Coordinación: Fernando Davis
Docentes: Paula Bertúa, Damián Cabrera, Mag De Santo, Ana Longoni y Duen Neka’hen Sacchi.

De junio a octubre de 2025
Modalidad virtual sincrónica
Actividad no arancelada

INSCRIPCIÓN

Cronograma
Inicio de la inscripción: 21 de abril
Cierre de la inscripción: 11 de mayo
Resultados: 28 de mayo
Presentación: Miércoles 4 de junio a las 18:00h

El programa de formación en arte, curaduría y teorías contemporáneas del Centro de Arte UNLP constituye un espacio de reflexión y producción crítica y teórica en torno al arte contemporáneo, la práctica curatorial y la investigación en historia y teoría del arte. La apertura del Programa en 2025 tiene lugar en el marco de una grave crisis que afecta el sistema universitario nacional, la ciencia, la educación pública en general y los ámbitos del arte y la cultura, sometidos a agresivos ajustes y recortes presupuestarios. En este complejo escenario, sostenemos la continuidad del Programa de formación, convencidas/os/es de que la universidad pública tiene un lugar central en la producción de conocimientos como instrumentos de soberanía, en la transformación de las comunidades y en la construcción democrática, de que el acceso al arte y la cultura es un derecho de todas/os/es y de que las prácticas artísticas y curatoriales constituyen espacios de experimentación e imaginación sensible, social y política, que dan forma a interpretaciones críticas de la realidad y contribuyen a reinventar las condiciones de lo posible.

El conjunto de seminarios del programa compone una cartografía de problemas en torno a la pregunta por las formas de agencia social y política del arte, considerando la práctica artística en su funcionamiento performativo, en las operaciones que construye, en sus modos de intervención en el presente, en los porvenires de sentido que torna pensables. Entendemos que las imágenes son performativas porque, más que describir o representar un determinado estado de cosas, participan en la construcción de la realidad, en la producción y administración de subjetividades, procesos de identificación, políticas de la mirada, regímenes escópicos, modulaciones del deseo y formas de existencia. En sus formaciones hegemónicas, las imágenes forman parte de las tecnologías de control y de organización de las políticas de producción de lo visible de la globalización neoliberal. Pero así también, como se propone en las prácticas artísticas, activistas, curatoriales y de archivo presentadas en los seminarios de este programa, las imágenes contribuyen a diagramar escenas de disenso que perforan o introducen intervalos en los “repartos (desigualitarios) de lo sensible”, como ha señalado Jacques Rancière, en los ensamblajes sensoriales que disciplinan o constriñen las posibilidades de los cuerpos y sus modos de organización y acción. Las posibilidades de agencia de las imágenes se juegan en su capacidad para ensayar formas de la imaginación política y sensible desde donde hacer pensables y visibles realidades y existencias que no preexisten a la escena que el arte configura en los modos oblicuos y suspensivos a través de los cuales interpela las condiciones de su presente. Las imágenes constituyen complejas tecnologías críticas y poético-sensibles que modulan formas de relacionalidad afectiva, ficcionan realidades alternativas y levantan memorias, narrativas y figuraciones que desafían la estabilidad de las construcciones hegemónicas, posibilitan conexiones no lineales entre objetos, cuerpos, espacios y tiempos, encienden la imaginación teórica y política.

Destinatarias/os/es
Estudiantes, docentes, investigadores de arte, literatura, ciencias sociales y comunicación. Artistas, diseñadores y realizadores.

Requisitos para la inscripción
Inscripción: 21 de abril al 11 de mayo

Se podrá cursar con inscripción previa a:
– Disponibilidad horaria para cursar el programa de manera completa.
– Se otorgará un certificado de asistencia por el programa completo a aquelles que cumplan con el 75% de la cursada del programa, no pudiendo tener más de una inasistencia por seminario.

Documentación a presentar:
– Curriculum Vitae (formato abreviado).
– Carta de motivación dirigida a las autoridades del Centro de Arte. Cada postulante debe explicitar en su carta en qué sentido el programa y las perspectivas teóricas, críticas y epistemológicas del conjunto de seminarios, se vinculan con su propia trayectoria y líneas de investigación, contribuyendo a ampliarlas o posibilitando nuevas indagaciones y preguntas teóricas.

Consultas: formacioncentrodearteunlp@gmail.com
Asunto: Inscripción.

Evaluación
Un comité integrado por la Prof. Mariel Ciafardo (Secretaria de Arte y Cultura de la UNLP y Directora de proyectos de investigación en el IPEAL), la Dra. Natalia Giglietti (Directora del Centro de Arte de la UNLP) y el Lic. Fernando Davis (Coordinador del Programa) seleccionarán sobre una vacante aproximada de 45 personas para cursar los seminarios.

Seminario
Políticas de investigación, archivo y curadurías colectivas desde la RedCSur
Ana Longoni
Miércoles 11 y 18 de junio y 2 de julio de 18:00 a 20:00h

La Red Conceptualismos del Sur, fundada en 2007, se define como una trama afectiva y activista que busca actuar en el campo de disputas epistemológicas, artísticas y políticas del presente. Desde un posicionamiento plural sur-sur, la RedCSur apuesta a incidir en la dimensión crítica de prácticas artísticas, archivísticas, curatoriales y de movimientos sociales, bajo la idea de que investigar es en sí un acto político, interviniendo sobre diferentes coyunturas que habitamos. En este seminario, además de presentar los modos de trabajo, y las políticas de investigación, archivo y activación de la RedCSur, nos focalizaremos en tres proyectos de curaduría colectiva sobre arte/política: Perder la forma humana. Una imagen sísmica de los años ochenta en América Latina (2012), Giro gráfico. Como en el muro la hiedra (2022) y El futuro detrás. Imaginación política después del estallido del 2001 (2024).

Ana Longoni es escritora, investigadora del CONICET y profesora de grado y posgrado en la Universidad de Buenos Aires y otras universidades. Doctora en Artes (UBA). Trabaja sobre los cruces entre arte y política en la Argentina y América Latina desde mediados del siglo XX hasta nuestros días. Autora de numerosas publicaciones, entre sus libros destacan Del Di Tella a “Tucumán Arde”. Vanguardia artística y política en el 68 argentino (junto a Mariano Mestman, 2000), Traiciones (2007), El Siluetazo (junto a Gustavo Bruzzone, 2008) y Vanguardia y revolución. Arte e izquierda en la Argentina de los sesenta-setenta (2014). Sus últimos libros son Tercer oído (2021) y Parir/Partir (2022). Dos obras teatrales de su autoría, La Chira y Árboles, se estrenaron en Buenos Aires en 2003 y 2006, respectivamente. Impulsa desde su fundación en 2007 la Red Conceptualismos del Sur. Curó sola o en colaboración las exposiciones Roberto Jacoby. El deseo nace del derrumbe (2011), Perder la forma humana. Una imagen sísmica de los años ochenta en América Latina (2012), Con la provocación de Juan Carlos Uviedo (2014), Oscar Masotta. La teoría como acción (2017) y Giro gráfico. Como en el muro la hiedra (2022). Integró la Comisión Gestora y fue vicerrectora de Investigación y Posgrado de la Comisión Gestora de la Universidad de las Artes, Guayaquil, Ecuador, 2015. Entre 2018 y 2021, fue directora de Actividades Públicas del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

Seminario
Nombres en busca de un hogar: discurso, arte y curaduría
Damián Cabrera
Martes 5, 12 y 19 de agosto de 18:00 a 20:00h

Este seminario se centrará en las relaciones entre escritura y prácticas artísticas y curatoriales desde algunas claves para pensar obras que operan en la frontera del discurso hablado y escrito, pasando por el rol de la escritura en la investigación curatorial, hasta curadurías centradas en el texto. El punto de partida del seminario serán algunos ejercicios curatoriales en el Museo del Barro y la Fundación Migliorisi, de Asunción, Paraguay, centrados en la escritura. Finalmente, se propondrán modos de categorización de proyectos expositivos en función de géneros discursivos y se pensará en las posibilidades del espacio expositivo para abrigar discurso. Este seminario pretende explorar un repertorio teórico y de casos que -aunque marginales- enfaticen el papel que desempeña el discurso en las prácticas artísticas y curatoriales, y cómo el campo abierto entre ambos se vuelve un espacio para la articulación de las diferencias.

Damián Cabrera es escritor, investigador, docente y curador paraguayo. Tanto sus obras de ficción como sus ensayos se concentran en la investigación de la realidad de la Triple Frontera, especialmente en las relaciones entre Brasil y Paraguay. Es licenciado en Letras por la Universidad Nacional del Este y magíster en Filosofía por el programa de Pós-Graduação em Estudos Culturais da Escola de Artes, Ciências e Humanidades (EACH) de la Universidade de São Paulo. Es miembro de la Red Conceptualismos del Sur, integra el colectivo editorial Ediciones de la Ura y es miembro de la Asociación Internacional de Críticos de Arte – Capítulo Paraguay. Es coordinador del Departamento de Documentación e Investigación del Centro de Artes Visuales / Museo del Barro y docente de la Licenciatura en Artes Visuales del Instituto Superior de Arte Dra. Olga Blinder, de la Universidad Nacional de Asunción, y de la Licenciatura en Cinematografía de la Universidad Columbia del Paraguay. Es autor de los libros Xiru (2012, ganadora del premio Roque Gaona) y Xe (2019). Ha curado las exposiciones de arte Inestable. Aproximaciones poéticas a la masacre de Curuguaty (Centro de Artes Visuales / Museo del Barro, 2015), Poder, autoritarismo e insubordinación (Fundación Migliorisi, 2018), Porvenir: Vida común a destiempo (Centro de Artes Visuales / Museo del Barro, 2022) y La silla más distante: Historia de dos obsesiones (Centro de Artes Visuales / Museo del Barro, 2023).

Seminario
Reencantamiento de la técnica: imaginación, política y agencia de las imágenes
Paula Bertúa
Martes 2, 9 y 16 de septiembre de 18:00 a 20:00h

Los siglos XIX y XX vieron el surgimiento y masificación de las imágenes técnicas (cine, fotografía, video), mientras que el siglo XXI dio lugar al nacimiento de las imágenes maquínicas (inteligencia artificial, machine learning, complejos algorítmicos). A lo largo de los tres encuentros, realizaremos un recorrido por diversas prácticas artísticas que ponen en escena este giro estético de la técnica. El objetivo es indagar en el estatuto político de las imágenes técnicas y en su capacidad de agencia para desmontar los programas de los aparatos, y así fabular nuevos imaginarios a aquellos determinados por el progreso tecnocrático. Propongo que si en la modernidad, la racionalidad instrumental llevó a un desencantamiento de la cultura y a la burocratización de las sociedades tecnológicas, en la contemporaneidad, la apertura de las imágenes a una topografía indeterminada de materiales, prácticas y saberes nos permite especular con un reencantamiento de la técnica.

Paula Bertúa es docente, crítica y curadora. Doctora en Letras (UBA), magíster en Historia del Arte Argentino y Latinoamericano (UNSAM) e investigadora del CONICET en el Centro MATERIA (IIAC-UNTREF). Allí dirige PIPEC, un Programa de Investigación sobre Prácticas Estéticas Contemporáneas [Materialidades – Procesos – Medialidad]. Enseña teoría y crítica literaria en la carrera de Letras, en la Facultad de Filosofía y Letras (UBA). En sus investigaciones sobre literatura y cultura visual en América Latina, explora las intersecciones entre estética, política y tecnología, desde un enfoque que integra una perspectiva materialista con el posthumanismo crítico y la filosofía de la técnica. Ha publicado los libros La cámara en el umbral de lo sensible. Grete Stern y la revista Idilio (1948-1951) (2012), Múltiple, singular, plural. Derivas de género en la fotografía contemporánea (2022), El trabajo de mirar. Saberes, prácticas y abordajes críticos de las imágenes (2023), y colaborado con artículos en revistas académicas especializadas y capítulos en volúmenes colectivos.

Seminario
Las pieles en que se imprimen las ausencias: documento, aparición y prácticas artísticas
Río Paraná (Mag De Santo y Duen Neka’hen Sacchi)
Martes 7, 14 y 21 de octubre, 18:00 a 20:00h

Los regímenes de desaparición occidental producen, entre otras cosas, una suspensión de los marcos epistémicos, temporales, espirituales documentales: la imagen está rota, incompleta, escondida y cargada de violencias. Ante el acecho que esas imágenes del orden clasificatorio colonial puedan provocar en el presente, esperamos indagar sobre procedimientos formales de trastocamiento, reconociendo los límites de la hipervisibilidad y reproducción, e insistiendo en formas alternativas de compartir la posibilidad de encuentros poéticos con esos pasados.

Río Paraná es una pareja de artistas transmasculinos con base en Argentina que trabajan desde 2016 sobre archivos, disidencia sexual y anticolonialidad. Los principales lenguajes que utilizan son la escritura, la investigación, mural, video y performance. Su obra fue adquirida por el Museo de las Américas, Washington y por el Leslie-Lohman Museum de Nueva York. Han curado La Pisada del Ñandú en La Virreina Centre de la Imatge, Barcelona, el Museo de Arte Contemporáneo de Panamá y el Centro Cultural Haroldo Conti de Buenos Aires. Han realizado laboratorios de formación en instituciones de Buenos Aires, Cali, México y Barcelona y acciones performáticas en Salta, La Plata, Buenos Aires, La Matanza, Barcelona, Madrid, Bilbao y Frankfurt. También desarrollaron proyectos de investigación artístico archivística en París y Turín. Son activistas militantes por los derechos de las personas LGBTIQ y/o racializadas.

Mag De Santo trabaja como artista investigador. Se licenció en Filosofía con especialidad en estudios queer sobre performatividad de género en paralelo que lleva su práctica teatral. Obtuvo el Premio Nueva Dramaturgia en el Festival Internacional de Buenos Aires, publicó una compilación de obras teatrales en Teoría de las aguas (Rara Avis, 2019) y estrenó sus obras Inundación en el C.C Rojas-Zinegoak, Eduardo la pelopincho y Canadá. Realizó el Programa de Estudios Independientes del MACBA-Barcelona (2017-2018) y actualmente cursa el doctorado de investigación en Artes (UNA) con una beca financiada por CONICET en torno a apariciones trans en los archivos institucionales de Argentina.

Duen Neka’hen Sacchi es artista visual, investigador y escritor trans. Su trabajo se centra en la investigación artística de las relaciones entre ficción, documento, memoria, etnicidades y trans-corporeidades. Sus principales medios son el texto, la trama, el gesto, el trazo, la forma y todas sus deformaciones. Publicó Ficciones Patógenas (Brumaria/Álbum, 2018; Rara Avis 2019), Organoléptico (Eremuak 2019) y Se me lo lleva (Lobita de río, 2024) Estudió y luego fue docente y tutor en PEI MACBA (2014-2017), profesor en P.O.P.S. Matadero, Madrid (2019). Fue editor en la revista de arte contemporáneo Terremoto (2022-2023). Desarrolló acciones, residencias y presentaciones de su obra en La Virreina (Barcelona), Tabakalera (Donostia), Matadero (Madrid), MACBA (Barcelona) CCK, CC CONTI, La ENE (Buenos Aires), entre otros.

Coordinador

Fernando Davis es profesor Titular de la cátedra Teoría de la Práctica Artística de la Facultad de Artes de la UNLP. Actualmente dirige el proyecto de investigación “Escenas de disenso y agencia política en el arte contemporáneo. Ensamblajes sensibles, ficciones performativas y torsiones de la imagen”, radicado en el Instituto de Investigación en Producción y Enseñanza del Arte Latinoamericano (IPEAL) de la Facultad de Artes de la UNLP. También dirige, desde 2014, la Cátedra Libre Prácticas Artísticas y Políticas Sexuales de la UNLP. Sus investigaciones se centran en las prácticas crítico-políticas de los conceptualismos en América Latina desde 1960, las redes experimentales de artistas y las poéticas queer. Entre las últimas exposiciones en las que se ha desempeñado como curador, se encuentran Inventar a la intemperie. Desobediencias sexuales e imaginación política en el arte contemporáneo (Parque de la Memoria – Monumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado, 2021), Cristina Piffer. Archivos pulsantes, imágenes intempestivas, supervivencias espectrales (Centro de Arte UNLP, 2022), Luis Pazos. Poesía vital (ArtHaus y Centro de Arte UNLP, 2024 y 2025) y Martha Peluffo. Estados suspensivos (Colección AMALITA, 2025). Integra desde su fundación en 2007 la Red Conceptualismos del Sur (RedCSur).

Evaluadoras
Mariel Ciafardo es profesora en Historia de las Artes Visuales, investigadora, docente y artista visual. Se desempeña como Titular Ordinaria de las cátedras de Lenguaje Visual 1 y 2 B en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata. Dirigió el proyecto de investigación “Artes visuales contemporáneas latinoamericanas. Los vestigios formales del pasado en el presente”. Es miembro del Comité Académico del Instituto de Investigación en Producción y Enseñanza del Arte Argentino y Latinoamericano (IPEAL). Autora de libros, capítulos de libro y de artículos en revistas especializadas. En 2020, publicó el libro La enseñanza del Lenguaje Visual. Bases para la construcción de una propuesta alternativa. Actualmente, es secretaria de Arte y Cultura de la UNLP.

Natalia Giglietti es Doctora en Artes, licenciada y profesora en Historia de las Artes Visuales por la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata (FDA-UNLP) y Especialista en Crítica de Artes (UNA). Se desempeña como Titular ordinaria en la cátedra Historia de la Fotografía I. Fue becaria de investigación tipo A y B de la UNLP. Sus últimas publicaciones trabajan en torno a los archivos personales de artistas y la fotografía entre el documento y la ficción. Dirigió NIMIO. Revista de la cátedra Teoría de la Historia, publicación especializada en arte y archivos. Desde 2023, dirige el proyecto de investigación “Archivos de arte, de artistas y de colectivos artísticos en la ciudad de La Plata desde 1970 a la actualidad: Aportes teóricos, metodológicos y estrategias de acceso público” (I+D-UNLP). Entre 2011 y 2014, fue Directora de Arte de la Prosecretaría de Arte y Cultura de la UNLP. Actualmente es Prosecretaría de Arte de la Secretaría de Arte y Cultura de la UNLP, tiene a su cargo el Centro de Arte de la UNLP.

Créditos imagen: Algo siempre está pasando (2012) de Patricio Gil Food. Instalación realizada en el marco del ciclo Arte en el patio, organizado por Francisco Lemus y Natalia Giglietti. Rectorado de la UNLP

Lista de seleccionades

Abril Carolina Vargas Hinojosa
Agustín Fernández
Agustina Puricelli
Aldana Noelia Maidana
Amira Sara Yañez
Ana Belén Rodríguez
Ana Cecilia Soares
Ana Raggio
Andrea Brunotti
Azucena Arvez Talavera
Carmina Frankel
Cássia Tavares
Celeste Caporossi
Daiana Rodríguez
Damián Emanuel Erviti
Dan Provenzano
Daniela Campos
Eduardo Arauz
Enzo Palavecino
Evelyn Araceli Ramp
Fernanda Díaz
Florencia Larralde Armas
Francisca Pérez
Gabriela Sacks
Gastón Lugones
Gilda Lorenti
Giuliana Uset
Grisel Gudiño
Inés Hernández
Jimena Medina Aguilar
Johana Titos
Juliana Distéfano
Karens Santana
Laura Khalloub
Lautaro Parada
Luana Cabra
Lucía Bancalari
Lucía Gambetta
Lucía Jazmín Beratz
Lucía Jazmín Tarela
María Bressanello
María Gallo Ugarte
María Laura Villasol
María Luján Escudero
María Nazarena Mazzarini
Marina Lanfranco
Martina Coronel Arribas
Matías Nicolás Bianchi
Mauro Rivas
Mauro Tomasini Torres
Mayro Romero
Milagros Alegre
Natalia Aguerre
Patricio Ruiz
Piré Rayen Sandoval
Pol Torres Piolo
Roberta Stubs
Rodrigo Cabrera
Román Eduardo Mayorá
Suyai Otaño
Tomás Darío Riveros
Valentina del Valle Ruiz Bailón
Valeria Cotaimich
Verónica Anahí Córdoba
Virginia Giovachini
Zaira Sabrina Allaltuni

Inauguración: sábado 10.08.24
19:00h
Sala D

LLANO

¿El que se mueve es él?
¿O todo a su alrededor se desplaza lentamente?
Caminó entre la llanura y el pasto vibraba.
¿O vibraba él?

Con una rama para dibujar en la tierra.
Trazó un círculo y se borró con el viento.
Trazó un espiral y se borró con la lluvia.
Trazó una línea recta y se abrió en dos.
¿Tembló  él, o temblaba la tierra?
La mente mueve las piernas y las piernas mueven el cuerpo,
y el cuerpo mueve la tierra.
Pero el horizonte solo se aleja.

La línea une. La línea divide. La línea es imaginaria.
El horizonte es imposible, solo existe retirado, al acercarse se aleja.
El horizonte es infinito.
Y es infinita la distancia.
Es infinita. Es. I n f i n i t a .

La gramilla se marcó de caminar, una y otra vez intentando.
Una línea hecha caminando.
Mientras los pies gastan el suelo, el suelo gasta los pies.
Un caminante solo lleva consigo sus experiencias.

Pidió consejo a las monedas.
Seis líneas quebradas.
Una tranquila perseverancia trae ventura.
Perseverancia, repite.
P e r s e v e r a n c i a.

Del 16.07.24 al 20.10.24
Sala 2, ArtHaus
Bartolomé Mitre 434, CABA

“La poesía es un hecho que sucede en el mundo exterior […] Porque el arte no es un elemento discursivo sino una manera de vivir”. En 1966, desde La Plata, en un breve manifiesto que acompañó la circulación de sus poemas fonéticos pop en la revista experimental Diagonal Cero, Luis Pazos ponía en funcionamiento una máquina performática que sacudía a la poesía de sus formatos y circuitos institucionalizados y anunciaba su desbordamiento en modos de acción múltiples que la (des)ubicaban en los cuerpos y en la calle.

De la página impresa a la edición de libros-objeto y a la organización de happenings y situaciones, la poesía de Pazos se volcaba hacia la vida cotidiana, metamorfoseándose en cornetas de juguete y poemas comic, en fiestas con proyecciones de diapositivas y música beat, en una insólita excursión a las sierras de Tandil o en performances y coreografías de cuerpos en escenarios de violencia y desigualdad. Fueron sostenidos sus intercambios con Juan José “Chispa” Esteves, Jorge de Luján Gutiérrez, Héctor “Rayo” Puppo, Juan Carlos Romero y Edgardo Antonio Vigo, a la vez que participó en colectivos como el Movimiento Diagonal Cero, el Grupo de Experiencias Estéticas, el Grupo de los Trece y Escombros.

Para Pazos no se trataba solo de acercar el arte a la vida mediante la extensión de sus límites, sino de invadir el espacio del arte con la vida, haciendo estallar en este gesto la legalidad institucional de lo artístico. Arlequín pop, “fabricante de modos de vida”, coleccionista de ruidos y onomatopeyas, Pazos mezcló revoltosamente el ready-made y los medios de comunicación, el supermercado y la fiesta, la cultura popular y el happening, la ciudad y sus márgenes. Su poesía vital, callejera y plebeya, fue una forma de mirar e interpelar el mundo para transformarlo desde la invención de nuevos espacios creativos, una posición estratégica para afectarlo (y afectarse).

Fernando Davis

Agradecimientos: Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de San Pablo, Centro de Arte Experimental Vigo, Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti, Archivo Juan José Estéves, Silvia Gascón, Jorge de Luján Gutiérrez, Héctor “Rayo” Puppo, Francisco Pourtalé, Joaquín Almeida, Mariana Rodríguez, Lilian Amaral e integrantes del proyecto I+D de la Facultad de Artes de la UNLP: “Archivos de arte, de artistas y de colectivos artísticos en la ciudad de La Plata desde 1970 a la actualidad: Aportes teóricos, metodológicos y estrategias de acceso público”.

Sábado 10.08.24
18:00h
Auditorio

Con motivo de la apertura de la exposición La materia del tiempo, Cristina Scattolin brindará una charla previa a la inauguración. Se referirá a las piezas esculpidas en piedra de los pueblos prehispánicos del noroeste argentino. Estas esculturas, de menos de medio metro de alto, representan seres humanos cuyos cuerpos adoptan una muy particular posición de ruego, acuclillada, y por ese motivo, fueron llamados “suplicantes”. Revelar su significado es una ardua tarea para la arqueología. Pero entre todas las representaciones del pasado prehispánico de nuestro territorio, ninguna otra como estas esculturas ha convocado tanto a la admiración por parte de artistas e historiadores de arte que también se han referido a ellas en numerosas ocasiones.

Cristina Scattolin. Investigadora Independiente ad honorem CONICET (2023). Licenciada en Antropología por la Facultad de Ciencias Naturales y Museo de la Universidad Nacional de La Plata (1977). Sus áreas de interés incluyen la arqueología de las sociedades aldeanas tempranas del área sur andina, especialmente del noroeste de Argentina. Lleva adelante estudios de campo en el sur de los Valles Calchaquíes para contribuir al conocimiento de las sociedades formativas del primer milenio después de Cristo. Ha realizado más de treinta campañas de estudio y excavación sobre todo en la provincia de Catamarca, Argentina. Otro foco de atención son las categorías teóricas y clasificaciones prácticas usadas en arqueología. También se ha interesado por el estudio de colecciones de objetos y la conformación del patrimonio arqueológico. Ha sido becaria (desde 1984) e investigadora del CONICET (desde 1991) hasta su retiro en 2023. Profesora Asociada de la Facultad de Ciencias Naturales y Museo, Universidad Nacional de La Plata. Becaria de la Comisión de Investigaciones Científicas de la Universidad Nacional de La Plata (1980-1984). Ha sido contratada por el Världskulturmuseet de Gotemburgo (Suecia) para asesorar sobre colecciones prehispánicas del noroeste argentino. Ha redactado más de sesenta trabajos científicos y otras cincuenta comunicaciones a congresos nacionales e internacionales. En 1984 se incorporó al Museo Etnográfico de la Universidad de Buenos Aires y al IDECU (Instituto de las Culturas) desde su inicio. Sus investigaciones han sido financiadas por Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas, Agencia Nacional de Promoción Científica y Tecnológica, Secretaría de Ciencia y Técnica de la Nación, Universidad Nacional de La Plata y Wenner-Gren Foundation for Anthropological Research, entre otras instituciones.

Desde el 01.06.24
Sala A

2024, de Adriana Miranda, se presenta como una instalación cuya propuesta central es experimentar “el singular estado de arte sin arte”, como lo expresa la artista. Un estado de arte, sin arte, que está a la espera, o en recepción de las fuerzas de la alteridad del mundo. Fuera de este contexto, el de la sala del Centro de Arte de la UNLP, estos objetos son pura virtualidad, a la espera de que alguien venga a actualizar su expresividad. Siendo así, ésta no se encuentra ni en el objeto ni en el cuerpo de quien los experimenta, sino en el campo de fecundación mutua que se crea entre ellos, que lleva a un devenir otro de cada uno. “Disolverse en lo colectivo”. Y en este devenir encontrar un sentido.

Adriana Miranda (San Juan, 1969). Estudió en la Escuela de Cine de Avellaneda, tomó clases y asistió al cineasta argentino Carlos Echeverría. Cursó fotografía en el Centro Estímulo de Bellas Artes. Expuso su primer trabajo fotográfico en la Bienal de Arte Joven de 1989 y, en 1990, en la Fotogalería Omega de La Plata junto a Grosman y Rojas. Ese mismo año conoció a quién se convertiría en su consejera y mentora, la artista Liliana Maresca, con quien colaboró durante cinco años, y a su maestro de fotografía, Juan Travnik. Recibió becas del Fondo Nacional de las Artes (1990), de la Fundación Antorchas por El objeto viviente (1994), la de PROA-Taller Kuitca, la beca Fulbright (1996) para estudiar en la Universidad de Nueva York, donde vivió por diez años, trabajó como fineprinter y se especializó en edición fotográfica con Fred Ritchin. A partir de 1999 intercaló estadías en la residencia del espacio La Panadería, México D.F., cuando empezó a participar en proyectos de Michéle Faguet, con un grupo de artistas  contemporáneos de Venezuela, México, Colombia, Chile, Alemania y Estados Unidos. En este período se especializó en fotografía de arquitectura. A partir del año 2002, integra el equipo del estudio OBRA-Architects. Regresó a la Argentina en 2007. Por el proyecto El espacio de acá recibió el subsidio de la Fundación Banco Nación (2009) y el Premio Nacional ArteBA-Petrobras de Artes Visuales (2010). Ha expuesto y publicado en Argentina, Chile, Perú, Colombia, México, Estados Unidos, Holanda, España, Inglaterra, Francia y Japón. Su trabajo es parte de colecciones de Museos, Fundaciones y Colecciones privadas de Argentina, México, Estados Unidos, Francia, Alemania, Inglaterra y España.