Del 5 al 12 de noviembre de 2022

Convocatoria abierta para la presentación de proyectos: del 13 de junio al 1 de agosto
Resultados: 15 de agosto

Formulario de inscripción: https://forms.gle/u1nmkrYFFReDtTdR8
Consultas: 6buayc@gmail.com

La sexta edición de la Bienal es una invitación a repensar la idea de tiempo entendida desde su concepción más tradicional: la de una línea exclusiva. Crear líneas para romper la línea es crear una trama, colectiva y subjetiva, donde confluye el tiempo que habitamos, el tiempo que percibimos. El tiempo entendido como trama es movimiento, es conjunto, es volumen, es colectivo.

Se trata entonces de zambullirse en la simultaneidad del tiempo poético, en cómo se hace presente, en sus formas y estrategias para desplazarlo de su curso habitual. “El tiempo está fuera de quicio”, exclamaba Hamlet hace más de quinientos años y resuena en esta Bienal que debió ser la séptima, pero el mundo entró en el tiempo de la espera, el detenido, el de la incertidumbre. Por eso es el tema que la enmarca, que nos obsesiona, nos seduce, y nos atrapa, porque está fuera de sí, como siempre está cuando se entrama con el arte.

 

PREGUNTAS FRECUENTES

INSCRIPCIÓN

¿Cómo se realiza la inscripción?

La inscripción se realiza hasta el 1 de agosto de 2022 por medio del siguiente formulario: https://forms.gle/u1nmkrYFFReDtTdR8

 

PARTICIPANTES

¿Quienes pueden participar?

Pueden participar personas mayores de 18 años. Al tratarse de una Bienal Universitaria se dará prioridad a aquellos proyectos realizados en el marco de universidades nacionales.

¿Se pueden presentar personas que no vivan en La Plata?

Pueden presentarse personas que no residan en La Plata, aunque es necesario considerar que la Sexta Bienal Universitaria de Arte y Cultura tendrá un carácter presencial y se desarrollará en la ciudad entre el 5 y el 12 de noviembre de 2022.

 

CARACTERÍSTICAS DE LOS PROYECTOS

¿Qué tipos de proyectos y/o actividades pueden proponerse?

Las actividades o proyectos a presentar pueden enmarcarse dentro de las áreas de artes visuales, audiovisuales o escénicas, diseño, literatura o música. Dentro de cada área pueden desarrollarse exposiciones, performances, intervenciones, conciertos, espectáculos, talleres, conversatorios, charlas, etcétera.

¿Se pueden presentar proyectos individuales?

Podrán participar únicamente proyectos colectivos.

¿En qué espacios se pueden realizar los proyectos?

Los proyectos deberán indicar el espacio —sugerido o necesario— en el que se llevarán a cabo, a partir de las características de la propuesta presentada. Por cuestiones de programación, la organización podrá reasignar espacios en función de esas características.

¿Tienen que ser proyectos inéditos?

Los proyectos que participen no necesariamente deben ser inéditos. Podrán presentarse proyectos que ya fueron exhibidos.

¿Cuántos proyectos puede presentar un mismo colectivo, grupo o compañía?

Cada colectivo, grupo, compañía o cátedra podrá presentar solamente un proyecto.

Duración y desarrollo de los proyectos

Las actividades a desarrollarse en el marco de la Bienal podrán tener una duración de hasta 1 semana. El tiempo estará sujeto al tipo de propuesta y a sus características.

  

FINANCIAMIENTO

¿Cómo es el financiamiento?

Se otorgará un monto de hasta $20000 (veinte mil pesos) por proyecto.

¿Qué debe contener el presupuesto presentado?

El presupuesto presentado debe detallar, además del monto, los rubros a los que se destinará.

¿Se financian alquileres de equipos?

El formulario de inscripción permite indicar el equipamiento requerido para la realización del proyecto. Sin embargo, si fuese necesario el alquiler de equipos se debe detallar el tipo de equipamiento y el monto destinado a tal fin en el formulario de inscripción.

¿Se contemplan honorarios en el presupuesto?

En caso de que el proyecto contemple el pago de honorarios es necesario indicar su tipo y el monto destinado a ese fin en el formulario de inscripción.

¿Debe rendirse el monto asignado?

No es necesario rendir el monto asignado a la financiación del proyecto. A tal fin, el único requisito es la concreción del proyecto.

Inauguración: Sábado 02.07.2022
19:00 h
Sala B

La muestra del Premio Itaú de Artes Visuales 2022 llega al Centro de Arte de la UNLP

Fundación Itaú Argentina y el Centro de Arte de la UNLP, invitan a la inauguración de la 13 exposición del Premio de Artes Visuales, con la participación de artistas emergentes de diferentes regiones del país. Son 38 las obras finalistas que se exhibirán en las salas del flamante Centro de Arte UNLP. En el evento de apertura se anunciarán los 3 Premios Adquisición que pasarán a formar parte de la Colección Itaú de Arte Contemporáneo.

El Premio Itaú de Artes Visuales surgió hace 13 años como una propuesta de carácter federal y digital, con inscripción online, y se caracteriza por su transparencia en el proceso de selección de las obras y la devolución personalizada de los jurados a cada artista participante. La actual edición contó con más de 3500 obras inscriptas, que fueron evaluadas por un Jurado de Selección federal conformado por 25 referentes de diversas escenas. El Jurado de Premiación, conformado por Claudia del Río, Eva Grinstein  y Andrés Labaké, bajo la curaduría y coordinación de María Menegazzo Cané, eligirá a los ganadores que se anunciarán en sala, durante la inauguración el próximo sábado 2 de julio, a las 19:00h, en el Centro de Arte de la UNLP.

“Cabe destacar que es la primera vez que el Premio inaugura por fuera de Capital Federal, en un esfuerzo conjunto con el  Centro de Arte de la UNLP. Es una gran satisfacción la de articular con la Universidad Nacional de La Plata cuyo Centro de Arte viene sorprendiendo en la escena del arte por su valiosa programación y su perfil innovador” expresa Anabella Ciana, Coordinadora de Fundación Itaú Argentina.

También se exhibirá la obra premiada de la categoría especial de Arte y Tecnología “Bioarte” que ya fue anunciada y que contó con un jurado especializado en la materia conformado por Joaquín Fargas, Natalia Matewecki y Lucía Stubrin. Se trata de La persistencia del presente del artista Pablo Logiovine (CABA, 1976), que recibió un premio no adquisición de $100.000 pesos.

La exposición estará abierta hasta el 3 de septiembre y se desarrollarán durante ese tiempo talleres para niños, charlas on line y recorridos guiados.

 

 

Inauguración: 25.06.2022 a las 19:00h
Del 25.06.22 al 08.07.22
Sala A

 

Chtonic Futur es un proyecto que Carlos Ginzburg diseñó para su exhibición en la sala A del Centro de Arte de la UNLP. Para nombrarlo, el artista juega con las palabras dado que “ctónico” es una de las variantes que se utilizan en la lengua griega para designar tierra o perteneciente a la tierra y, a su vez, refiere al inframundo y a los espíritus que lo habitan. De manera que en Chtonic Futur vuelve a trabajar sobre las problemáticas ecológicas contemporáneas, como en Post-Madre tierra (2019)[1], intervención que realizó junto con el Centro de Arte en la Facultad de Psicología de la UNLP. En esta oportunidad, cuatro paneles anuncian el desextractivismo de recursos naturales (gas, carbón y petróleo) que simulan estar bajo tierra, acompañados de raíces y hongos dibujados a modo de una red de micorrizas o de asociaciones simbióticas.

 

Carlos Ginzburg (La Plata, 1946). Estudió Filosofía en la Universidad Nacional de La Plata. Integró el Movimiento Diagonal Cero y el Grupo de los Trece. En 1969 inició sus proyectos de «arte ecológico» y «señalamiento». Entre 1972 y 1982, año en que se estableció en París, viajó por el mundo como “artista viajero”. En 1980, exhibió estos viajes en el International Cultureel Centrum de Amberes, Bélgica. Parte de su obra de los años sesenta y setenta integra el Fondo Carlos Ginzburg del Archivo de Arte de la UNLP. Vive y trabaja en París.

[1] Puede consultarse el catálogo en: https://www.centrodearte.unlp.edu.ar/wp-content/uploads/2020/04/Post-Madre-Tierra_compressed.pdf

 

25.06.2022
19:00h
Pasaje del Bicentenario

 

El CO2 show es una intervención de sitio específico que el artista proyectó para el Pasaje del Bicentenario. Desde este corredor se puede apreciar uno de los laterales del edificio de la Presidencia de la UNLP con sus ventanas neoclásicas correspondientes a las distintas secretarías. Pero también, tal como advirtió el artista, una fila de 28 aires acondicionados que descansan sobre un gran pedestal en planta baja. En función de esta llamativa colección de artefactos y del interés que Ginzburg sostiene, desde 1969, respecto de las problemáticas ecológicas, diseñó esta intervención que denuncia, fiel a su método de trabajo, las desmedidas emisiones de dióxido de carbono relacionadas con los aires acondicionados que según un informe de 2018 de la Agencia Internacional de Energía (AIE) se duplicarán en las próximas décadas.

 

Sobre el Pasaje del Bicentenario
Este corredor, de 12 metros de ancho que atraviesa la manzana del edificio de Presidencia desde la avenida 7 hasta la calle 47 en forma de L, se inauguró en 2017 junto con el Centro de Arte de la UNLP y en el marco del programa de puesta en valor y refuncionalización del colosal edificio conocido como Tres Facultades, hoy renombrado Sergio Karakachoff. El paseo peatonal devolvió la luz a una de las fachadas de la Presidencia, una resignificación simbólica de la represión vivida durante la última dictadura militar, pues la construcción de hormigón, el Tres Facultades, comenzó a funcionar en 1976 y se emplazó de manera que clausuraba la parte lateral y las ventanas de las oficinas de la Presidencia.

 

Carlos Ginzburg (La Plata, 1946). Estudió Filosofía en la Universidad Nacional de La Plata. Integró el Movimiento Diagonal Cero y el Grupo de los Trece. En 1969 inició sus proyectos de «arte ecológico» y «señalamiento». Entre 1972 y 1982, año en que se estableció en París, viajó por el mundo como “artista viajero”. En 1980, exhibió estos viajes en el International Cultureel Centrum de Amberes, Bélgica. Parte de su obra de los años sesenta y setenta integra el Fondo Carlos Ginzburg del Archivo de Arte de la UNLP. Vive y trabaja en París.

Curaduría: Virginia Martín

Inauguración: 25.06.2022 a las 19h
Del 25.06.22 al 31.07.22
Sala C

 

En esta exhibición ambas artistas presentan su reciente cuerpo de obra y lo hacen dialogar la una con la otra. La cerámica es la obra de Vitch, las esculturas, el textil y la fotografía son producciones de Fantasy Dinasty. El video de la antesala es una obra en conjunto.

La propuesta curatorial traza una línea contemporánea y la pone a dialogar con el arte de finales de los años sesenta, específicamente con el arte pop de la época.

El título Flor azul. Espinas rosas, se basa en el manifiesto de Delia Cancela y Pablo Mesejeán “Nosotros amamos” el cual es tomado y reeditado por conceptos basados en gustos de las cosas que tienen las artistas, de esta manera se le rinde un pequeño homenaje a modo de reconocimiento por la importancia y la construcción que tuvieron aquellos años en la formación de cultura desde sus inicios hasta el día de hoy.

 

“Nosotras amamos la luz del sol entre los árboles, los tapados de peluche, britney, xtina, bandana y  miranda, los cuerpos sin patrones, los pugs y los plugs, la ropa interior de látex, los souvenirs, los memes, armar playlists con canciones de amigxs, la poesía, los stickers de whatsapp, la bijouterie, los secretos, la marcha del orgullo, las pupas, el gin tonic, las prendas de leopardo, el artel_lin, los lentes de sol, el brindis, las uñas decoradas, bailar, los hoteles ⭐ ⭐ ⭐ ⭐ ⭐ , las burbujas, los brillos,  el mar, los besos, los finales felices”.

 

Vitch. Involucrada en la escena autogestiva local desde 2014 participó junto a su dupla creativa Nat Bo, en la realización de videoclips, escenografías e instalaciones en galerías y centros culturales. Comenzó su formación artística en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata (FDA-UNLP), en la carrera de Licenciatura en Plástica, orientación en Escenografía (2011). En 2015 participó del taller de dirección de arte de Bosco y JoJo Directors en POPA galería. En 2018 comenzó a incursionar en la cerámica de la mano de la artista Josefina Porro, dando lugar a una nueva búsqueda creativa individual, expresada principalmente a través de esta disciplina. En 2020 abrió “Club de Artistas City Bell” espacio con talleres de arte y tienda de producciones de emprendedores locales. Desde 2021 hasta la actualidad forma parte de la tienda del Centro de Arte UNLP (La Plata) y de la trastienda de Pionera galería (Pinamar).

Fantasy Dinasty es artista, performer y fashion icon pop de la escena actual. Amante de la moda, estudió Historia del Arte, diseño textil y producción de modas. Cofundadora de Concha Espacio (2018-2022), fashion boutique nacida en el local 96 de la Galería 5ta Avenida, donde desempeñó varias disciplinas como curaduría, administración y estilismo para los desfiles de la marca. En 2020 comenzó a trabajar con el músico argentino Matt Montero, quien estuvo a cargo de la burbujeante producción del primer single debut de la diva Souvenir, una mezcla entre el electropop de los 2000, el house clásico y la energía del hyper pop actual. Fue lanzado por el sello discográfico independiente “La banda del vip” conformado por varies artistas de la escena del under pop local. En septiembre de este mismo año la artista hizo su primera presentación en vivo en la marcha del orgullo Mostridiscidente en la Plaza Moma, La Plata y en diciembre exhibe su primera obra Ellas en El Fin De Este Reviente exhibición curada por Shulien Te Ama. En la obra plástica de Fantasy podemos encontrar desde piezas textiles bordadas, combinaciones de ready made, hasta pinturas. El 27 de mayo de este año se estrenó el videoclip de su primer single, dirigido por el artista Pablo Gómez Samela, en el que nos adentramos en el universo estético de Fantasy que combina el imaginario del teatro de revistas argentino con una estética camp hiper moderna y donde prevalecen el color, los brillos y las pelucas.

Inauguración: sábado 14.05.22 a las 19:00h
Del 14.05.22 al 25.06.2022
Sala B

 

Artistas participantes del Programa MANGLAR en La Plata 2021: Antonio Zucherino / Daniela Anzoátegui / Daniela Mastrandrea (artista invitada) Favio Gutierrez / Félix Tórrez (artista invitado) / Gini Landini / Giselle Pissoni / Laura Pires / Luciana Vega DAndrea / Luisina Fucile /Mari Sanguinetti / Mariana Colli / Mariana Rodriguez Ávila / Mariel Uncal Scotti / Paula Marcantoni / Valentina Rivas Robles

Coordinador del Programa y curador de la muestra: Andrés Labaké

 

Se unen las lianas, como un posible relato, como una tentativa imagen, insistente, sobre lo ausente. Que emerge de la conexión y desconexión con el objeto perdido.

Nos propone un re transitar ficcional en la deriva de la memoria personal y colectiva.

Realizar algunos ensayos donde recomponer con restos fracturados, en una materialidad imposible, las capas geológicas del tiempo.

Encarar investigaciones poéticas urgentes sobre cómo estar en el relato del mundo y en el mundo del relato, recolectando esquirlas en territorios e imaginarios.

Inventar con dos palitos refugios cotidianos, que nos emparentan en la precariedad periférica.

Como también, salir de ellos e intentar desenmascarar y eludir la estigmatización y el control que se intenta sobre los contornos, donde la trama de deshilvana. Y problematizar, desestabilizar el territorio del lenguaje, del discurso central hegemónico desde las imágenes, y ensayar una imaginación otra, que incluya y proponga subvertir estatutos micro y macro políticos.

Donde la experimentación de la fantasía, en les cuerpes y los objetos, ofrezca su capacidad de ser vehículo de conocimiento a través de la invención de otros escenarios alternativos posibles.

Tratar de inventarlos abordando exploraciones en las estrías e intersticios del relato, en las zonas secretas de nuestras historias.

O recurrir a la infructuosa repetición que permita las irrupciones dislocadoras en las que emerjan variaciones necesarias y particularicen esas imágenes, esos relatos. Que desplacen el sentido.

Mágicas performances, en simultaneidad de tiempos urgentes, que perforen la linealidad obturadora e instalen la fractura, la interrupción que permita no desentendernos de lo excluido.

Que restos materiales de alguna posible representación floten en suspensión en el espacio sobre nosotros, convocándonos a la percepción imaginaria del desmoronamiento. A la representación del derrumbe o al derrumbe de la representación.

Apelar a una constante excavación en la escritura poético arqueológica, en los pliegues y relieves de las imágenes, de las cosas y las narraciones, subidos a provisorias estructuras de sostén. Intuyendo la fragilidad y provisoriedad de ellas y de la memoria.

O bajar de ese andamio y recorrer dentro del enredo y la mixtura la cotidianeidad, procurando que, hasta la viscosa materialidad de lo cercano y lo familiar se vuelva extraño y atrayente, aún en su repulsión.

Para encontrar allí, probable y paradójicamente, en la percepción de estar inmersos en el caos, un espacio refugio donde poder erigir un ritual y un escenario cartográfico de los silencios y las ausencias.

Salir al encuentro de rituales de celebración festiva, donde involucrarnos colectivamente en la mixtura, en la práctica comunitaria de la impureza, de lo trastocado, en la potencia de lo transvestido y tergiversado que nos habilite particularizar las representaciones a la vez que inventar lo común en las diferencias y otredades compartidas.

Volver al laboratorio personal donde ensayamos diversas, reconfigurables y lúdicas constelaciones taxonómicas en las que conviven simultáneamente, como en la comunidad, diversas inespecificidades.

Y nuevamente salir al encuentro con les otres y compartir telones de representaciones e imágenes circulantes entre los cuales podamos ensayar reinvenciones y redistribuciones de visibilidad y  sensibilidad.

Probablemente como estas derivas, así se ensamblan las prácticas poéticas de este grupo de artistas, que armando parentescos y diversas conexiones contaminantes configuraron el año pasado, semana a semana, un Manglar en La Plata.

Se ensamblan como en el agua se unen las lianas, con la fragilidad de los instantes suspendidos, flotantes, en la impermamencia de las cosas y sus relatos.

 

Andrés Labaké
Artista, investigador, curador, coordinador de MANGLAR

 

Inauguración: sábado 14.05.22 a las 19:00h
Del 14.05.22 al 25.06.2022
Vidriera

 

En Industria Nacional, Nina Kunan viste las vitrinas del Centro de Arte y expone en ellas artículos de cuero comprados en talabarterías que fueron intervenidos manualmente. Cinturones, bolsas y chamarras se funden con arneses, cadenas, telas plásticas y cierres, característicos de su producción de objetos para Arrepentida, sexi-shop que inauguró en 2020.

 

“Lo principal es que me ates bien fuerte, a tu palo. Que me lleves bien arriba y me revolees junto al viento con vehemencia, flameando en el cielo como un águila en celo.

Mis labios de tela iluminados, cerca del sol, se dejarán golpear por las ráfagas del inmenso llano. Un cachetazo de vendaval puede hacerme mirar al sur y luego virar pronto al oeste.

Pero para eso necesito que me ates muy fuerte.

Símbolo, reproducción, respeto, escupitajo, lagrimal: sé muy bien todo lo que pasa allá abajo.

Lo principal es que me ates bien fuerte, a tu palo. Y elevarme con locura. No hace falta que digas nada, ni ningún otro estandarte: soy el mensaje. Atame a tu palo, mástil de arce, sólo así puedo ser bandera”.

Pilar Otero

 

Nina Kunan (Buenos Aires, 1990). Es artista visual, licenciada y profesora en Artes por la Universidad de Buenos Aires. Estudió costura y tapicería y asistió a una clínica y taller de obra con Marina De Caro. Fue agente del Centro de Investigaciones Artísticas en 2018. Se formó en pintura y dibujo con Eduardo Stupía (Universidad Torcuato Di Tella 2015 y 2016), Alfredo Londaibere y Bárbara Low. Ganó la beca de intercambio BECAR Cultura (Turín, 2019) y la Beca Creación del Fondo Nacional de las Artes (2018), fue seleccionada en el Salón Nacional (2021), obtuvo los premios KLEMM (2019), Proyecto-A (2017) y participó en las Residencias RARO Madrid (2017). En 2020 abrió su sexi-shop Arrepentida. Integró los equipos de proyectos autogestivos y colectivos como La Baranda Galería, Editorial Muchas Nueces y Proyecto NUM. En 2021 formó parte del programa KM1 del Museo Moderno.

Inauguración: sábado 14.05.22 a las 19:00h
Del 14.05.22 al 18.06.2022
Sala C

Cuanto más grande es un maestro, más vacía está su obra. Es un significante
sin identidad, que se llena constantemente de nuevos significados. El origen se
muestra como una construcción posterior.
Byung Chul Han, Shanzai

 

Julia Sbriller y Joaquín Wall son creadores de imágenes. En su caso, el camino de la creación -colectiva- puede atravesar distintas etapas: los primeros disparadores, la gestación de la idea, la puesta en común, las pruebas, la ejecución, la exhibición. Pero el trabajo de Julia y Joaquín no termina allí. Se prolonga en el tiempo y en los espacios.

Una imagen que nace como fotografía deviene en video y luego en una obra mural y colectiva hecha de venecitas. ¿Cuál es el final de la imagen?

Los recursos que utilizan entrañan la reproducción múltiple, que en este caso se manifiesta, por un lado, con la elección de la técnica fotográfica, y por otro, con la elección de una técnica modular, que traduce una imagen digital, intangible, en un objeto.

Sus obras son transformación constante, no se cierran sobre sí mismas, no están acabadas. Su concepción del ser en el mundo tampoco. La mutación y el cambio atraviesan las distintas producciones del colectivo. En Torontoides, serie de la cual parte la actual exposición, presentan cuerpos desnudos que se lanzan sobre masas acuosas de colores.

El video que registra la producción de la serie fotográfica nos devuelve la imagen de cuerpos flotando en una pileta, enredados en telas de colores. Narcisos caídos, que embelesados con su propia imagen no perecieron sobre la hierba, sino que se fundieron con su propio reflejo colectivo, no individual, y habitan el agua, medio fluido, transportador, vital.

Algo en el acto de arrojarse, de introducirse en un medio ajeno, habla de un impulso, de una tendencia hacia las experiencias transformadoras. En el sentido de la experiencia, esta muestra y las obras presentes en ella se proponen no en tanto objeto, sino como una duración para vivenciar. ¿Qué significa crear hoy? ¿Qué significa lo colectivo hoy? ¿Qué significa encontrarse hoy? Estas preguntas atraviesan el armado de Voluble: imágenes futuras. Las respuestas son algo por descubrir, a partir de la intervención de cada persona que se sienta interpelada a transformarse y crear desde el encuentro.

Carolina Jozami

 

Julia Sbriller & Joaquin Wall son un dúo multidisciplinario con base en Argentina. En su práctica colaborativa, híbrida y experimental trabajan en relación al cuerpo individual y colectivo, las propiedades de la luz, la materia, la gravedad, sus posibilidades de encuentro y relación. Desde distintos soportes se preguntan por la escala, por la representación del espacio y del cuerpo en él. Su trabajo se centra en pensar al ser humano en tanto a su capacidad de vincularse y de transformarse, en busca de nuevas formas y posibilidades de encontrarnos y habitar el mundo.
Su trabajo ha sido exhibido en Whitechapel Gallery (UK), GAMeC Bergamo (IT), Swab Barcelona (ES), Art Gallery of Burlington (CA), Crawford Art Gallery (IE), Buenos Aires Photo (AR), ArteBA (AR) Fundación Proa (AR), Fundación Andreani (AR), Munar Arte (AR), etcétera. Actualmente forman parte de Quimera Galería, en Buenos Aires, Argentina. Julia y Joaquin trabajan como docentes y gestores culturales coordinando “Creadores de imágenes” Red Educativa Latinoamericana.

Sábado 04.06.2022
De 16 a 18h
Sala A

Actividad presencial. Abierta a todo público
Inscripción: https://forms.gle/4bK28DoGmFzGjahH8

 

“Chusma, caravana arte-afectiva bonaerense” es un programa cultural, artístico, comunitario y territorial que va a desplegarse a lo largo y a lo ancho de la provincia de Buenos Aires durante un año y medio. Impulsado por el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires y la Secretaría de Patrimonio Cultural del Ministerio de Cultura de la Nación. Entre los museos participantes se encuentran el Palacio Nacional de las Artes – Palais de Glace, el Museo Nacional de la Historia del Traje y el Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti, poniendo sus colecciones en diálogo con acervos municipales, en articulación activa y atenta con centros culturales, colectivos artísticos travestis-trans y militantes, acompañando su reclamo por la violencia ejercida históricamente contra sus colectivos y por la plena realización de sus derechos.

Te invitamos a una mesa colectiva de collage usando como disparador la lectura de una entrevista a Shirley la Bombón que fue hecha para un fanzine de un ciclo de cine en Cösmiko, llamado Putita, Putito, Trolite, Trolitx.

En base a imágenes y lecturas, y en conversación con las alumnas de la escuelita que conocieron a Shirley, invitamos a crear páginas para un fanzine colectivo, en blanco y negro.

Actividad abierta para todo público, no son necesarios conocimientos previos.

Materiales necesarios a traer por cada asistente:

• Fibrones negros, tinta china negra, plumines, pinceles finos, pinceles medianos, lapiceras negras, lápices negros, gomas de borrar, tijeras, hojas A4 blancas, hojas A4 de colores flúor, hojas A4 de colores pasteles, revistas para collage, plasticolas.

 

Leandro Ariel. Es artista plástico, vj, dj, actor y gestor cultural de La Plata. Es integrante de Activaciön Monastér y Zona Rosa, colectivos artísticos multidisciplinarios. Xadre junto a @rovertito de Cösmiko Galería Club, espacio cultural alternativo sexodisidente de artistas emergentes desde hace más de diez años.

Sábado 04.06.2022
De 15:00 a 17:00h
Auditorio

Invocaciones, diálogos y preguntas en torno a la producción artística y el acceso al trabajo de las personas trans
Por Antonio Verny

Actividad presencial. Abierta para todo público
Inscripción: https://forms.gle/Dr26mrFRvHRZiR4P6

 

“Chusma, caravana arte-afectiva bonaerense” es un programa cultural, artístico, comunitario y territorial que va a desplegarse a lo largo y a lo ancho de la provincia de Buenos Aires durante un año y medio. Impulsado por el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires y la Secretaría de Patrimonio Cultural del Ministerio de Cultura de la Nación. Entre los museos participantes se encuentran el Palacio Nacional de las Artes-Palais de Glace, el Museo Nacional de la Historia del Traje y el Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti, poniendo sus colecciones en diálogo con acervos municipales, en articulación activa y atenta con centros culturales, colectivos artísticos travestis-trans y militantes, acompañando su reclamo por la violencia ejercida históricamente contra sus colectivos y por la plena realización de sus derechos.

Te invitamos a crear tu propio afiche/obra a partir del legado artístico de la artista trans Effy Be. El taller propone generar debates y reflexiones sobre problemáticas vigentes en relación al mundo laboral, la profesión de artista, construir y habitar una identidad disidente.

Actividad abierta para todo público, no son necesarios conocimientos previos.

Materiales necesarios a traer por cada asistente:

• Lápices, gomas, cutters, sacapuntas.
• Pintura acrílica profesional: blanco/rojo o magenta/amarillo de cadmio/azul o cian.
• Pinceles/pinceletas de distintas medidas con puntas: chatas, lengua de gato, angulares.

 

Antonio Verny. Tiene 26 años, nació en Daireaux pero vive en La Plata. Es artista visual, licenciado en Artes plásticas con orientación en escenografía, profesor de pintura y poeta. En el 2018 junto a un grupo de amigxs y militantes LGTBQITTTNB+ abrieron Laberinto Casa Club, un espacio cultural autogestivo pensado desde y para las disidencias sexuales. Su especialidad son las pinturas de retrato y escenas costumbristas cotidianas, trabaja con referencias de imágenes tomadas con su celular, por lo que aparece mucho de su entorno en sus obras. Actualmente se encuentra trabajando en cómo hackear la censura de los algoritmos Cis heteros de las redes sociales hacia ciertas corporalidades, como la suya: un puto trans.

Sábado 04.06.2022
18:00h
Auditorio

Actividad presencial
Abierta para todo público

 

“Chusma, caravana arte-afectiva bonaerense” es un programa cultural, artístico, comunitario y territorial que va a desplegarse a lo largo y a lo ancho de la provincia de Buenos Aires durante un año y medio. Impulsado por el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires y la Secretaría de Patrimonio Cultural del Ministerio de Cultura de la Nación. Entre los museos participantes se encuentran el Palacio Nacional de las Artes – Palais de Glace, el Museo Nacional de la Historia del Traje y el Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti, poniendo sus colecciones en diálogo con acervos municipales, en articulación activa y atenta con centros culturales, colectivos artísticos travestis-trans y militantes, acompañando su reclamo por la violencia ejercida históricamente contra sus colectivos y por la plena realización de sus derechos.

Te invitamos a la proyección del tercer capítulo dedicado a la artista trans Shirley la Bombón realizado por el colectivo “Así Somos“.

 

Así somos Tv es un programa realizado y producido en colaboración con Colectivo Furia Travesti, Colectiva Audiovisual Feminista y el Centro Cultural Casa Unclan. Nuestras conductoras, Dariana Núñez Mendoza, Valentina León, Karen Yakori Córdoba Núñez, Luisiana Caballero Sernaque, Paola Vargas Blanco y Yoyi Ximena Aisa Imaz, son la preciosa cara de nuestro programa y nos pasean por las secciones  de historia y cultura, chisme y debate desde  una perspectiva LGBT+ y con el toque inigualable y distintivo que le da el calor de la furia travesti. “Así somos” intenta poner en debate los temas de agenda de nuestra comunidad estirando la lengua dentro de nuestro estudio pero también desde la calle y los pabellones de los penales trans de Florencio Varela y Petinatto. El programa se puede sintonizar desde el canal de YouTube “Así Somos Tv” y suscribiéndote podes ir enterándote de todo.

Viernes 27.05.22
De 15:00h a 18:00h
Sala A

Inscripción en https://forms.gle/JCEopUNNmZ8BeCRw5

El Centro de Arte junto a la Secretaría de Extensión de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata invitan al taller Introducción al Sumi-e a cargo de Laura Torres.

El sumi-e o suibokuga es una técnica de pintura de origen chino que emplea tinta negra en barra. Se utilizan los mismos materiales y algunos principios estéticos de la caligrafía china. Los trazos no se corrigen y no se pasa el pincel dos veces sobre la misma línea. Se pintan temas de la naturaleza pero no se busca el hiperrealismo fotográfico, sino la síntesis y la sugerencia, sugerir con los mínimos trazos posibles un bambú, un cerezo, una orquídea o un crisantemo.

Sumi-e 墨絵 es la palabra japonesa para la pintura a tinta negra de origen chino.

Esta técnica de pintura se desarrolló junto con la caligrafía en China y comparten materiales: el pincel redondo, la tinta negra en barra y el papel llamado arroz.

 

Cronograma del taller: Bambú paso a paso

• Primera hora: Introducción a la técnica
Materiales: su uso y cuidado
Técnica básica: ejercicios de inducción

• Segunda hora: pintar bambú, cañas y nudos, hojas y cañas secundarias

• Tercera hora: El bambú completo

 

Nota: cada participante necesitará un tiempo diferente para completar cada etapa. Se darán explicaciones claras y una supervisión continua. El objetivo principal de este taller es tener un primer acercamiento a la técnica, conocer los materiales y su uso. Cada participante deberá traer un pincel (fude), el resto de los materiales serán provistos por la Secretaría de Extensión de la Facultad de Artes.

 

Laura Torres tiene una Maestría en Estudios de Asia y África, especialidad Japón, por el El Colegio de México, Ciudad de México, (2009-2011). Titulada de la Licenciatura en Artes Plásticas, especialidad Pintura de la Facultad de Artes, Universidad Nacional de La Plata, (2003) desarrolla tareas de Sumi-e desde 2004. Ha participado de numerosas exposiciones nacionales e internacionales y recibido reconocimientos por su labor como por ejemplo el Primer premio, 8vo Concurso de labor docente, Liceo Mexicano Japonés AC., Migración japonesa y choque cultural, 2012.