Sábado 29.06.24
17:00h
Auditorio

 

Eduardo Gil registró minuciosamente mediante una extensa serie fotográfica a los personajes, los espacios e historias que habitaban el hospital. En sus fotos emerge un modo de relación con el mundo donde no hay jerarquías entre lo que merece más o menos ser motivo de la mirada, entre sujeto y objeto o entre imagen y palabra. Esa indistinción funda una apuesta estética y política donde las entidades se funden a partir de las percepciones, emociones y sensaciones que atravesaron la experiencia del fotógrafo en El Borda. Así, con mayúsculas y sin calificativos o adjetivaciones, el nombre propio de este conjunto de fotografías elaboradas pacientemente –mediante toma directa, sin retoques ni manipulación– se ofrece a una pluralidad de sentidos no suturados por las lecturas más consabidas que el documentalismo humanista mejor reputado ha revelado siempre que se acerca a alguna forma de otredad.

Podríamos decir que la mirada de Gil se muestra reticente a toda forma de arte representativo en un doble sentido –el de hablar en nombre de otros y el de proponer un abordaje demasiado directo de lo que se presenta–, y desdibuja de este modo las fronteras entre arte y vida, entre razón y sensibilidad.

Paula Bertúa

 

Eduardo Gil. Expone su obra individualmente en Latinoamérica, Australia, Europa y los Estados Unidos. Su producción integra importantes colecciones públicas y privadas. En la Argentina en el Museo Nacional de Bellas Artes, el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, el Museo de Arte y Memoria de La Plata y el Castagnino+MACRO de Rosario. En el exterior en el Museo Reina Sofía de Madrid, en el Brooklyn Museum of Art de Nueva York, en el Museo Universitario de Arte Contemporáneo de México, en el Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, en el Princeton Universitary Art Museum, MALI Museo de Arte de Lima, en el Museum of Fine Arts de Houston, en el Museo de Bellas Artes de Caracas, en la International Center for Photography de Nueva York, en la Casa de las Américas de La Habana, en la Bibliothèque Nationale de France en París, en el Hasselblad Center de Göteborg, Suecia, entre otros. Como curador independiente, desde 1986, es responsable de decenas de muestras en Argentina y en el exterior del país. Dirigió durante cuatro años el FotoEspacio (Galería Fotográfica Permanente del Centro Cultural Recoleta) de Buenos Aires y la Fotogalería Permanente del Museo de Artes Plásticas de la ciudad de Chivilcoy de la que fue su creador (1988-2008). Desarrolla una intensa actividad docente en forma institucional y privada. En 1983 crea los Talleres de Estética Fotográfica (T.E.F.) desde donde propone una alternativa de docencia inédita hasta entonces en el país y por la cual recibe el Premio a la Trayectoria Docente otorgado por la Asociación Argentina y la Asociación Internacional de Críticos de Arte. En 2019 recibió el Premio Nacional a la Trayectoria Artística, el mayor galardón otorgado por el Estado Argentino a un artista vivo.

Francisco Medail (1991, Entre Ríos, Argentina). Artista y curador especializado en fotografía. Licenciado en Gestión Cultural por la Universidad Nacional de Avellaneda y candidato a magíster en Historia del Arte Argentino y Latinoamericano por la Universidad Nacional de San Martín. Ha realizado exhibiciones individuales en museos y galerías de Argentina y residencias artísticas en París (Cité Internationale des Arts, 2018) y São Paulo (Fonte, 2018). Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas, entre ellas el Museo Nacional de Bellas Artes, la Fundación Larivière y el Getty Research Institute. Entre 2015 y 2020 fue director artístico de la feria de arte BAphoto. Actualmente dirige Pretéritos Imperfectos, colección de libros teóricos sobre teorías y prácticas vinculadas a la fotografía y se desempeña como curador de fotografía en el Centro Cultural Kirchner. Es representado por la galería Rolf Art. Vive y trabaja en Buenos Aires.

 

Desde el 01.06.24
Sala A

 

2024, de Adriana Miranda, se presenta como una instalación cuya propuesta central es experimentar “el singular estado de arte sin arte”, como lo expresa la artista. Un estado de arte, sin arte, que está a la espera, o en recepción de las fuerzas de la alteridad del mundo. Fuera de este contexto, el de la sala del Centro de Arte de la UNLP, estos objetos son pura virtualidad, a la espera de que alguien venga a actualizar su expresividad. Siendo así, ésta no se encuentra ni en el objeto ni en el cuerpo de quien los experimenta, sino en el campo de fecundación mutua que se crea entre ellos, que lleva a un devenir otro de cada uno. “Disolverse en lo colectivo”. Y en este devenir encontrar un sentido.

 

Adriana Miranda (San Juan, 1969). Estudió en la Escuela de Cine de Avellaneda, tomó clases y asistió al cineasta argentino Carlos Echeverría. Cursó fotografía en el Centro Estímulo de Bellas Artes. Expuso su primer trabajo fotográfico en la Bienal de Arte Joven de 1989 y, en 1990, en la Fotogalería Omega de La Plata junto a Grosman y Rojas. Ese mismo año conoció a quién se convertiría en su consejera y mentora, la artista Liliana Maresca, con quien colaboró durante cinco años, y a su maestro de fotografía, Juan Travnik. Recibió becas del Fondo Nacional de las Artes (1990), de la Fundación Antorchas por El objeto viviente (1994), la de PROA-Taller Kuitca, la beca Fulbright (1996) para estudiar en la Universidad de Nueva York, donde vivió por diez años, trabajó como fineprinter y se especializó en edición fotográfica con Fred Ritchin. A partir de 1999 intercaló estadías en la residencia del espacio La Panadería, México D.F., cuando empezó a participar en proyectos de Michéle Faguet, con un grupo de artistas  contemporáneos de Venezuela, México, Colombia, Chile, Alemania y Estados Unidos. En este período se especializó en fotografía de arquitectura. A partir del año 2002, integra el equipo del estudio OBRA-Architects. Regresó a la Argentina en 2007. Por el proyecto El espacio de acá recibió el subsidio de la Fundación Banco Nación (2009) y el Premio Nacional ArteBA-Petrobras de Artes Visuales (2010). Ha expuesto y publicado en Argentina, Chile, Perú, Colombia, México, Estados Unidos, Holanda, España, Inglaterra, Francia y Japón. Su trabajo es parte de colecciones de Museos, Fundaciones y Colecciones privadas de Argentina, México, Estados Unidos, Francia, Alemania, Inglaterra y España.

Inauguración: 18.05.2024
De 17:00 a 20:00
Sala C

 

Belleza y destrucción. Industrial y artesanal. Superficie y profundidad. Una falsa dicotomía se presenta en las obras de Karina El Azem, donde quisiéramos entregarnos al deleite de la imagen minuciosa y delicada, pero el contenido nos pincha y nos incomoda.

Imágenes que parecieran hechas a un bit, donde 0 es negro y 1 es blanco, ponen en diálogo al código binario de las computadoras con una iconografía hecha de perlas, de imágenes simples y esquemáticas, pero cargadas de códigos sociales y culturales. ¿Qué rol ocupa cada persona en la sociedad? ¿Qué o quién lo determina? La artista señala las fallas en ese código social que comprime y excluye.

Del mismo modo binario construye otras imágenes, ya no con perlas sino con balas. Todas las balas doradas que vemos en las distintas obras se asimilan a las monedas en su forma circular y color. Ambas ostentan dolor, codicia, consumo y sufrimiento. Sin embargo, el brillo distrae y, al igual que el fondo dorado y etéreo de las imágenes religiosas de la Edad Media, por momentos, obnubila.

Un mismo patrón que, en su repetición, genera variaciones, altera su orden, evoca imágenes de nuestra historia y construye, al igual que el ADN, un código propio, un mapa o, tal vez, una guía. En este sentido, ¿las Evitas sólo pronosticarán el clima o son más bien un oráculo?

Perderse implica abandonar toda referencia. Cuando ya no hay de qué agarrarse o nada indica el camino para volver o hacia dónde dirigirse. Cuando un espacio queda vacío, se corre el peligro respecto a quién puede venir a ocuparlo.

Las obras de Karina El Azem vienen a disputar esos espacios con su propia iconografía, sus propias referencias, sus héroes y, actualiza, con la insistencia de su gesto repetitivo, preguntas que creíamos saldadas, pero que son necesarias para presentar resistencia, para salir a dar batalla. Hoy, más que nunca.

¿Cuáles son nuestros iconos?
¿Nuestros héroes y heroínas argentinas?
¿A quién o qué le rezamos?

En un mundo cada vez más individualista la empatía del acto de rezar no por unx mismx, sino por un nosotrxs, quizás, sea lo más codiciado.

 

Karina El Azem (Buenos Aires, 1970). Es profesora de Pintura, egresada de la actual Universidad Nacional de las Artes (UNA), en 1992.Fue declarada Personalidad Destacada en el ámbito de la Cultura por la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires en 2023. Sus obras forman parte de numerosas colecciones y acervos públicos y privados, como el Museo de Arte Latinoamericano de Los Ángeles (MOLAA), el Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA), el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA), el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), la Colección Amalia Lacroze de Fortabat, el Museo de la Universidad Nacional de Tres de Febrero (MUNTREF), la Francis J. Greenburger Collection, New York, el Museo de Arte Contemporáneo de Salta (MAC), el Centro Cultural San Pablo, Brasil, la Fondazione Luciano Benetton, Véneto, Italia, el Museo del Barro y Fundación Migliorisi, Asunción del Paraguay, el Museo de Arte Contemporáneo de Rosario (MACRO), el Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca (MAC), el Museo de Arte Contemporáneo de Corrientes, Balanz Contemporánea; Fundación Konex y el Museocampo Cañuelas, Fundación Tres Pinos. Realizó más de 20 exposiciones individuales, entre las que podemos destacar: Museo Provincial de Bellas Artes “Juan R. Vidal”, de Corrientes (MPBA); Museo “Emilio Caraffa”, Córdoba (MEC); Centro de Arte Contemporáneo, Hotel de Inmigrantes (MUNTREF); Fundación Migliorisi, Asunción del Paraguay; Centro Cultural San Pablo, Brasil; Galería Nara Roesler, San Pablo, Brasil (2001 – 1999); Galería Ruth Benzacar, Buenos Aires; Consulado de Argentina en Nueva York y Centro Cultural Recoleta (2012); Sala J, (2001); Sala Epson (1997); Sala 10, Buenos Aires, respectivamente. Ha participado de Bienalsur IV, Museo del Banco Central, Bienalsur III, Museo Superior de Bellas Artes Palacio Ferreyra, Córdoba, 14º Bienal Internacional de Arte de Curitiba, Museo Oscar Niemeyer, Brasil, I Bienal del Fin del Mundo, Ushuaia y II Bienal de Arte Contemporáneo de Buenos Aires, Museo Nacional de Bellas Artes. Representó a la Ciudad Autónoma de Buenos Aires en la Feria Pinta de Nueva York (2013) junto a Emiliano Miliyo. A su vez, representó a la República Argentina, mediante el Fondo Nacional de las Artes, en la Feria ARCO’99, junto a Raúl Lozza, Leandro Erlich, Elba Bairon y  Martin Di Girolamo. Conjuntamente con Elba Bairon, Feliciano Centurión, Jorge Gumier Maier, Alicia Herrero, Benito Laren, Alfredo Londaibere, y Cristina Schiavi formó parte de Szene Buenos Aires, Feria Art Frankfurt (2000). Recibió la Beca Fundación Pollock-Krasner en 2023 y en 2001. Fue artista en residencia para los programas Art/Omi, Nueva York; Braziers, Oxford; NoTango, Berlín y Wasla, Sinaí, Egipto y participante de la  Beca para el perfeccionamiento en objetos artísticos “Taller de Barracas”, Fundación Antorchas, en Buenos Aires (1996). Ha realizado exhibiciones individuales y colectivas en Estados Unidos, España, Francia, Sudáfrica, Alemania, Japón, México, Brasil, Paraguay, Chile y Uruguay. Coconductora, junto con Alberto Passolini, del ciclo La Marca Original, Televisión Pública Argentina, Premio Fund TV, 2019 al Mejor Programa Cultural.

Inauguración: 06.04.24
De 17:00 a 20:00h
Sala B

Agradecimientos: Colección Brun Cattaneo y Liliana Crenovich

 

Que el tejido hable por sí solo

 

El trabajo de Dani Umpi es artesanal y frenético. Desde hace varios años su labor dentro del campo plástico se centra en recortar, clasificar, pegar y acumular de manera compulsiva, sometiendo al color y las texturas a sus propios deseos. Su obra es la de un artesano contemporáneo criado por fotolog y los albores de internet, donde la fragmentación y el reordenamiento de los recortes de revistas se nos configuran como miles de pestañas abiertas de un navegador que nos impide centrar la atención en un solo lugar y nos obliga a saltar eufóricos de un lado hacia otro, de frontera en frontera.

En el Libro de los pasajes de Walter Benjamin, su proyecto más ambicioso, en el que buscó trazar una filosofía material del siglo XIX el autor, en lugar de interesarse por los grandes relatos y nombres de la época, le cedió la atención a la vida cotidiana y a lo que llamó la historia secreta de la ciudad. Se interesó por la unidad mínima de las cosas, por lo anecdótico, tomó nota de lo que veía por las calles, los anuncios, los carteles, toda clase de objetos efímeros como cartas, diarios y una infinidad de cosas intrascendentes. En esos pequeños lugares es donde para él se revela la verdadera vida cotidiana. En esta unidad mínima, también, es en donde se concentraron muchos de los artistas abstractos. Como si en lo ínfimo hubiera un cable que conecte con lo absoluto. Las obras de esta exposición son catalizadoras de estas ideas, donde lo pequeño produce algo expansivo.

Hace unos días me desperté en medio de la madrugada en un estado enrarecido, en ese momento en el que el sueño y la realidad convergen y se acarician por unos segundos. Me encontré balbuceando una frase sin sentido: Que el tejido problemático hable por sí solo. Me incorporé de la cama, anoté las palabras y me volví a dormir. Son pocas las veces que recuerdo algún sueño, que una situación o frase aparece tan nítida y logra atravesar de una dimensión a otra. La frase estuvo varios días enredada en mis pensamientos, pero me esforcé por no asignarle ningún significado. Pero me sirvió como una llave para acercarme un poco más a la obra de Umpi. Los parangolés, los collages y todo su universo asume esa libertad de la vida cotidiana, de una noche furiosa, un cuerpo de obra travesti y atrevido que actúa y seduce por fuera de una cultura intelectualizada, que propone salir a la calle, montarse en una pared o subirse a un escenario, educando con el solo hecho de estar presente.

Rodrigo Barcos. Abril 2024

 

Dani Umpi (Tacuarembó, Uruguay, 1974). Escritor, artista visual y cantante. Desde hace un par de décadas opera desde un alter ego con tintes auto paródicos, híbrido entre la tradición drag y la performance conceptual, con fuerte influencia del Pop Art, la Tropicalia y el Neo Concretismo brasileño de los años sesenta. Ha publicado novelas, cuentos y libros para niñes. Algunos de sus textos fueron llevados al cine y al teatro. Realiza objetos e instalaciones utilizando collage. Su obra ha sido presentada en exhibiciones individuales y colectivas en Latinoamérica y Europa. En 2010 participó en la Bienal de San Pablo y en 2012 en la 1a Bienal de Montevideo. Editó los discos Guazatumba; Umpi/Coghlan; Lechiguanas; Perfecto; Dramática (junto al guitarrista Adrián Soiza); Mormazo y Dani Umpi Piano. Vol I – Vol II (junto al pianista Álvaro Sánchez). Con Sofía Oportot e Ignacio Redard realizó el proyecto musical Oportot Umpi Redard, y editaron el disco Hijo único. En el año 2012, la Feria Internacional del Libro de Guadalajara lo eligió entre los “25 secretos literarios de Latinoamérica”

Rodrigo Barcos (La Plata, Argentina, 1991). Vive y trabaja en Buenos Aires. Egresado del Bachillerato de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata (UNLP), cursó sus estudios en la Licenciatura en Política y Administración de la Cultura de la Universidad Nacional Tres de Febrero (UNTREF) y continuó formándose en el Programa de Artistas y Curadores de la Universidad Torcuato Di Tella (UTDT). Fue Becario del Fondo Nacional de las Artes. Trabajó en el área pedagógica del Centro Cultural Ricardo Rojas (UBA) y actualmente se desempeña como asistente curatorial del departamento de Patrimonio del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. Colabora con distintas revistas especializadas en arte y cultura visual.

Inauguración: 16.03.24
De 17:00 a 20:00h
Vidriera Bicentenario

 

Repliegue y expansión

Esta exposición pone en relación un conjunto de obras recientes de las artistas platenses Rosario Salgado y María Santi. Ambas exploran las posibilidades de la actividad pictórica cuando es pensada para interactuar con un entorno específico, en este caso la Vidriera del Bicentenario del Centro de Arte de la UNLP

La muestra aborda el cruce entre lo pictórico y la instalación al incorporar la experiencia del cuerpo en movimiento como condición necesaria para la percepción de las obras. Éstas invitan a detenerse ante imágenes y situaciones visuales cuyos detalles difícilmente puedan captarse mediante una reproducción fotográfica. En un mundo en el que prima el frenesí de la circulación digital de las imágenes, hay aquí una invitación a la demora.

María Santi aplica pintura acrílica con aerógrafo hasta otorgar rigidez a la tela que luego recorta y pliega para explorar la tridimensión. Las rectas de los pliegues dibujan patrones geométricos o se deforman cuando las piezas ceden ante la gravedad. Sus búsquedas formales van desde la retícula ortogonal a la evitación de lo recto, mediante lienzos que no niegan su doble faz. En el trabajo de María Santi podemos ver referencias a la historia de la pintura y sus sucesivos certificados de defunción. En este conjunto de obras recientes también encontramos ecos de algunos de sus trabajos anteriores como la serie Operaciones pictóricas, en la que María Santi acumulaba diversos modos de aplicación de la pintura sobre la superficie de lienzo blanco, generando formas por enmascaramiento y superposición. Como una especie de repertorio de eventos pictóricos encadenados. En otras series como Pieles o Los despieces las formas ya se habían desprendido del bastidor como soporte para adquirir cuerpo propio y ubicarse directamente sobre el muro. ¿Cuándo empieza y dónde termina una obra que es en el espacio? ¿Cómo encuentra sus límites?

Rosario Salgado también desarrolla su actividad pictórica dentro y fuera de los límites del cuadro. En sus telas embastadas el blanco de fondo opera aislando composiciones centradas en las que una paleta reducida dibuja motivos que parecen abstractos pero se abren a asociaciones diversas. Sus Mapas interiores despliegan una temporalidad propia mediante una especie de geometría blanda. La autora define la pintura “…como espacio donde me muevo en la intuición, donde la forma decanta y el contorno es el límite de una expansión, de un movimiento anterior, como la orilla es el dibujo de la marea que luego se contrae.” En su obra se combinan los plenos planos sin marca de pincel con aguadas que develan los procesos acuosos que atraviesa el pigmento. En algunas de sus obras las formas oscilan entre figura y fondo, entre la imagen positiva y el negativo de los huecos que la rodean. Sin lugar para lo fijo, sin sitio para la obra única. Cada imagen tiene su doble, como si para ejercer el acto de ver fuera necesaria la comparación, el ir y venir, el entrenamiento en la observación de las sutiles diferencias entre un motivo y sus variaciones. Una poética de la curva y el rodeo, marcada por el ritmo de una insistencia. Una invitación a la reflexión sobre el ver como un proceso que es siempre en relación.

El trabajo de las pintoras parece proceder por acumulación en el tiempo. Sus obras son resultado de una tarea paciente pero subterránea, que muchas veces pasa inadvertida. ¿Cómo sostener la pintura? Si no hay muro, si no hay marco, si no hay bastidor. Pinturas que se apoyan espalda con espalda y se sostienen entre sí. Pinturas que evitan el contacto con el suelo, que se dan aire. Obras que no tienen sitio. Que no se encuentran a gusto en el tenor de la época. En tiempos difíciles, se trata de haceres que sostienen.

Lucía Savloff, marzo de 2024

 

María Santi (La Plata, 1970). Licenciada en Artes Plásticas por la Universidad Nacional de La Plata (UNLP). Es Especialista en Medios y Tecnologías para la Producción Pictórica por la Universidad Nacional de las Artes (UNA). Asistió a talleres con artistas como Marta Ares, Matías Duville, Eduardo Stupía, y realizó clínica de obra con Ana Eckell, Fabiana Barreda, Tulio de Sagastizábal, María Carolina Baulo y Marcelo Pelissier, entre otros. Transitó por la Escuela de Proyectos de Galería ArtexArte y realizó estancias de residencia artística en países como Alemania, Finlandia, Rusia y China. Realizó exhibiciones individuales en distintos espacios y galerías como Reencantamiento del rosa en Una obra un artista (2023), Chromohipnótico Galería Praxis (2018) y participó en exhibiciones colectivas como 111° Salon Nacional de Artes Visuales (2023), Premio Adquisición 8M (2023),  67° Salón de Artes Plásticas Manuel Belgrano (2023),  entre otras.  Recibió una Mención de Honor en el 110° Salón Nacional de Artes Visuales en la categoría Pintura (2022), una Mención del Jurado en el 16° Premio Bancor (2023) y ganó el Premio Adquisición Honorable Cámara de Diputados en el Salón Provincial de Artes Visuales Molina Campos del Museo de Bellas Artes Emilio Pettoruti (2023). Vive y trabaja en La Plata, Argentina.

Rosario Salgado (La Plata, 1986). Profesora y Licenciada en Artes Plásticas por la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata (UNLP). En 2020 finalizó el Programa de Posgrado en Producción Visual (FDA-UNLP). Participó de talleres y cursos con artistas como Diana Aisenberg, Claudia del Río, Silvia Gurfein, Graciela Hasper y Eduardo Stupía, entre otros. Realizó clínica de obra con Tulio de Sagastizábal. En 2021 realizó una residencia de arte en Ciudad de México, presentando en Galería Nudo, París, las obras allí realizadas. Realizó muestras individuales como Proyecto tendal en el Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti, Todo lo que había brotado entonces en el Museo de Arte Contemporáneo Latinoamericano MACLA, Index esencial en Residencia Corazón, La importancia de la forma en Siberia Galería, y Las especies privadas en el Museo de Ciencias Naturales de La Plata. Ha participado en exhibiciones colectivas en espacios como la Casa Nacional del Bicentenario y el Centro Cultural Borges, entre otros. Vive y trabaja en La Plata, Argentina.

Lucía Savloff (La Plata, 1984). Es profesora en Historia de las Artes Visuales por la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata (FDA-UNLP). Docente en la cátedra Historia de las Artes Visuales IV (FDA-UNLP); en la cátedra Historia de las Artes Visuales del Área Transdepartamental de Crítica de Artes, Universidad Nacional de las Artes (UNA) y en el Bachillerato de Bellas Artes (UNLP). Integra el proyecto de investigación “Imaginación de futuro y visión prospectiva en el arte contemporáneo (1990-2022)”, radicado en el Instituto de Historia del Arte Argentino y Americano (FDA-UNLP). Integró el equipo curatorial de la exposición Ilustres desconocidas, algunas mujeres en la colección (2017) en el Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti. En la misma institución realizó junto a Florencia Suárez Guerrini la curaduría de Empezar un museo núcleo de la exposición Fundaciones en ocasión del 100 aniversario de la institución (2022). Otras exposiciones recientes: El cuerpo aún (2019) Centro de Arte (UNLP) y Vértigo. Geometría e inestabilidad (2019) Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (MACBA).

Inauguración: 16.03.24
De 17:00 a 20:00h
Vidriera 

 

Una vidriera habitada por extraños seres fantásticos. Del otro lado, el mundo exterior. La calle, la vereda, los autos, lxs caminantes, los comercios, lo cotidiano. ¿Existe realmente esta dicotomía? ¿Se trata de dos espacios diferentes? ¿De mundos separados?

El artista Tadeo Muleiro se encarga, precisamente, de responder estas preguntas difuminando los límites, aquella separación, entre diferentes mundos y cosmogonías. Construye estos seres de tela como una encarnación vibrante y colorida del mundo intangible de los relatos y costumbres, del mito y de los espíritus. De forma desprejuiciada fusiona la rica mitología latinoamericana con la estética dinámica del cómic y el animé, construyendo sus propios arquetipos y rituales. Seres del viento, Gualicho o Los hermanos, son algunos de los nombres de estas piezas que meticulosamente cosidas a mano en una producción personal e íntima, se cargan de tiempo, de una latencia, donde parecen haber sido parte de alguna ceremonia o costumbre que desconocemos. O bien están esperando el momento oportuno para cobrar vida, para manifestarse y salir a la calle, así como en las puebladas de nuestro continente.

¿No es acaso la separación tajante de las cosas el error más grande que cometemos una y otra vez como sociedad? Si algo necesitamos recuperar con urgencia es aquello que Tadeo mismo realiza en su producción como artista, la hibridación de mundos. El mundo espiritual y el terrenal, los humanos con el planeta que habitamos, nuestro país con los países vecinos, nuestra historia con nuestro presente, lo colectivo con lo íntimo. En un contexto hostil como el de hoy necesitamos recordar que todo y todes estamos conectados.

 

Tadeo Muleiro (1983, Argentina). Vive y trabaja en Buenos Aires. Es licenciado en Artes Visuales de la Universidad del Museo Social Argentino y profesor de escultura en la Universidad Nacional de las Artes de Argentina. Obtuvo becas nacionales e internacionales, entre las que se destacan en el 2023 la Residencia en el Serliachus Museum en Finlandia y en el McColl Center, en Charlotte, Carolina del Norte, Estados Unidos. En 2022 realizó la Contemporary Textile Residency Ifitry en Marruecos, África, y en 2020 la residencia artística en La Napoule Art Foundation en Niza, Francia. En 2019 el GloArt Center financió su proyecto Cernunnos realizado en Lanaken, Bélgica, y formó parte de la residencia en el Building Bridges Art Exchange en Los Ángeles (Estados Unidos). Recibió en 2012 la Beca de Artes Visuales del Fondo Nacional de las Artes de Argentina y ese mismo año participó del Proyecto PAC organizado por la Galería Gachi Prieto en Buenos Aires.

Entre las muestras que ha realizado destacan: Love is love by Swatch, 76° Festival Internacional de Cine de Locarno, Suiza, 2023; Myhtos, en el McColl Center, en Charlotte, Estados Unidos, 2023; Sueño Sombra en Quimera Galería en el año 2022; Arte en juego, Fundación PROA, 2021; Estation E: In transit en Building Bridges Art Exchange Gallery, Los Ángeles, California, 2019; Extracorporeal: Beyond the Body en el Museum of Latin American Art (MOLAA), Long Beach, California en 2018, y Borges: Ficciones de un tiempo infinito en el Centro Cultural Kirchner (CCK) en Buenos Aires, 2016. Su obra fue expuesta de forma federal con muestras individuales en distintas provincias de Argentina como en el Museo de Bellas Artes “Timoteo Navarro” de Tucumán, el Museo de Bellas Artes “Franklin Rawson” de San Juan y en el Museo “Rosa Galisteo” de Santa Fe.

El área de Educación y Programas Públicos tiene como objetivo acercar a la comunidad las diferentes actividades y exhibiciones realizadas en el Centro de Arte de la UNLP.

Buscamos construir una red con las diferentes instituciones educativas al entender las visitas guiadas como una instancia de aprendizaje ya que logra ampliar los contenidos al expandir nuestros sentidos y poner en práctica una mirada crítica del mundo que nos rodea.

Ver Programación 2024

 

Inscripción a visitas:

Junio

Consultas: educacioncentrodearteunlp@gmail.com

 

Coordinación: Fernando Davis
Docentes: Lucas Morgan Disalvo, Agustina Triquell, Lucas Di Pascuale y Nayla Luz Vacarezza

De junio a octubre de 2024
Modalidad virtual sincrónica
Actividad no arancelada

 

Cronograma
Inicio inscripción: 15 de abril
Cierre de la inscripción: 6 de mayo
Resultados: 24 de mayo
Presentación: Martes 4 de junio a las 19:00h

INSCRIPCION: https://forms.gle/xyxmHRErdtCfC6xD7

Programa de formación 2024

 

El Programa de formación en arte, curaduría y teorías contemporáneas del Centro de Arte UNLP constituye un espacio de reflexión y producción crítica y teórica en relación con las artes contemporáneas, la práctica curatorial y la investigación en historia y teoría del arte. En su edición de 2024, la apertura del Programa tiene lugar en el marco de una grave crisis que afecta el sistema universitario nacional, la ciencia, la educación pública en general y los ámbitos del arte y la cultura, sometidos a agresivos ajustes y recortes presupuestarios. En este complejo escenario, decidimos sostener la continuidad del Programa de formación, convencidas/os/es de que la universidad pública tiene un lugar central en la producción de conocimientos como instrumentos de soberanía, en la transformación de las comunidades y en la construcción democrática, de que el acceso al arte y la cultura es un derecho de todas/os/es y de que las prácticas artísticas y curatoriales constituyen espacios de experimentación e imaginación sensible, social y política, que dan forma a interpretaciones críticas de la realidad y contribuyen a reinventar las condiciones de lo posible.

Los cuatro seminarios que integran la edición de 2024 de este Programa, tienen como punto de partida, desde la articulación de perspectivas teóricas y metodológicas diversas, la doble pregunta por la performatividad de las imágenes y por las formas de agencia social y política que las prácticas artísticas posibilitan. Siguiendo a la filósofa Andrea Soto Calderón, sostenemos que las imágenes son performativas porque, más que limitarse a representar la realidad, participan en la construcción de órdenes sensibles que dan forma a nuevas configuraciones de lo existente. En su actuación performativa, las imágenes introducen intervalos que perforan o interrumpen los órdenes de sentido mayoritarios que organizan los universos que habitamos, de los ensamblajes sensoriales que disciplinan o constriñen las posibilidades de los cuerpos y sus modos de organización y acción. En las prácticas artísticas, activistas, curatoriales y de archivo propuestas en el recorrido de seminarios de este Programa, las imágenes constituyen complejas tecnologías críticas y poético-sensibles que modulan formas de relacionalidad afectiva, ficcionan realidades alternativas y levantan memorias, narrativas y figuraciones que desafían la estabilidad de las construcciones hegemónicas, posibilitan conexiones no lineales entre objetos, cuerpos, espacios y tiempos, movilizan modos de conocer oblicuos y suspensivos, encienden la imaginación teórica y política.

 

Destinatarias/os/es
Estudiantes, docentes, investigadores de arte, literatura, ciencias sociales y comunicación. Artistas, diseñadores y realizadores.

 

Requisitos para la inscripción
Inscripción: del 15 de abril al 6 de mayo

 

Se podrá cursar con inscripción previa a:
– Disponibilidad horaria para cursar el programa de manera completa.
– Se otorgará un certificado de asistencia por el programa completo a aquelles que cumplan con el 75% de la cursada de cada seminario.

 

Documentación a presentar:
– Curriculum Vitae (formato abreviado).
– Carta de motivación dirigida a las autoridades del Centro de Arte.

 

Consultas: formacioncentrodearteunlp@gmail.com
Asunto: Inscripción.

 

Evaluación
Un comité integrado por la Prof. Mariel Ciafardo (Secretaría de Arte y Cultura de la UNLP y Directora de proyectos de investigación en el IPEAL), la Dra. Natalia Giglietti (Directora del Centro de Arte de la UNLP) y el Lic. Fernando Davis (Coordinador del Programa) seleccionarán sobre una vacante de 45 personas como máximo para cursar cada seminario.

 

Horario
Martes de 18:00 a 20:00h a través de plataforma virtual

 

Presentación
04.06.24, 19:00h

 

Seminario
Las imágenes son de quienes las habitan: imaginación material, pasiones fans y la erotización trans de la ficción
Por Lucas Morgan Disalvo

11.06.24, 18.06.24 y 25.06.24
De 18:00 a 20:00h

En este seminario entenderemos a las imágenes y al campo de lo imaginario como territorios volátiles de manifestación, exploración sensible y producción de experiencia a partir del desajuste con las fronteras convenidas de “lo real” y el acercamiento a otros dominios ilegítimos o invisibles de realidad en curso. Analizaremos el modo en el que ciertas lógicas de recepción íntima, magnetismo erótico o usos deseantes de las imágenes han sido concebidas como formas de espectatorialidad excesiva y desviada, con figuras como el espectador perverso, la médium en trance, el poeta visionario, la santa poseída, la lectora fantasiosa o la fan histérica. Veremos el modo en el que las imágenes no sólo nos afectan, como campos de influencia y movilización interior, sino que asimismo son usadas y habitadas por nosotr*s de maneras contraproductivas. Abordaremos, en este sentido, aquellas formas oblicuas, perversas y extáticas que las comunidades de fans tienen a la hora de hacer sentido de las imágenes que adoran, con sus modos de leer entre líneas y refuncionalizar eróticamente los textos. Asimismo, revisaremos las complejas dinámicas entre deseo, identificación y desidentificación que se ponen en juego en estos vínculos y los efectos transformativos que tienen estos agenciamientos, reparando particularmente en el modo en el que ciertas lógicas de vinculación imaginaria han sido parte central en muchos procesos de materialización subjetiva, afirmación erótica e historias de transición de género.

 

Seminario
Detectives, prófugos y testigos. La performatividad del archivo en procesos editoriales como práctica artística
Por Agustina Triquell

13.08.24, 20.08.24 y 27.08.24
De 18:00 a 20:00h

Los procesos editoriales contemporáneos, lejos de limitarse a las prácticas industriales tradicionales, habilitan un espacio de aparición y circulación de las imágenes mediadas por diferentes técnicas y tecnologías, configurando un nutrido ecosistema en el que emergen modos de hacer y disputar la circulación pública de las imágenes, instaurando nuevas experiencias que expanden el tiempo propio de lo fotográfico. A lo largo de los tres encuentros, abordaremos tres figuraciones como estrategias de aproximación a una serie de dispositivos editoriales contemporáneos que proponen diferentes estrategias de articulación entre las imágenes de archivo y su performatividad dentro del libro: detectives, prófugos y testigos serán convocad*s aquí como modos de imaginación de estrategias posibles de modulación de esta experiencia. La dinámica de trabajo consistirá en pensar juntxs a partir de ellos, acercando también la posibilidad de compartir experiencias y materiales de lxs participantes.

 

Seminario
Desmontar – imaginar
Por Lucas Di Pascuale

10.09.24, 17.09.24 y 24.09.24
De 18:00 a 20:00h

El taller propone pensar aspectos significativos de la práctica artística contemporánea –técnica, relato, montaje, contexto, acción– y ensayar, en ese marco, un análisis de las particularidades del aspecto acción. ¿Cómo abordamos desde la práctica curatorial, aquellos trabajos que proponen un énfasis en la acción? Metodológicamente vamos a disponernos a un desmontaje de investigaciones realizadas por el docente, las cuales tienen lugar principalmente desde su práctica artística -inclusive vinculando práctica artística y práctica docente-, para luego imaginar prácticas derivadas que se entrecrucen con investigaciones realizadas por l*s estudiantes.

 

Seminario
Performatividad y protesta: La política sensible de la revuelta feminista
Por Nayla Luz Vacarezza

08.10.24, 15.10.24 y 22.10.24
De 18:00 a 20:00h

 

En la última década, un extraordinario ciclo de protestas feministas sacudió las agendas políticas latinoamericanas. Acontecimientos con alcance regional como el Ni Una Menos, los Paros Internacionales de Mujeres y la Marea Verde se entramaron con otros estallidos como las Alertas Feministas en Uruguay, la Primavera Violeta en México, el Mayo Feminista en Chile y el Ele Não en Brasil. Estas protestas se caracterizaron por un extraordinario despliegue de lenguajes expresivos y creativos que cuestionaron tanto el orden cis-hetero-patriarcal como sus enlaces con el capitalismo, el racismo, el colonialismo y los autoritarismos. Acciones que utilizaron la quietud, el movimiento concertado y el baile, el silencio y el canto, la desnudez y la vestimenta, el cartel y la bandera, los grafitis, los murales, las performances, el teatro callejero, la radio popular y la poesía brotaron en las calles y se viralizaron en internet. Reflexionar sobre la performatividad de estas protestas y sus apuestas poético-expresivas implica dar cuenta de su capacidad para crear y transformar sujetos políticos, discursos, cuerpos y afectos a través de la acción colectiva coordinada. Más que representar algo que se proclama como dado, estas acciones abrieron campos de experimentación para re-imaginar críticamente el género, la sexualidad, el placer y la violencia. También, invitaron a habitar las dimensiones procesuales de una transformación social que aspira a alcanzar las zonas más sutiles de lo social. Así, las formas en que vemos, sentimos y percibimos se convierten en terrenos de disputa y se abren a nuevas posibilidades. En un tiempo donde las fuerzas conservadoras despliegan políticas de odio, crueldad y terror contra lo que llaman “ideología de género”, proponemos recuperar la fuerza performativa de la revuelta y sus formas de imaginación política en clave feminista y sexo-disidente.

 

Coordinador
Fernando Davis. Profesor Titular de la cátedra Teoría de la Práctica Artística de la Facultad de Artes de la UNLP. Docente-Investigador Categoría 2 y director de proyectos de investigación desde el año 2012. Actualmente dirige el proyecto “Desajustes sexuales a la historia del arte desde el sur. Tecnologías de archivo, visualidades críticas y temporalidades queer”, radicado en el Instituto de Investigación en Producción y Enseñanza del Arte Latinoamericano (IPEAL) de la Facultad de Artes de la UNLP. También dirige, desde 2014, la Cátedra Libre Prácticas Artísticas y Políticas Sexuales de la UNLP. Sus investigaciones se centran en las prácticas crítico-políticas de los conceptualismos en América Latina desde 1960, las redes experimentales de artistas y las poéticas queer. Recientemente se ha desempeñado como curador de las exposiciones Inventar a la intemperie. Desobediencias sexuales e imaginación política en el arte contemporáneo (Parque de la Memoria – Monumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado, 2021) y Cristina Piffer. Archivos pulsantes, imágenes intempestivas, supervivencias espectrales (Centro de Arte UNLP, 2022). Es miembro fundador desde 2007 de la Red Conceptualismos del Sur (RedCSur). Integró el equipo de investigación de la exposición Giro gráfico. Como en el muro la hiedra, curada por la RedCSur en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y en el Museo Universitario de Arte Contemporáneo de la Universidad Nacional Autónoma de México (MUAC-UNAM) en 2022 y 2023.

 

Profesores
Lucas Morgan Disalvo. Licenciado en Realización Audiovisual, artista visual, docente tallerista y Profesor Adjunto en la asignatura Teorías del Audiovisual de la carrera de Artes Audiovisuales (Facultad de Artes, UNLP). Actualmente se encuentra finalizando su tesis doctoral en Artes en dicha casa de estudio. Es coautor junto a Nicolás Cuello del libro Ninguna línea recta. Contraculturas punk y políticas sexuales en Argentina (1984-2007) (2019, Tren en Movimiento/ Alcohol & Fotocopias). Su campo de producciones e intereses cruza el universo de las imágenes, la política y la sexualidad, la historia y la ficción, las contraculturas punk y queer, perspectivas trans, los estudios de los afectos, el surrealismo, el simbolismo y el ocultismo, el mundo de las comunidades de fans, las teorías cinematográficas y distintas formas de agenciamiento espectatorial.

Agustina Triquell. Artista, docente, editora e investigadora social. Doctora en Ciencias Sociales por la Universidad Nacional de General Sarmiento. Investigadora asistente del CONICET y docente de Historia de la Fotografía Latinoamericana de la Licenciatura en Fotografía de la Universidad Nacional de San Martín. Desde 2020 coordina el CI/PAC (Centro de Investigaciones/Procedimientos Artísticos Contemporáneos) de la Escuela de Arte y Patrimonio, también, de la UNSAM. Su trabajo gira en torno a las relaciones entre imagen y relato y los procesos de producción de memoria e identidad desde las pedagogías visuales, articulando la investigación social y la producción fotográfica, editorial y audiovisual contemporánea. Entre 2013 y 2017 coordina junto a Estrella Herrera el proyecto estético relacional NidoErrante y desde 2015 lleva adelante la editorial Asunción Casa Editora, dedicada a la edición e investigación en torno a las prácticas fotográficas contemporáneas. Vive y trabaja entre las sierras de Córdoba y la ciudad de Buenos Aires.

Lucas Di Pascuale. Realizó estudios de grado y posgrado en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Córdona (UNC), donde actualmente se desempeña como docente, continuando su formación en diversas residencias en arte. En sus ensayos el dibujo, la práctica editorial y los vínculos entre práctica artística y docente tienen un marcado protagonismo, se destacan: Asterisca, Alfabeto marginal, Los colores de los días, Querido margen, 2222, Lindes para el viento (conjuntamente con Soledad Sánchez Goldar), Yerba mala, Colecciones, López y Partido Transportista de Votantes (colectiva). Ha publicado los libros Todas las cosas al corazón y Lakshmi Nivas (conjuntamente con Sandra Abichain), Ritmo hormiga, Cartel, Ijota, Ali/Lai Lau/Zip, Distante, Hola tengo miedo, Taurrtiissttaa y H31 (conjuntamente con Gabriela Halac). Actualmente se desempeña como director de la Especialización en Prácticas Artísticas Contemporáneas, FA, UNC y como coordinador de la residencia azulmontaña.

Nayla Luz Vacarezza. Docente e investigadora feminista, Doctora en Ciencias Sociales por la Universidad de Buenos Aires e Investigadora Adjunta del CONICET. También enseña teorías feministas y estudios de género en la Carrera de Sociología de la UBA. Su trabajo analiza, con una mirada transnacional, los aspectos culturales, visuales y afectivos de las luchas por el derecho al aborto en el Cono Sur de Latinoamérica. En ese proceso, busca crear espacios híbridos de diálogo, colaboración y alianza entre la investigación, el activismo y el arte. Es co-autora, con July Chaneton, del libro La intemperie y lo intempestivo. Experiencias del aborto voluntario en el relato de mujeres y varones (Marea, 2011). Co-editó, junto con Cecilia Macón y Mariela Solana, el libro Affect, Gender and Sexuality in Latin America (Palgrave Macmillan, 2021). También co-editó, junto con Barbara Sutton, el libro Abortion and Democracy. Contentious Body Politics in Argentina, Chile, and Uruguay (Routledge, 2021).

 

Evaluadoras
Mariel Ciafardo. Profesora en Historia de las Artes Visuales, investigadora, docente y artista visual. Profesora Titular Ordinaria de las cátedras de Lenguaje Visual 1 y 2 B en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata. Profesora estable de la carrera de posgrado Especialización en Lenguajes Artísticos (FDA-UNLP). Docente-Investigadora Categoría 1. Actualmente dirige el proyecto de investigación “Artes visuales contemporáneas latinoamericanas. Los vestigios formales del pasado en el presente”. Directora de tesis de posgrado y de becarios de investigación. Ha dictado cursos de posgrado en distintas universidades nacionales. Miembro del Comité Académico del Instituto de Investigación en Producción y Enseñanza del Arte Argentino y Latinoamericano (IPEAL). Autora de libros, capítulos de libro y de artículos en revistas especializadas. En 2020, publicó el libro La enseñanza del Lenguaje Visual. Bases para la construcción de una propuesta alternativa. Evaluadora de proyectos de Investigación y de becas e integrante de jurados de certámenes, salones, concursos y tribunales de tesis de grado y posgrado. Secretaría de Arte y Cultura de la UNLP. Período 2022-2026.

Natalia Giglietti. Doctora en Artes, Licenciada y Profesora en Historia de las Artes Visuales de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata (FDA-UNLP) y Especialista en Crítica de Artes (UNA). Se desempeña como Titular ordinaria en la cátedra Historia de la Fotografía I. Fue becaria de investigación tipo A y B de la UNLP. Sus últimas publicaciones trabajan en torno a los archivos personales de artistas. Dirige NIMIO. Revista de la cátedra Teoría de la Historia, publicación especializada en arte y archivos, y el Proyecto de Investigación Archivos de arte, de artistas y de colectivos artísticos en la ciudad de La Plata desde 1970 a la actualidad: Aportes teóricos, metodológicos y estrategias de acceso público (I+D-UNLP). Entre 2011 y 2014, fue Directora de Arte de la Prosecretaría de Arte y Cultura de la UNLP. Actualmente es Prosecretaría de Arte de la Secretaría de Arte y Cultura de la UNLP.

 

Seleccionades

Agustina Belén Pizá (CABA)
Agustina Pesco (La Plata)
Alma Schewe (Villa Gral. Belgrano, Córdoba)
Álvaro Martín (Chubut)
Ana Belén Martínez (Santa Rosa, La Pampa)
Ana Pamela Cervantes Barranco (México)
Ana Paula Villarruel (Córdoba)
Anahí Laurencena (Rosario)
Anahí Tiscornia (General Roca, Río Negro)
Andrea Yanina Cardozo Zalazar (Salta)
Arturo Beltrán (El Salvador)
Bárbara Iribe (La Plata)
Bernardo Vitta (CABA)
Bruno Martín Basile (CABA)
Camila Ruiz Vega (La Plata)
Candela Sanchez Serrani (Córdoba)
Candela Vicente (La Plata)
Carla Sánchez (Chile)
Carmen Caballero (La Plata)
Carol Cazares Defaz (Ecuador)
César Aravena (Chile)
Clara Nerone (CABA)
Dafne Latin (Chile)
Damasia Cazenave (San Isidro)
Dana Valentina Gutiérrez Báez (Córdoba)
Daniela Anzoátegui (Quilmes)
Daniela Falabella (Punta Alta, Pcia. Bs. As.)
Daniela Rodi (CABA)
Duen Neka’hen Sacchi (La Plata)
Fabián Urban (Neuquén)
Fabiola Palacios Murillo (Costa Rica)
Félix Torrez (La Matanza)
Fer Araya (Chile / Uruguay)
Florencia Pumilla (Santa Rosa, La Pampa)
Francisco Giaquinta (La Plata)
Gabriel Oviedo (Chile)
Giovanna Trevelin (Brasil)
Gisela Mardon (La Plata)
Guillermina Gómez (La Plata)
Gustavo Bustamante (Pehuajó)
Javiera Gómez Gaggero (Chile)
Jimena Bueno (Posadas, Misiones)
Jose Matamala (CABA)
Juan Pablo Soto (Rosario)
Julieta López (Rosario)
Julieta Machuca (Villa Elisa)
Julieta Oliva Torre (La Plata)
Karina Granieri (CABA)
Loréne Belloni (Ciudadela, Tres de Febrero)
Lucas Fiorucci (La Plata)
Lucía Drabenche (CABA)
Luis Arturo Mardones (Chile)
Luis Daniel Polo (Jujuy / Tucumán)
Manué Gayol (Mar del Plata)
Mara Sofía Gassibe (Mendoza)
María Fernanda Almanza (Villa Mercedes, San Luis)
María Paz Santos Morón (La Plata)
María Santi (Gonnet)
María Silva (México)
María Verónica Matos (Gonnet)
Marta Salina (San Miguel de Tucumán)
Martina Francis Aguirregomezcorta (La Plata)
Martina Zorzón (Rosario)
Mateo Contrisciani Celdilla (La Plata)
Matías Eduardo Quintana (La Plata)
Melisa Casella (Mar del Plata)
Melisa Fort (San Martín de los Andes)
Michelle Sepúlveda (La Plata)
Mora Iriarte (La Plata)
Nair Gramajo (Caleta Olivia, Santa Cruz)
Nicolás Alberto Rivarola (CABA)
Patricia Di Pietro (CABA)
Patricia Martínez Castillo (Tandil)
Paula Hernández (Chile)
Paula La Rocca (Córdoba)
Pier Tapia Bazan (Lima, Perú)
Ricardo Fabián Rojas (Santa Fe)
Rocío Bergé (La Plata)
Rocío Duarte Reynoso (Rosario)
Rocío Garrera (La Plata)
Rocío Rodríguez Vigatto (La Plata)
Rodrigo Agüero Zubiauni (San Isidro)
Silvina Cavallaro (La Plata)
Silvina Torviso (Junín, Pcia. Bs. As.)
Sofía Sartori (Córdoba)
Sofía Stefanu (La Plata)
Valentina Valeria Allende (Quilmes)
Vanina Soulier (La Plata)
Veky Power (Bahía Blanca)
Verónica Jofré (Alta Gracia, Córdoba)
Victoria De Francesco (Tres Arroyos)
Victoria Vivanco (Córdoba)
Vito Bernal (Córdoba)

Miércoles 15, jueves 16 y viernes 17 de mayo
De 14:00 a 19:00h
Auditorio

 

Somos la estética de la violencia expresiva, reza el primer manifiesto del Grupo Escombros, la estética de lo roto (1989). Mientras Luciano lo lee en un break de su trabajo mal pago en una cocina en Italia, se le empieza a figurar una idea en la mente: a veces quiere matar a su jefe. Vuelve a la cocina y, mientras corta verduras con una cuchilla, siente la potencia del utensilio que muy rápido puede convertirse en arma.

Si Escombros se trata de un grupo de artistas de lo que queda, Luciano mastica el texto con el resentimiento de quien se va —¿o tiene que irse?— y es mal recibido por lo que es: migrante, marrón, trans. Un chico del conurbano en Roma. Mastica y mastica y lo devuelve en la forma de una carta, una voz en off relata una serie de experiencias y deseos luminosos y oscuros, los ficciona en un video para contárselos a un amigo buscando una forma de sobrellevar la hostilidad. Estamos en la calle porque nuestros amigos lo hacen posible. El arte lo hace posible, como dice el manifiesto: toda obra de arte es un relato de guerra: la que libra, sin cuartel, la libertad frente a la represión.

En un momento de crisis, la obra de Luciano se zambulle en el archivo de lo que queda para darle al pasado la forma de lo que es: un fantasma que puede volver a aparecer. Hay un solo proyecto cultural posible: la supervivencia. No hay que tener miedo.

Mnemo

 

Luciano Benjamín Encina (Buenos Aires). Artista Trans-Disidente. Licenciado en la carrera de Artes Plásticas por la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata (UNLP). Sus trabajos son un cruce entre la pintura y la gráfica. Realiza tatuajes, ilustraciones, pinturas y diseño. Lo queer, la calle, las posibilidades de ser, lo cotidiano, migración, historias pertinentes al colectivo LGBTIQA+ son los temas que se hacen presentes en sus obras. Algunas de sus exposiciones son: La Espera, Proyecto Coronarse y ¿Cuál es tu nombre? Forma parte del equipo Ediciones Querubín-TransAtlántico que busca conectar a la Argentina y a Italia por medio de la palabra/imagen.

Inauguración: 16.03.24
De 17:00 a 20:00h
Sala A

 

El antropólogo, fotógrafo, músico y artista visual Bruno Pianzola propone una nueva intervención transmedia, un spin-off de la reconocida Pixmentos, todos productos de la alquimia que fusiona colores y texturas de la naturaleza en una resignificación de la fotografía científica de especímenes animales y muestras geológicas. Pianzola revierte la pasividad de los objetos de museo y los transforma en paisaje visual y sonoro, mediante una ingeniería de destellos, cadencias, ritmos y movimientos. ¿De qué otra manera el plumaje del guacamayo podría proveer de circulación de energías a los huesos de un orangután acompañando los compases de un bandoneón? La instalación atrapa a lxs visitantes en un registro de diferentes vidas y de múltiples generaciones a partir de dispositivos mediáticos, estableciendo una realidad diferente aunque emplazada en el centro platense.

El resultado es una caja negra en la que se introducen los métiers de las Ciencias Naturales, son amasados por las virtudes de Pianzola, y se produce el brote de una experiencia conjunta, en la que artista, instalación y visitantes se confunden en una misma vivencia.

Darío Hermo

 

Bruno Pianzola (Ciudad de México, 1978). Se crió en Mar del Plata, desde 1997 vive en esta ciudad. Es licenciado en Antropología Social, fotógrafo profesional y músico. Desde el año 2005 está a cargo del laboratorio de Fotografía del Museo de Ciencias Naturales de La Plata. Es bandoneonista de El Engrupe, conjunto musical con quien editó tres álbumes y con el cual se presentó en distintos escenarios de la ciudad, de la provincia, la capital y del exterior. En el año 2009, obtuvo una beca del Fondo Nacional de Las Artes para desarrollar Proyecto Fueyes, trabajo en el cual integró la antropología, la fotografía y la música; recuperando historias, formas de ejecución musical e imágenes de viejos bandoneonistas de la provincia de Buenos Aires. Con ese material realizó una exposición fotográfica y sonora en el Centro Cultural Malvinas de esta ciudad (2011) y en La Casa del Bicentenario en CABA (2012). Desde el año 2012, viene desarrollando distintas muestras en las que integra ciencia y arte en relación a su trabajo en el Museo de Ciencias Naturales. Espejitos de Colores, un trabajo artístico con la fotografía científica como materia prima, fue el embrión de Pixmentos y de donde nació Retratos de Colección. Se expuso en Sala Víctor de Pol, Museo de La Plata, 2012. En el Centro Cultural Islas Malvinas 2013 y, nuevamente, en Sala Víctor de Pol en 2014. Pixmentos, en el marco de “Museos a la Luz de La Luna”, es una intervención visual y sonora en distintas salas del museo, que produce cada año desde 2016, junto a Horacio y Juan Quiroga (música), Jorge Trujullo (video mapping) y Lisandro Peralta (video mapping). En 2023, editó su primer álbum solista Milonga Adentro. La banda de sonido de Retratos de Colección, es parte del mismo.

 

Inauguración: 06.04.24
De 17:00 a 20:00h
Sala C

 

El telón es una gran mancha arriba y abajo de una línea de horizonte sinuosa, casi una reacción atmosférica a la lectura de un libro sobre el desierto. Sin embargo, el puntapié para esta pintura fue un programa de TV en el que Daniel Santoro y María Moreno conversaban sobre el cuadro La vuelta del malón de Ángel Della Valle, pintado a fines del siglo XIX. En un momento del episodio, y mediante un truco de edición, el paisaje que está detrás del malón de indios tomaba el protagonismo de la pantalla; se mostraba vacío, sin figuras y bañado por un filtro rojo. Parecía estar bajo el efecto de una resolana o ser la pampa con ese aspecto extraño asumido a menudo por el humo de la quema de alguna parte al atardecer, como observó un acuarelista escocés. Fátima Pecci Carou detuvo la reproducción del programa en ese instante enrojecido, fijó el color y esa apariencia rara de la obra tan famosa, tan vista, para pintar ella misma un desierto en 17 metros. El mayor milagro en el desierto es el pasaje del día a la noche y viceversa. Quienes transitan estos lugares, si aún no lo saben, aprenden a ver en los cambios de la luz las hebras de la Historia.

La pintura de Della Valle dialoga con La cautiva, ese poema épico de Esteban Echeverría, también del siglo XIX. El texto no fue el primero de las letras del Río de la Plata en tratar el tema del rapto de la mujer blanca, pero sí el que volvió apelativo —una expresión por la que puede ser llamada— el adjetivo que antes sólo la calificaba. El nombre de pila de la heroína, María (quien se libera de su cautiverio para rescatar, puñal en mano, a su esposo prisionero en las tolderías), se disuelve entre las rimas y tiende a ser olvidado. El entorno, en cambio, se hace de un cuerpo y un nombre, se llama El Desierto, y se despliega como un personaje más. Su descripción gana en relevancia al relato de los esposos, su solo acontecer es el drama principal del poema.

A partir de revisitar esas dos obras, el cuadro y el poema, Pecci Carou se involucra por primera vez con temas de literatura para esta nueva exhibición en el Centro de Arte de la UNLP. El ingreso de la ficción le permite explorar desde el color y la cobertura de grandes superficies; habilita, aunque suene paradójico, la suspensión de los asuntos narrativos al interior de la pintura y el desplazamiento desde la figuración hacia zonas de mayor abstracción. La instalación que ocupa esta sala se desvía de las condiciones del realismo, mucho más presente en las series anteriores de la artista, aunque sin abandonar la impronta que tiene el tema en su producción como eje organizador del procedimiento de trabajo y de la presentación al público. Es en continuidad con su interés siempre manifiesto por los temas de la historia argentina, en particular, por la historia de las mujeres, y su sensibilidad hacia las realidades cotidianas de ellas (desde el trabajo invisible o precarizado, a la maternidad, y la denuncia de la trata y los femicidios), que la artista llega a la cautiva y al desierto, tópicos fundadores del imaginario nacional.

En cuanto al soporte, no es la primera vez que Fátima va más allá de los cuadros. En 2022 presentó una serie de banderas y estandartes que colgaban en mástiles y en 2019, pintó sobre un biombo de madera. En esta instalación, el objeto —la materia de la realidad— ingresa como resto de ese diálogo desplazado con el realismo. Las cabelleras largas de las mujeres, antes pintadas, ahora cuelgan del techo en trenzas falsas, apliques de pelo comprados en el cotillón. De color rubio natural, rojo o violeta, son las que usan las cosplayer para completar sus atuendos, y las mismas formas trenzadas que ordenan las cabezas de las chinas en los ranchos. Si en la obra de Pecci Carou suelen tener lugar elementos que sintetizan tradiciones discordantes, o sin relación aparente entre sí, reuniéndolas, en este caso, el aplique sugiere el disfraz, la fantasía de quien se viste como sus personajes favoritos. Superpuestas al desierto las trenzas invitan a hacer cosplay de María, de Lucía Miranda, de Marta Riquelme o de otras cautivas que lo habitan en los libros. Muchas veces en esas páginas el rapto se cuenta con el pelo que se suelta por la pérdida del lazo que ataba el peinado (y que unía a la mujer a la sociedad de los blancos); también, se reitera el corte al ras de los cabellos como una de las mayores violencias sobre las cautivas. La historia del arte se hace eco y representa en la pintura sus crenchas enmarañadas al viento, encima de los  hombros desnudos: son el símbolo velado de la violación de sus cuerpos.

Sobre el telón se proyecta un video en el que se ve —y se escucha— a Fátima leyendo pasajes de textos literarios y críticos, clásicos y contemporáneos, sobre historias de cautivas y malones. Ella lee sin parar, tomando distintas poses, y los libros se acumulan. La acción se extiende en el tiempo; si la pintura la ejecutaba con pincelada voraz, en la lectura, la artista se demora. El desierto es vasto en su voz, a la vez que repetido, transitado por viajeros que conversan sobre otros libros y pueblan la huella con sus palabras raras, blancas y políglotas. El paisaje se dice demasiado extenso para la mirada que gira en vano y la literatura sobre el tema, también es mucha, inagotable, como un correlato. Es imposible leer todos los libros del desierto, por eso la acción del video tiene algo de tenacidad y de absurdo. La lectora es la figura que trae a la obra lo escrito por otros y otras y, a la vez, es una toma de posición que pausa la producción de nuevos enunciados, que ante la pregunta sobre qué hacer con la tradición, responde: por ahora, leerla.

Después de bocetar decenas de rostros de cautivas en papeles que descarta, Fátima es cautivada, ella misma, por el paisaje. Pinta el desierto en la mayor escala que le cabe a su cotidiano, en un intento por describir el escenario donde ocurre lo que todavía es inenarrable. La pintura es, para ella, herramienta de la urgencia; urge darle una imagen a lo inconmensurable y a lo áspero que rodea. Pero el desierto no actúa en esta obra como metáfora de una realidad empobrecida, ni tampoco busca emparentarse con el aspecto de ese siglo XIX al que se retrotraen los discursos oficiales. La tela en su anchur es una bandera donde se agita el presente de Argentina, en su profunda crisis humana. ¿Qué otra cosa podría hacer la pintura en este momento más que ofrecer un lugar donde fijar la mirada? Para vencer el mareo del ojo en el vacío. Palpar la pared que está por detrás y ahí un contorno, el inicio de un acá estamos.

Belén Coluccio. Marzo de 2024

 

Fátima Pecci Carou (1984, Buenos Aires, Argentina). Licenciada en Artes Visuales por la Universidad del Museo Social Argentino (UMSA). Estudió Historia del Arte en la Universidad de Buenos Aires (UBA). Complementó su formación en el Centro de Investigaciones Artísticas (CIA, 2015) y en las clínicas de obra ABE-ELE, coordinadas por los curadores Javier Villa y Carla Barbero (2020) y Ana Gallardo (2013- 2015). En 2019 fue nominada a las becas Cisneros Fontanals Art Foundation (CIFO) – Grants & Commis. En 2020 fue invitada a la 12a. Bienal de Mercosur de Porto Alegre, con curaduría de Andrea Giunta. Ha obtenido el Premio Adquisición de Artes Visuales 8M (Centro Cultural Kirchner–Palais de Glace 2021); el Premio en Obra–Barrio Joven (ArteBA, Galería Piedras 2018) y el 1er. Premio Adquisición en Salón Nacional de Pintura de Santa Fe, 2019.

Belén Coluccio. Curadora e historiadora del arte por la Universidad Nacional de Buenos Aires (UBA). Desde 2021 integra la Dirección Nacional de Museos de la Secretaría de Cultura de la Nación. Entre 2020 y 2023 fundó y co-dirigió LAR-local de artes recientes, residencia artística y espacio de exhibición dedicado a las prácticas contemporáneas donde se desarrollaron más de 90 proyectos. Se desempeñó como asistente de curaduría del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires en las exhibiciones Sergio De Loof: ¿Sentiste hablar de mí? y Una historia de la imaginación en la Argentina. Entre sus trabajos en curaduría en otras instituciones se destacan La cueva del sueño del artista Alfredo Frías (Constitución galería), Exhibición fundamental de arte argentino en los libros de la poesía y la ficción (con Juan Cruz Pedroni, LAR) y Intus Foris de Cinthia de Levie (Ausstellungsraum Klingental, Basel). Es autora del libro Museos Nacionales: desde sus orígenes hasta el presente y de diversos textos críticos y biográficos sobre artistas argentinos. Como performer y coreógrafa ha trabajado en la Bienal de Performance-BP21, en el Museo Macro de Rosario y en el Centro Cultural Rojas.