De agosto a octubre de 2026
Modalidad presencial
Actividad no arancelada

Formulario de inscripción: https://forms.gle/HHQdTc2jitYfYMBt8

 Cronograma
Inicio inscripción: 8 de julio
Cierre de la inscripción: 31 de julio
Confirmación a inscriptos: 5 de agosto

Duración: 5 encuentros presenciales
Horario: 15:00 a 18:00h
8 de agosto | 22 de agosto | 5 de septiembre | 19 de septiembre | 3 de octubre

 

El actor alquimista es un laboratorio intensivo de creación escénica destinado a actores y actrices en formación, con o sin experiencia previa.

La propuesta parte de una premisa central: la obra no antecede al encuentro, sino que surge de él. Del mismo modo, el personaje no preexiste al proceso, sino que se constituye en las relaciones, los estímulos y las circunstancias que el trabajo pone en movimiento.

La propuesta entiende al actor como una instancia de receptividad y disponibilidad. El comportamiento escénico es entendido como la manifestación visible de un conjunto de síntomas que organizan la presencia del actor en escena. No se trata de producir formas previamente establecidas ni de imponer modelos de representación, sino de sostener condiciones para que el sistema se despliegue y genere comportamientos singulares.

La noción de alquimia funciona aquí como una metáfora operativa. La creación escénica es concebida como un proceso de transformación de materiales diversos —cuerpos, estímulos, imágenes, objetos, espacio, vestuario, maquillaje y relaciones— cuya combinación produce resultados inesperados e irrepetibles.

El laboratorio propone habitar ese territorio de investigación donde el conocimiento surge de la experiencia y donde la creación se entiende como un proceso colectivo de descubrimiento.

 

DESTINATARIOS
Actores y actrices en formación, estudiantes de artes escénicas y personas interesadas en la investigación teatral.
No se requiere experiencia previa.

Cupo estimado: entre 15 y 20 participantes.
En caso de superar el cupo previsto en la inscripción, el equipo coordinador realizará una selección atendiendo a los siguientes criterios:

• Disponibilidad para participar de la totalidad del proceso.
• Compromiso con el trabajo grupal.
• Interés por la investigación escénica.
• Diversidad de experiencias y trayectorias.

 

METODOLOGÍA DE TRABAJO
El laboratorio se organiza a partir de los siguientes ejes:

Sistema – Estímulo – Síntoma – Comportamiento – Composición

La metodología propone un recorrido progresivo que parte de la disponibilidad del actor y culmina en la construcción de una composición escénica colectiva.

Los ejercicios estarán orientados a:

• Construcción de sistemas de interacción.
• Exploración de estímulos físicos, espaciales y relacionales.
• Observación y registro de síntomas emergentes.
• Desarrollo de comportamientos escénicos.
• Composición individual y grupal.
• Integración de materiales provenientes del vestuario y maquillaje.
• Construcción de una muestra final abierta al público.

El entrenamiento no busca transmitir formas cerradas de actuación, sino generar condiciones para que la actuación acontezca como fenómeno emergente.

 

CRONOGRAMA DE TRABAJO

• Encuentro 1: 8 de agosto

Preparar la materia
Presentación del laboratorio.
Construcción del sistema de trabajo.
Disponibilidad física y perceptiva.
Dinámicas de escucha, observación y relación.
Introducción a los conceptos operativos del laboratorio.

 

• Encuentro 2: 22 de agosto

Alterar la materia I
Incorporación de estímulos físicos y espaciales.
Exploración de circunstancias ficcionales.
Desarrollo de comportamientos emergentes.
Registro y observación de materiales producidos.

 

• Encuentro 3: 5 de septiembre

Alterar la materia II
Profundización del trabajo con estímulos.
Primeras aproximaciones al vestuario y maquillaje.
Transformaciones de la conducta escénica.
Construcción de relaciones y sistemas grupales.

 

• Encuentro 4: 19 de septiembre

Observar la transformación
Consolidación de comportamientos escénicos.
Selección y organización de materiales.
Desarrollo de composiciones individuales y grupales.
Construcción de secuencias escénicas.

 

• Encuentro 5: 3 de octubre

Componer y compartir
Ensamble final del material producido.
Ajustes dramatúrgicos y espaciales.
Integración definitiva de vestuario y maquillaje.
Muestra abierta al público.

 

EQUIPO DE COORDINACIÓN

Noelia Vergini
Dirección general y coordinación pedagógica
Actriz, directora y docente teatral nacida en La Plata en 1985. Se formó en actuación con Alejandro Catalán y Ricardo Bartís, y realizó su formación inicial en el taller de Febe Chaves, inspirado en el método de las acciones físicas de Raúl Serrano. Como actriz participó, entre otras producciones, de Fakeland S.A. (2025), Si no hay justicia, hay poesía (TACEC, Teatro Argentino de La Plata), Frida. Luces y sombras para la Comedia de la Provincia de Buenos Aires, La casa de Bernarda Alba y Bodas de sangre. Como directora desarrolló Brotes, unipersonales breves (2023), participando posteriormente de la Fiesta Regional de Teatro Independiente. Desde 2017 coordina un espacio permanente de entrenamiento y formación para actores y actrices orientado a la investigación de los procesos de actuación, la disponibilidad escénica y la creación colectiva. Integra además la productora audiovisual independiente Desea, Cooperativa de Ficción, desde donde participa en la producción de proyectos cinematográficos autogestivos.

Alejandro Santucci
Dramaturgia y acompañamiento de procesos
Actor, dramaturgo, docente y director teatral. Maestrando en Dramaturgia por la Universidad Nacional de las Artes (UNA) y actor diplomado por la Escuela de Teatro de La Plata. Se formó con Ignacio Bartolone, Mariano Tenconi Blanco y Diego de Miguel, y realizó seminarios con Rafael Spregelburd, Andrés Gallina, Rubén Szuchmacher y Maruja Bustamante. Como actor participó en numerosas producciones teatrales, festivales y giras nacionales e internacionales. Fue distinguido como Mejor Actor en la Fiesta Regional de Teatro de la Provincia de Buenos Aires 2018. Ha sido becado por el Instituto Nacional del Teatro, el Fondo Nacional de las Artes y la Universidad Nacional de La Plata. Obtuvo premios y reconocimientos en dramaturgia otorgados por Teatro Abierto La Plata, la Universidad Nacional de las Artes, el Centro Cultural Ricardo Rojas (UBA) y la Honorable Cámara de Diputados de la Nación. Sus obras han sido publicadas por la Sociedad Argentina de Escritores y diversas publicaciones especializadas. En 2025 estrenó Fakeland S.A. y 2013: Odisea intemporal rioplatense. Durante 2026 su dramaturgia será publicada por la revista Tramoya de la Universidad Veracruzana de México. Su trabajo artístico y pedagógico se desarrolla en los campos de la actuación, la dramaturgia, la dirección teatral y la investigación de procesos de creación escénica.

 

 

 

Miércoles 29.04.27
20:00h
Auditorio

 

En el marco del Día Internacional de la Danza, se presenta esta obra que surge de un proceso de investigación colectiva en danza donde un grupo de mujeres de trayectorias vitales y corporales diversas se reúne para explorar los modos en que el movimiento puede alojar recuerdos, insistencias, deseos y resonancias íntimas.

La propuesta invita a pensar la danza como un territorio donde la experiencia deviene materia escénica y donde la fragmentación se vuelve forma. En ese cruce, las intérpretes componen una escritura hecha de recorridos que convergen para abrir un tiempo común.

Un grupo de mujeres teje una escena construida entre todas, un espacio compartido que se despliega y permanece en la sensibilidad del encuentro.

 

Dirección: Ayelén Días Correia
Mujeres que bailan: Bibiana Alonso, Gabriela Barcena, Marta Bugiolachi, Patricia Dewey, Babá Folchi, Nora Martinez, Mirta Soibelzohn y Natalia Vellio
Edición musical: Ayelén Días Correia
Diseño de vestuario: Grupo NOSOTRAS DANZA
Iluminación y recursos audiovisuales: Diego Biancoto

 

Ayelén Días Correia es actriz , bailarina y docente. Es egresada de la Escuela de Teatro de La Plata y Profesora de Danza con especialización en Expresión Corporal por la Escuela de Danzas Clásicas de la misma ciudad. Se ha formado en actuación, danza y pedagogía. Además, realizó entrenamientos en contact improvisation, teatro físico y expresión corporal con referentes como Fernanda Tappattá, Pablo Rotemberg, Lucas Condró, Ricardo Bartis y más. Como actriz, ha participado en una amplia variedad de producciones teatrales, entre ellas: Información para extranjeros, El cerco de Leningrado, Bernardas en la noche, Un ángel en patitas, Féminas!, Zoom – Teatro de máscaras, M Medea, Isadora o la revolución de un cuerpo, Apnea, Lo que se escapa, Inhumanas soplan mujeres, Nido de Caranchas, entre muchas otras. En dirección, llevó adelante las obras No quiero ser la señorita Julia, El viaje a por la onda y Teatro de máscaras – Historias en miniatura, ¿A qué viniste? Actualmente se desempeña como docente en el Profesorado de Expresión Corporal en la Escuela De Danzas Clásicas de La Plata y en la Escuela de Teatro de La Plata, donde dicta materias como Técnica de Improvisación, Producción Coreográfica, Técnica del Movimiento y Práctica Docente. Además, brinda talleres y seminarios de manera independiente. Desde el año 2020 integra el Equipo Técnico Pedagógico de la Dirección de Educación Artística de la Provincia de Buenos Aires. Participa desde 2004 en el Grupo de Investigación Escénica Hierba Roja Teatro.

Sábado 13.06.26
20:00h
Auditorio

 

Una mujer se aleja de su vida habitual, impulsada por una necesidad que no sabe nombrar. En una caminata solitaria por la playa, la aparición de un lobo marino bebé interrumpe el ritmo del paisaje y abre un umbral inesperado. A partir de ese encuentro, afloran memorias y sensaciones: la infancia, la sexualidad, la maternidad, el duelo y la muerte. La obra propone un recorrido íntimo y sensorial, donde el presente se enreda con lo vivido para dar lugar a una transformación salvaje y silenciosa.

El texto Lobo, pieza perdida ganó el concurso de monólogos del V Festival Monoblock-Teatro Abasto Social Club y fue publicado por Libros Drama, Buenos Aires (diciembre de 2024).

La obra Lobo, pieza perdida fue seleccionada para la Programación de la sala LADO B en la Fundación Cazadores, Buenos Aires (septiembre, 2025).

 

Ficha técnico artística
Dramaturgia y actuación: Melina Peresson
Diseño y realización de sonido y visuales: Luciano Kulikov
Diseño y realización de iluminación: Luis M. Mendiburu Eliçabe
Asesoramiento dramatúrgico: Lisandro Rodríguez
Colaboración artística: Flora Rivière
Diseño de espacio y vestuario: La Loba Producciones
Dirección: Federico Aimetta y Melina Peresson

 

Melina Peresson. Comenzó a formarse como actriz a sus quince años en el teatro Municipal Coliseo Podestá de la ciudad de La Plata. Licenciada en Periodismo y Comunicación Social, docente, actualmente coordina el primer Taller de teatro de la Facultad, con estudios de Posgrado en Gestión cultural de la UNLP. En este momento está realizando funciones con su primer unipersonal de dramaturgia propia Lobo, pieza perdida. Sus principales formadorxs en actuación fueron: Alejandro Catalán, Ricardo Bartís, Ciro Zorzoli, Pompeyo Audivert , José “Pollo” Canervaro y Beatriz Catani. También realizó seminarios de formación con Sergio Boris, Jorge Eiro, Edgardo Castro, Federico León,Diego Starosta, Blas Arreseigor, José María Muscari, Mariela Asensio y Maricel Alvarez, entre otrxs. En teatro trabajó como actriz en Mecha corta ( Microteatro) con dirección de Lucía Aduriz (2024); como performer en el Laboratorio Transdisciplinario de Creación, experiencia instalativa “Cosoteca de pérdidas y reparaciones”, tutores Guillermo Cacace, Matías Giuliani y Lautaro Vieyra (2023); Brotes, ciclo de unipersonales, con dirección de Noe Vergini (2023), Body Art, dirigido por Nahuel Ortiz (2022); Siempre. Reedición, obra de danza y teatro sobre el golpe cívico militar, con coreografía de Diana Montequín y Mariana Estevez (2019); La liebre y la tortuga, dirigida por Ricardo Bartís y Producción Teatro Nacional Cervantes (2017); Solos teatrales A veces se va, con asesoramiento artístico de Alejandro Catalán (2017); El cirujano, con dirección de Manuel Vignau (2015-2016); Regina Célis, dirigido por Roxana Aramburu, Ciclo de Teatro Leído (2012); El tiempo en mí (2010); Escenas de la vida. Historias extraordinarias (2009); Manadas (2008), con dirección de Beatriz Catani; Vaginas desmesuradas, dirigido por Martín Marcou (2006); Susana Jiménez, adictos a un ícono, dirigido por José M. Muscari y Mariela Asensio (2006). En Opera Otello, La italiana en Argel, La ciudad ausente y Rigoletto regisseur dirigido por Pablo Maritano, Werther por Paul-Emil Fourny,  Doña Francisquita, por Jaime Martorell, Don Carlos de Francesco Esposito, Los cuentos de Hoffman, por Carlos Palacios, en el Teatro Argentino de La Plata. En cine La casa de los conejos, dirigida por Valeria Selinger (largometraje, 2015), Arpón, de Tom Espinoza (largometraje), Sudor frío, de Adrián García Bogliano (largometraje, 2009), Siempre, de Martín Basterretche (videodanza, 2007), Amor de época, dirigido por Hugo Manso (corto, 2004). En televisión Monzón. La serie (2019) con dirección de Jesús Braceras y La decisión equivocada (2013) de Cohn-Duprat.

Luciano Kulikov. Compositor y docente. Es licenciado y profesor en Composición por la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata). Trabaja a partir de la concepción de la música como práctica performática, inherente a lo no sonoro (acciones instrumentales de los músicos, luces, proyecciones, etc.): música como movimiento organizado en el tiempo y disyunción de la imagen audio-visual. Estudió con Mariano Etkin, Carlos Mastropietro, Leandra Yulita, Antoine Beuger, Jean-Luc Hervé, Gustavo Basso, Cecilia Villanueva y Marcelo Delgado, entre otrxs. Compositor activo en The third MCME young composers academy (Rusia), The Nordic Saxophone Festival (Helsinki), sesión de lectura de obras a cargo del Ensemble Modern (Buenos Aires), NUJAS (La Plata), Encuentro entre compositores y saxofonistas (La Plata), entre otros. Recibió un encargo de conDiT y, junto a otros compositores, la beca grupal del Fondo Nacional de las Artes. Su música fue tocada en Argentina, Chile, Dinamarca, Finlandia, Rusia y Suecia por los siguientes ensambles y músicos: Moscow Contemporary Music Ensemble, Nordic Saxophone Quartet, Sonorama, Ensamble de Guitarras de Chile, Camerata Argentina de Guitarras, Delphine Gauthier-Guiche, Martín Devoto, Sergej Tchirkov, Federico Jaureguiberry, Perttu Nurkka, entre otros. Actualmente es profesor titular en Metodología de la investigación musical (UNTREF), adjunto en Seminario de composición musical I y II (UNTREF), Profesor titular de Instrumentación y Orquestación II y Jefe de Trabajos Prácticos en Instrumentación y Orquestación III (FDA/UNLP). Además de hacer música escrita participa en el diseño sonoro, música, dramaturgia y diseño audiovisual de obras escénicas y teatrales junto a diversos grupos de La Plata.

Federico Aimetta. Actor y director actoral con una extensa trayectoria en teatro y diversas actuaciones en cine y televisión. Posee una sólida formación, habiendo estudiado con reconocidos maestros como Febe Chavez, Beatriz Catani, Alfredo Martín, Blas Arreseigor, Alejandro Catalan, Pablo Seijo y Sergio Boris, entre otros. Desde el 2010 dicta clases de Técnica de la actuación junto a José “Pollo” Canevaro hasta la actualidad. En teatro, co-dirige Vacío (improvisación con dirección en vivo) y El hotel del fin del mundo. Como actor ha participado en numerosas obras, incluyendo Abrir los ojos, destruir el mundo (dir. Braian Kobla, estreno 2024), Mi parte es todo (voz en off, dir. Braian Kobla), The show can’t go on (dir. Claudia Billorou), The big mountain (dir. Braian Kobla), No hay nada más hermoso que acariciar algo quieto (unipersonal, dir. Braian Kobla), Mala madera (dir. Diego Cremonesi), Entropías Shakespeare (dir. Claudia Billorou), Imaginados (dir. José “Pollo” Canevaro), y muchas otras, trabajando con diversos directores y compañías como grupo la célula y grupo enterogrup. También fue coach actoral en Lo que Ana vio (dir. José “Pollo” Canevaro) y asistente de dirección en Decibel (dir. José Pollo Canevaro). En cine Federico ha participado en largometrajes como Algo que pasó en año nuevo (dir. Jorge Pinarello, 2022), El último zombi (dir. Martín Basterreche, 2022), 1986 (dir. Mauro Lopez), Expansivas (dir. Ramiro García Bogliano), Historia de lo oculto (voces en off, dir. Cristian Ponce), Gigante en la llanura (dir. pablo siciliano), En busca del muñeco perdido largometraje (dir: Hernán Biasotti. Tangram producciones), Penumbra, largometraje de género (dir. Ramiro y Adrián García Bogliano), Compañía, (dir. Pablo Siciliano), Parque cerrado (dir. Alejandro Beain), Masacre esta noche (dir. Ramiro y Adrián García Bogliano), Traslasierra, cortometraje (dir: Adrián Piscicone), El torcán, largometraje (dir.: Gabriel Arriegui), Yo fui la momia, mediometraje (dir. Elian Gallese). En televisión Argentina, tierra de amor y venganza, telenovela (Canal 13), Atrapa a un ladrón, serie (Telefe), La decisión equivocada (capítulo “Una cuestión conceptual”, dir. Mariano Cohn y Gastón Duprat). En televisión abierta, La obra de mi vida, serie (dir. Cristian Ponce), La decisión equivocada, serie (capítulo “Una cuestión conceptual”, dir. Mariano Cohn y Gastón Duprat.

Luis Manuel Mendiburu Eliçabe. Escenógrafo e iluminador. Estudió en la escuela de teatro de la provincia de Buenos Aires. Trabaja desde el año 2003 en la sección de Escenografía el Centro de las Artes Teatro Argentino de la Ciudad de La Plata ocupando el cargo de encargado. Como iluminador desarrolló su trabajo de la mano de varios directores de renombre de la ciudad, llevando a cabo obras como, La sodería Espósito (dir. Jose “Pollo” Canevaro), Noche cerrada (dir. Laura Valencia), Ifigenia en Áulide (dir. Edgar de Santo), entre otras. Desde el año 2000 hasta el 2012 dictó clases de iluminación en la cátedra de Escenografía de la Facultad de Bellas Artes. Vive y trabaja en la ciudad de La Plata. Hasta la fecha sigue trabajando como iluminador.