Inauguración: Sábado 02.07.2022
19:00 h
Sala B

La muestra del Premio Itaú de Artes Visuales 2022 llega al Centro de Arte de la UNLP

Fundación Itaú Argentina y el Centro de Arte de la UNLP, invitan a la inauguración de la 13 exposición del Premio de Artes Visuales, con la participación de artistas emergentes de diferentes regiones del país. Son 38 las obras finalistas que se exhibirán en las salas del flamante Centro de Arte UNLP. En el evento de apertura se anunciarán los 3 Premios Adquisición que pasarán a formar parte de la Colección Itaú de Arte Contemporáneo.

El Premio Itaú de Artes Visuales surgió hace 13 años como una propuesta de carácter federal y digital, con inscripción online, y se caracteriza por su transparencia en el proceso de selección de las obras y la devolución personalizada de los jurados a cada artista participante. La actual edición contó con más de 3500 obras inscriptas, que fueron evaluadas por un Jurado de Selección federal conformado por 25 referentes de diversas escenas. El Jurado de Premiación, conformado por Claudia del Río, Eva Grinstein  y Andrés Labaké, bajo la curaduría y coordinación de María Menegazzo Cané, eligirá a los ganadores que se anunciarán en sala, durante la inauguración el próximo sábado 2 de julio, a las 19:00h, en el Centro de Arte de la UNLP.

“Cabe destacar que es la primera vez que el Premio inaugura por fuera de Capital Federal, en un esfuerzo conjunto con el  Centro de Arte de la UNLP. Es una gran satisfacción la de articular con la Universidad Nacional de La Plata cuyo Centro de Arte viene sorprendiendo en la escena del arte por su valiosa programación y su perfil innovador” expresa Anabella Ciana, Coordinadora de Fundación Itaú Argentina.

También se exhibirá la obra premiada de la categoría especial de Arte y Tecnología “Bioarte” que ya fue anunciada y que contó con un jurado especializado en la materia conformado por Joaquín Fargas, Natalia Matewecki y Lucía Stubrin. Se trata de La persistencia del presente del artista Pablo Logiovine (CABA, 1976), que recibió un premio no adquisición de $100.000 pesos.

La exposición estará abierta hasta el 3 de septiembre y se desarrollarán durante ese tiempo talleres para niños, charlas on line y recorridos guiados.

25.06.2022
19:00h
Pasaje del Bicentenario

El CO2 show es una intervención de sitio específico que el artista proyectó para el Pasaje del Bicentenario. Desde este corredor se puede apreciar uno de los laterales del edificio de la Presidencia de la UNLP con sus ventanas neoclásicas correspondientes a las distintas secretarías. Pero también, tal como advirtió el artista, una fila de 28 aires acondicionados que descansan sobre un gran pedestal en planta baja. En función de esta llamativa colección de artefactos y del interés que Ginzburg sostiene, desde 1969, respecto de las problemáticas ecológicas, diseñó esta intervención que denuncia, fiel a su método de trabajo, las desmedidas emisiones de dióxido de carbono relacionadas con los aires acondicionados que según un informe de 2018 de la Agencia Internacional de Energía (AIE) se duplicarán en las próximas décadas.

Sobre el Pasaje del Bicentenario
Este corredor, de 12 metros de ancho que atraviesa la manzana del edificio de Presidencia desde la avenida 7 hasta la calle 47 en forma de L, se inauguró en 2017 junto con el Centro de Arte de la UNLP y en el marco del programa de puesta en valor y refuncionalización del colosal edificio conocido como Tres Facultades, hoy renombrado Sergio Karakachoff. El paseo peatonal devolvió la luz a una de las fachadas de la Presidencia, una resignificación simbólica de la represión vivida durante la última dictadura militar, pues la construcción de hormigón, el Tres Facultades, comenzó a funcionar en 1976 y se emplazó de manera que clausuraba la parte lateral y las ventanas de las oficinas de la Presidencia.

Carlos Ginzburg (La Plata, 1946). Estudió Filosofía en la Universidad Nacional de La Plata. Integró el Movimiento Diagonal Cero y el Grupo de los Trece. En 1969 inició sus proyectos de «arte ecológico» y «señalamiento». Entre 1972 y 1982, año en que se estableció en París, viajó por el mundo como “artista viajero”. En 1980, exhibió estos viajes en el International Cultureel Centrum de Amberes, Bélgica. Parte de su obra de los años sesenta y setenta integra el Fondo Carlos Ginzburg del Archivo de Arte de la UNLP. Vive y trabaja en París.

Inauguración: sábado 14.05.22 a las 19:00h
Del 14.05.22 al 25.06.2022
Sala B

Artistas participantes del Programa MANGLAR en La Plata 2021: Antonio Zucherino / Daniela Anzoátegui / Daniela Mastrandrea (artista invitada) Favio Gutierrez / Félix Tórrez (artista invitado) / Gini Landini / Giselle Pissoni / Laura Pires / Luciana Vega DAndrea / Luisina Fucile /Mari Sanguinetti / Mariana Colli / Mariana Rodriguez Ávila / Mariel Uncal Scotti / Paula Marcantoni / Valentina Rivas Robles

Coordinador del Programa y curador de la muestra: Andrés Labaké

Se unen las lianas, como un posible relato, como una tentativa imagen, insistente, sobre lo ausente. Que emerge de la conexión y desconexión con el objeto perdido.

Nos propone un re transitar ficcional en la deriva de la memoria personal y colectiva.

Realizar algunos ensayos donde recomponer con restos fracturados, en una materialidad imposible, las capas geológicas del tiempo.

Encarar investigaciones poéticas urgentes sobre cómo estar en el relato del mundo y en el mundo del relato, recolectando esquirlas en territorios e imaginarios.

Inventar con dos palitos refugios cotidianos, que nos emparentan en la precariedad periférica.

Como también, salir de ellos e intentar desenmascarar y eludir la estigmatización y el control que se intenta sobre los contornos, donde la trama de deshilvana. Y problematizar, desestabilizar el territorio del lenguaje, del discurso central hegemónico desde las imágenes, y ensayar una imaginación otra, que incluya y proponga subvertir estatutos micro y macro políticos.

Donde la experimentación de la fantasía, en les cuerpes y los objetos, ofrezca su capacidad de ser vehículo de conocimiento a través de la invención de otros escenarios alternativos posibles.

Tratar de inventarlos abordando exploraciones en las estrías e intersticios del relato, en las zonas secretas de nuestras historias.

O recurrir a la infructuosa repetición que permita las irrupciones dislocadoras en las que emerjan variaciones necesarias y particularicen esas imágenes, esos relatos. Que desplacen el sentido.

Mágicas performances, en simultaneidad de tiempos urgentes, que perforen la linealidad obturadora e instalen la fractura, la interrupción que permita no desentendernos de lo excluido.

Que restos materiales de alguna posible representación floten en suspensión en el espacio sobre nosotros, convocándonos a la percepción imaginaria del desmoronamiento. A la representación del derrumbe o al derrumbe de la representación.

Apelar a una constante excavación en la escritura poético arqueológica, en los pliegues y relieves de las imágenes, de las cosas y las narraciones, subidos a provisorias estructuras de sostén. Intuyendo la fragilidad y provisoriedad de ellas y de la memoria.

O bajar de ese andamio y recorrer dentro del enredo y la mixtura la cotidianeidad, procurando que, hasta la viscosa materialidad de lo cercano y lo familiar se vuelva extraño y atrayente, aún en su repulsión.

Para encontrar allí, probable y paradójicamente, en la percepción de estar inmersos en el caos, un espacio refugio donde poder erigir un ritual y un escenario cartográfico de los silencios y las ausencias.

Salir al encuentro de rituales de celebración festiva, donde involucrarnos colectivamente en la mixtura, en la práctica comunitaria de la impureza, de lo trastocado, en la potencia de lo transvestido y tergiversado que nos habilite particularizar las representaciones a la vez que inventar lo común en las diferencias y otredades compartidas.

Volver al laboratorio personal donde ensayamos diversas, reconfigurables y lúdicas constelaciones taxonómicas en las que conviven simultáneamente, como en la comunidad, diversas inespecificidades.

Y nuevamente salir al encuentro con les otres y compartir telones de representaciones e imágenes circulantes entre los cuales podamos ensayar reinvenciones y redistribuciones de visibilidad y  sensibilidad.

Probablemente como estas derivas, así se ensamblan las prácticas poéticas de este grupo de artistas, que armando parentescos y diversas conexiones contaminantes configuraron el año pasado, semana a semana, un Manglar en La Plata.

Se ensamblan como en el agua se unen las lianas, con la fragilidad de los instantes suspendidos, flotantes, en la impermamencia de las cosas y sus relatos.

Andrés Labaké
Artista, investigador, curador, coordinador de MANGLAR

Inauguración: sábado 14.05.22 a las 19:00h
Del 14.05.22 al 18.06.2022
Sala C

Cuanto más grande es un maestro, más vacía está su obra. Es un significante
sin identidad, que se llena constantemente de nuevos significados. El origen se
muestra como una construcción posterior.
Byung Chul Han, Shanzai

Julia Sbriller y Joaquín Wall son creadores de imágenes. En su caso, el camino de la creación -colectiva- puede atravesar distintas etapas: los primeros disparadores, la gestación de la idea, la puesta en común, las pruebas, la ejecución, la exhibición. Pero el trabajo de Julia y Joaquín no termina allí. Se prolonga en el tiempo y en los espacios.

Una imagen que nace como fotografía deviene en video y luego en una obra mural y colectiva hecha de venecitas. ¿Cuál es el final de la imagen?

Los recursos que utilizan entrañan la reproducción múltiple, que en este caso se manifiesta, por un lado, con la elección de la técnica fotográfica, y por otro, con la elección de una técnica modular, que traduce una imagen digital, intangible, en un objeto.

Sus obras son transformación constante, no se cierran sobre sí mismas, no están acabadas. Su concepción del ser en el mundo tampoco. La mutación y el cambio atraviesan las distintas producciones del colectivo. En Torontoides, serie de la cual parte la actual exposición, presentan cuerpos desnudos que se lanzan sobre masas acuosas de colores.

El video que registra la producción de la serie fotográfica nos devuelve la imagen de cuerpos flotando en una pileta, enredados en telas de colores. Narcisos caídos, que embelesados con su propia imagen no perecieron sobre la hierba, sino que se fundieron con su propio reflejo colectivo, no individual, y habitan el agua, medio fluido, transportador, vital.

Algo en el acto de arrojarse, de introducirse en un medio ajeno, habla de un impulso, de una tendencia hacia las experiencias transformadoras. En el sentido de la experiencia, esta muestra y las obras presentes en ella se proponen no en tanto objeto, sino como una duración para vivenciar. ¿Qué significa crear hoy? ¿Qué significa lo colectivo hoy? ¿Qué significa encontrarse hoy? Estas preguntas atraviesan el armado de Voluble: imágenes futuras. Las respuestas son algo por descubrir, a partir de la intervención de cada persona que se sienta interpelada a transformarse y crear desde el encuentro.

Carolina Jozami

Julia Sbriller & Joaquin Wall son un dúo multidisciplinario con base en Argentina. En su práctica colaborativa, híbrida y experimental trabajan en relación al cuerpo individual y colectivo, las propiedades de la luz, la materia, la gravedad, sus posibilidades de encuentro y relación. Desde distintos soportes se preguntan por la escala, por la representación del espacio y del cuerpo en él. Su trabajo se centra en pensar al ser humano en tanto a su capacidad de vincularse y de transformarse, en busca de nuevas formas y posibilidades de encontrarnos y habitar el mundo.
Su trabajo ha sido exhibido en Whitechapel Gallery (UK), GAMeC Bergamo (IT), Swab Barcelona (ES), Art Gallery of Burlington (CA), Crawford Art Gallery (IE), Buenos Aires Photo (AR), ArteBA (AR) Fundación Proa (AR), Fundación Andreani (AR), Munar Arte (AR), etcétera. Actualmente forman parte de Quimera Galería, en Buenos Aires, Argentina. Julia y Joaquin trabajan como docentes y gestores culturales coordinando “Creadores de imágenes” Red Educativa Latinoamericana.