En el cuarto encuentro se compartirán los ejercicios de arreglo realizados durante el transcurso del taller con el propósito de valorar la multiplicidad de formas de acercamiento a la tarea de arreglar.

Facundo Cedeño. Licenciado y profesor de Música con Orientación en Música Popular de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata (UNLP). Desarrolla tareas como docente en la Facultad de Artes de la UNLP en las cátedras de Introducción al Lenguaje Musical y Canto y Percusión I y II. Fue seleccionado para participar del Segundo Encuentro Argentino de Composición e Improvisación Musical desarrollado por el Fondo Nacional de Las Artes en la ciudad de San Juan con los maestros Marcelos Moguilevsky, Oscar Edelstein, Ernesto Jodos y Mariano “Tiki” Cantero.

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Programa de formación en arte, curaduría y teorías contemporáneas

Coordinación: Fracisco Lemus
Docentes: Agustina Paz Frontera, Pablo Montini, Gloria Cortés Aliaga y Dani Zelko

Inscripción: del 20.05.2021 al 10.07.2021
Inscripción se realiza través del siguiente formulario: https://forms.gle/sAivMj395onQrki29
Inicio: 02.08.2021

Las imágenes, dentro y fuera de cualquier organización específica de la historia y de la teoría del arte, son artefactos transitivos, se trasladan de persona a persona, en grupos, migran temporalmente, se aparecen de manera imprevista y nos toman por sorpresa. Su opacidad es un contrapunto que puede ser dañino o todo lo contrario, abrir mundos, trazar espacios para el pensamiento, intensificar y acelerar estéticas. Hacer política. Es decir, las imágenes asumen un lugar central en la comunidad, pero también la contradicen, nos revelan las claves para ponerla en discusión y demostrarnos que, ante todo, son mucho más que un simple reflejo. Claro que estos movimientos siempre necesitan de las palabras, las ideas, los entornos. Sin adentrarnos de manera exhaustiva en la vida de las instituciones, podemos decir que las prácticas curatoriales y las actividades que conllevan a su desarrollo posicionan saberes y producen representaciones que intervienen en la construcción de identidades y posiciones subjetivas, imaginarios y discursos que atraviesan al territorio.

En el actual contexto de pandemia, la pregunta por la vida colectiva se ha vuelto central para pensar la idea un país, pero también las formas cotidianas más pequeñas. Lo social ha comenzado a reinventarse. Hay incertidumbre, pero también alianzas momentáneas que garantizan la existencia. Desde el Centro de Arte de la UNLP, en colaboración con el Instituto de Investigación en Producción y Enseñanza del Arte Argentino y Latinoamericano (IPEAL) nos proponemos un desafío clave en la formación de sujetos críticos interesados en trabajar sobre las imágenes: sospechar de nuestras certezas.

En el marco de las actividades de formación y artes visuales, este programa tiene como objetivo indagar en la dimensión que ofrece el arte y la curaduría a través de acciones contemporáneas que tienden a desajustar las convenciones y los ideales sobre lo que es un museo, un patrimonio, la historia y quién la escribe.

La apertura del programa será el lunes 2 de agosto con una conversación pública entre el poeta, ensayista y docente, Sergio Raimondi y Francisco Lemus, coordinador del programa. De agosto a noviembre se dictarán cuatro seminarios que involucran a los debates sobre el feminismo y las disidencias sexuales, la interpelación crítica y artística de los objetos culturales que forman parte de nuestro pasado, la curaduría como práctica subversiva con respecto a la edificación de un canon y la experimentación del lenguaje a partir de la escucha grupal.

• Destinataries
Estudiantes, docentes, investigadores de arte, literatura, ciencias sociales y comunicación. Artistas, diseñadores y realizadores.

Aquelles estudiantes de las carreras de posgrado de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata podrán acreditar como 1 seminario optativo el cursado de 2 seminarios del presente Programa de Formación y la entrega de 1 trabajo final que será evaluado por miembros del comité científico del IPEAL. En virtud de la resolución Nº 237 del Consejo Directivo de la Facultad de Artes de la UNLP.

• Horario
Martes a las 18h. A través de la plataforma Zoom.

• Requisitos para la inscripción
 Se podrá cursar con inscripción previa en: https://forms.gle/FQCYhByfsvuy37Q48

Es importante indicar qué seminario se va a cursar y recordar que existe la opción de elegir:

-1 Seminario
-2 Seminarios (obligatorio el taller final del mes de noviembre)
-4 Seminarios (programa completo)

• Documentación a presentar:

-Curriculum Vitae (formato abreviado)
-Carta de motivación dirigida a las autoridades del Centro de Arte

• Consultas: formacioncentrodearteunlp@gmail.com

• Evaluación

Un comité integrado por la Prof. Mariel Ciafardo (Secretaría de Arte y Cultura de la UNLP y directora de proyectos de investigación en el IPEAL), la Dra. Natalia Giglietti (directora del Centro de Arte de la UNLP), el Dr. Francisco Lemus (coordinador del programa), el Lic. Federico Ruvituso (director del Museo Provincial de Bellas Artes “Emilio Pettoruti”) y la investigadora y artista Guillermina Mongan. Elles eleccionarán sobre una vacante de 30 (treinta) personas como máximo para cursar cada seminario.

• Seminarios

Del 3 al 24 de agosto

• Escenas de desacuerdo. Salir por la tangente feminista
Por Agustina Paz Frontera

En este seminario nos proponemos construir un punto de vista desde donde pensar escenas de lo social irresueltas o que despiertan disputas. La pregunta feminista aparece como un método para desviarse de la disyuntiva y construir alternativas que escapen de la respuesta binaria a favor/en contra. A esto nos referimos cuando decimos: irse por la tangente feminista. Para ensayar este método recorremos cuatro escenas de lo social en las que se manifiestan dos posiciones antagónicas y damos vueltas en torno a ellas con preguntas que rompen la quietud de los posicionamientos esclarecidos. Abordamos anécdotas políticas, revistas culturales, expresiones artísticas y manifestaciones identitarias no vinculadas necesariamente con la agenda de los feminismos, desde una mirada crítica, por la tangente feminista.

Del 7 al 28 de septiembre

• ¿Qué le puede decir un museo histórico al arte contemporáneo?
Por Pablo Montini

Este seminario no tratará sobre la historia de los museos históricos, ni sobre la relación entre historia y memoria, tampoco sobre los artistas que han trabajado sobre temas, acontecimientos y personajes del pasado nacional. Aunque resulte necesario comprender que estos museos fueron unos de los instrumentos privilegiados por las elites para la construcción del Estado-Nación, nos detendremos en la formación de sus colecciones como portadoras de significaciones vinculadas al modelo de sociedad que se pretendía construir. Para cumplimentar con todas sus funciones, se formaron colecciones con todo tipo de piezas que los transformaron en una especie de clúster de museos o colección de colecciones. El arte estuvo presente desde sus inicios, fue el encargado de despertar la emoción o el sentimiento de emulación entre sus públicos, con las históricas representaciones artísticas dotadas de valor documental o con obras contemporáneas de géneros tradicionales o cargadas de experimentaciones. Sin embargo, al cabo de décadas se fueron fosilizando, no se expandieron en torno a los procesos históricos ni a los nuevos actores políticos y sociales que demandaban un lugar en la historia nacional. Tampoco hubo una demanda de los artistas por ingresar, exhibir o investigar en sus colecciones, frente a la escasez de espacios institucionales y lo ajustado que se encuentra el mercado de arte.

En este seminario se hará foco en lo que ofrecen los museos históricos para el arte contemporáneo, como espacios de experimentación, investigación y activación. Al dotar de sentido a estas instituciones se descubre uno de los problemas actuales circunscripto a la falta de una perspectiva de futuro, que anula a la historia para obligarnos a vivir en un presentismo absoluto. A partir del análisis de un conjunto de obras, exposiciones y propuestas educativas y de comunicación se pondrán en evidencia las prácticas curatoriales referidas al arte contemporáneo en los museos históricos que han resignificando las miradas sobre sus colecciones, transformándolos junto a las demandas comunitarias de diversos grupos sociales excluidos hasta el momento de la historia.

Del 5 al 26 de octubre

• Museos emancipadores
Por Gloria Cortés Aliaga

Caracterizado principalmente por una colección de arte moderno (siglos XIX-XX), chileno y europeo, adquirido mediante compras oficiales y donaciones de coleccionistas y artistas, premios y medallas de salones, el Museo Nacional de Bellas Artes (Chile) conforma un corpus de obra que responde a la mirada oficial del sistema de las artes, en donde la exclusión, por una parte, y la homogeneización, por otra, producen tensiones y resistencias permanentemente. A partir del análisis de un conjunto de exposiciones realizadas desde el 2016, se abordará el impacto que ejercen las prácticas curatoriales en el contexto institucional a través de la deshomogenizacion de las colecciones y la subversión del canon desde las prácticas feministas y anticoloniales.

Instalar la historia de las mujeres en el Museo, que considere el esquema de la subjetividad y la circulación del cuerpo –artístico, físico y emocional–, del discurso y del territorio político implícitos en sus procesos creativos y de difusión de obra, permite la configuración de nuevas cartografías desde diversas condiciones: la posición social, la participación en la sociedad civil o la identidad como sujetas político-plurales. Incorporar los feminismos en el Museo obliga a la institución a reflexionar críticamente sobre las urgencias disidentes en los espacios de hegemonía, agitando narrativas y provocando nuevos modos de agenciamiento.

“Museos emancipadores” busca definir prácticas museológicas que provoquen, faciliten y promuevan espacios para la educación, el pensamiento crítico, la autonomía y la autodeterminación, capaces de interpelar no solo a partir de lo que ve (es decir sus colecciones), sino que también a partir de lo que no ve dentro de ellas.

Del 2 al 23 de noviembre

• Contradicciones maestras
Por Dani Zelko

A partir de la escucha, este taller se propone indagar en las personas a través de la escritura como un efecto de la vida privada y pública, de la actualidad y la memoria, de los acontecimientos políticos y lo social. “Contradicciones maestras” se propone observar la contradicción como un punto de partida que incentiva el pensamiento y la acción. ¿Qué nos avergüenza? ¿Cuáles son nuestras fallas? ¿Qué nos frustra? Son algunas de las preguntas que nos permitirán trabajar sobre las incomodidades como materia prima para experimentar con el lenguaje.

Coordinador

• Francisco Lemus. Vive y trabaja en Buenos Aires, Argentina. Es historiador del arte por la Universidad Nacional de La Plata (UNLP) y doctor en Teoría Comparada de las Artes por la Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF). Es magíster en Curaduría en Artes Visuales por la misma universidad. Su tesis doctoral se titula Guarangos y soñadores. La Galería del Rojas en los años noventa. En el marco de una Beca Posdoctoral del CONICET, investiga las respuestas artísticas y políticas al VIH/sida en la posdictadura argentina. Es docente del Departamento en Estudios Históricos y Sociales de la Facultad de Artes de la UNLP y de la Maestría en Estudios y Políticas de Género de la UNTREF. Publica artículos académicos y textos de divulgación en revistas nacionales e internacionales. Ha curado exposiciones en instituciones y museos de arte del país, entre éstas, Imágenes seropositivas (La Ene, 2017), Tácticas luminosas (Colección Fortabat, 2019) y Fuera de serie (MALBA,2021).

Profesores

• Agustina Frontera. Periodista, escritora y productora. Vive y trabaja en Buenos Aires. Licenciada en Ciencias de la Comunicación (UBA) y magíster en Periodismo Documental (UNTREF). Co-directora de LatFem, Periodismo feminista. Fundadora de Ni Una Menos y de la Red de Periodistas Feministas de América Latina y El Caribe. Publicó los libros Una excursión a los mapunkies, Lila y el aborto (con la Revuelta), y los poemarios La central del sentir y Para llegar al piso. Dirigió el documental sobre la revista contracultural Cerdos y Peces, Este sitio inmundo. Condujo los micros audiovisuales feministas Caja de Herramientas. Recibió el Premio Lola Mora 2019 a la labor periodística en medios digitales y la beca de Periodismo de soluciones de la Fundación Gabo (2020).

• Pablo Montini. Es historiador por la Universidad Nacional de Rosario (UNR), especializado en la historia del coleccionismo y de los museos en Rosario. Vive y trabaja en Rosario. En el 2001, ingresó como investigador al Museo Histórico Provincial de Rosario “Dr. Julio Marc”, y desde el 2017 accedió por concurso a su dirección. Forma parte de la Comisión directiva del CAIA (Centro Argentino de Investigadores de Arte). Es docente de Historia del arte de la Escuela Superior de Museología y de Prácticas Pre-profesionales I en la carrera de Gestión Cultural (UNR). También ha curado exposiciones en los museos de Rosario y Rafaela. Desde su implementación ha sido jurado del Certamen estímulo a la investigación “Hugo Padeletti” del Museo Rosa Galisteo.

• Gloria Cortés Aliaga. Es historiadora feminista del arte y magíster en Historia del Arte. Vive y trabaja en Santiago de Chile. Actualmente, es curadora del Museo Nacional de Bellas Artes. Se especializa en estudios con perspectiva de género y feminismos, así como en la configuración de la modernidad en Chile y sus alcances en las políticas visuales. Ha sido curadora de múltiples exposiciones, entre ellas: (en)clave Masculino (2016); Desacatos. Prácticas artísticas femeninas (1835-1939) (2017); Yo soy mi propia musa. Pintoras latinoamericanas de entreguerras (1919-1939) (2019). Asimismo, es autora de múltiples publicaciones, entre las que destaca, Modernas. Historias de mujeres en el arte chileno (1900-1950) (Origo, 2013). Junto a Talía Bermejo fue coordinadora del dossier “Museos híbridos, feministas, descolonizados”, Revista Caiana, Argentina (2019).

• Dani Zelko. Es artista visual, poeta, músico, traductor y docente. Vive y trabaja en Argentina. Su obra está hecha de palabras y personas, que se juntan a través de diversos procedimientos para generar acontecimientos y publicaciones en los que las tensiones políticas y los experimentos del lenguaje se retroalimentan. Desde 2015 lleva a cabo el proyecto Reunión. Realizó colaboraciones con espacios como Museo Reina Sofía (España), Fundación Proa (Argentina) y Bikini Wax (México). Dio numerosas conferencias y presentaciones en instituciones como el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, Universidad de Nueva York y Universidad de Princeton (EE.UU.), Casa de las Américas (Cuba) y Museo Tamayo (México). Publicó once libros, algunos de los cuales fueron traducidos al inglés, portugués, alemán, italiano y francés. Su obra fue expuesta en Argentina, Paraguay, Cuba, México, Estados Unidos y Canadá. Se desempeña como docente en museos, universidades, espacios de formación artística y talleres, como el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Universidad Nacional de las Artes, SOMA (México) y Universidad de Nueva York (EE.UU.). Recibió reconocimientos del Visible Award (Estados Unidos), Premio Braque y Fondo Nacional de las Artes (Argentina), entre otros. Es parte del Proyecto Secundario “Liliana Maresca” en Villa Fiorito. Se formó en el Centro de Investigaciones Artísticas y con Diana Aisenberg.

Evaluadores

• Federico Ruvituso. Profesor y licenciado en Historia del Arte y maestrando en Estética y Teoría del Arte (FDA-UNLP) y en Historia del Arte Argentino y Latinoamericano del siglo XIX y XX en la Escuela de Interdisciplinaria de Altos Estudios Sociales de la Universidad Nacional de San Martín (IDAES-UNSAM). Se desempeña como docente en Historia e Historiografía del arte en la Facultad de Artes de la UNLP. Es autor y co-autor de libros y artículos sobre historiografía, iconología y artes visuales, publicados en el ámbito nacional e internacional. Como investigador, ha realizado trabajos curatoriales y técnicos para el Museo Nacional de Bellas Artes, el Museo Nacional de Arte Decorativo, el Museo de La Plata y el Centro de Arte de la UNLP. Es editor asociado de Armiliar. Revista de Historiografía del Arte (FDA-UNLP). Como ilustrador independiente expone y publica sus imágenes en libros y fanzines. Actualmente trabaja en la dirección del Museo Provincial de Bellas Artes “Emilio Pettoruti”.

• Guillermina Mongan (La Plata, 1979). Es artista, historiadora del arte (FDA-UNLP), maestranda en Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual en la Universidad Autónoma de Madrid-Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (UAM-MNCARS), curadora y docente. Es miembro de la Red Conceptualismos del Sur (RedCSur) y del colectivo de investigación curatorial Frente Sudaka. Investiga y produce, de manera individual y colectiva, en torno a las metodologías, narraciones y performatividades de la investigación artística; a las prácticas artístico políticas y al archivo como espacio de experimentación de relatos y memorias. Actualmente se encuentra trabajando junto a la RedCSur para una exposición sobre gráfica política latinoamericana en el Museo Reina Sofía, Madrid.

• Mariel Ciafardo. Profesora en Historia de las Artes Visuales, investigadora, docente y artista visual. Profesora titular ordinaria de las cátedras de Lenguaje Visual 1 y 2 B en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata. Profesora estable de la carrera de posgrado Especialización en Lenguajes Artísticos (FDA-UNLP). Docente-Investigadora Categoría 1. Actualmente dirige el proyecto de investigación “Artes visuales contemporáneas latinoamericanas. Los vestigios formales del pasado en el presente”. Directora de tesis de posgrado y de becarios de investigación. Ha dictado cursos de posgrado en distintas universidades nacionales. Miembro del Comité Académico del Instituto de Investigación en Producción y Enseñanza del Arte Argentino y Latinoamericano (IPEAL). Autora de libros, capítulos de libros y de artículos en revistas especializadas. En 2020, publicó el libro La enseñanza del Lenguaje Visual. Bases para la construcción de una propuesta alternativa. Evaluadora de proyectos de investigación y de becas e integrante de jurados de certámenes, salones, concursos y tribunales de tesis de grado y posgrado. Secretaria de Arte y Cultura de la UNLP, período 2018-2022.

• Natalia Giglietti. Doctora en Artes, licenciada y profesora en Historia de las Artes Visuales de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata (FDA-UNLP) y especialista en Crítica de Artes de la Universidad Nacional de las Artes (UNA). Se desempeña como titular ordinaria en la cátedra Teoría de la Historia y como jefa de trabajos prácticos en la cátedra Lenguaje Visual IIB (FDA-UNLP). Fue becaria de investigación tipo A y B de la UNLP. Sus últimas publicaciones trabajan en torno a los archivos personales de artistas. Dirige NIMIO. Revista de la cátedra Teoría de la Historia (FDA-UNLP), publicación especializada en arte y archivos, y el proyecto de investigación Arte, archivos y cultura visual entre 1980 y 2001. Acervos personales de artistas visuales y de diseñadores de la ciudad de La Plata (PPID-UNLP). Entre 2011 y 2014, fue Directora de Arte de la Prosecretaría de Arte y Cultura de la UNLP. Actualmente, es Prosecretaria de Arte de la Secretaría de Arte y Cultura de la UNLP.

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