6º Bienal Universitaria de Arte y Cultura
Tramas del tiempo

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Del 5 al 12 de noviembre de 2022

Convocatoria abierta para la presentación de proyectos: del 13 de junio al 1 de agosto
Resultados: 15 de agosto

Formulario de inscripción: https://forms.gle/u1nmkrYFFReDtTdR8
Consultas: 6buayc@gmail.com

La sexta edición de la Bienal es una invitación a repensar la idea de tiempo entendida desde su concepción más tradicional: la de una línea exclusiva. Crear líneas para romper la línea es crear una trama, colectiva y subjetiva, donde confluye el tiempo que habitamos, el tiempo que percibimos. El tiempo entendido como trama es movimiento, es conjunto, es volumen, es colectivo.

Se trata entonces de zambullirse en la simultaneidad del tiempo poético, en cómo se hace presente, en sus formas y estrategias para desplazarlo de su curso habitual. “El tiempo está fuera de quicio”, exclamaba Hamlet hace más de quinientos años y resuena en esta Bienal que debió ser la séptima, pero el mundo entró en el tiempo de la espera, el detenido, el de la incertidumbre. Por eso es el tema que la enmarca, que nos obsesiona, nos seduce, y nos atrapa, porque está fuera de sí, como siempre está cuando se entrama con el arte.

 

PREGUNTAS FRECUENTES

INSCRIPCIÓN

¿Cómo se realiza la inscripción?

La inscripción se realiza hasta el 1 de agosto de 2022 por medio del siguiente formulario: https://forms.gle/u1nmkrYFFReDtTdR8

 

PARTICIPANTES

¿Quienes pueden participar?

Pueden participar personas mayores de 18 años. Al tratarse de una Bienal Universitaria se dará prioridad a aquellos proyectos realizados en el marco de universidades nacionales.

¿Se pueden presentar personas que no vivan en La Plata?

Pueden presentarse personas que no residan en La Plata, aunque es necesario considerar que la Sexta Bienal Universitaria de Arte y Cultura tendrá un carácter presencial y se desarrollará en la ciudad entre el 5 y el 12 de noviembre de 2022.

 

CARACTERÍSTICAS DE LOS PROYECTOS

¿Qué tipos de proyectos y/o actividades pueden proponerse?

Las actividades o proyectos a presentar pueden enmarcarse dentro de las áreas de artes visuales, audiovisuales o escénicas, diseño, literatura o música. Dentro de cada área pueden desarrollarse exposiciones, performances, intervenciones, conciertos, espectáculos, talleres, conversatorios, charlas, etcétera.

¿Se pueden presentar proyectos individuales?

Podrán participar únicamente proyectos colectivos.

¿En qué espacios se pueden realizar los proyectos?

Los proyectos deberán indicar el espacio —sugerido o necesario— en el que se llevarán a cabo, a partir de las características de la propuesta presentada. Por cuestiones de programación, la organización podrá reasignar espacios en función de esas características.

¿Tienen que ser proyectos inéditos?

Los proyectos que participen no necesariamente deben ser inéditos. Podrán presentarse proyectos que ya fueron exhibidos.

¿Cuántos proyectos puede presentar un mismo colectivo, grupo o compañía?

Cada colectivo, grupo, compañía o cátedra podrá presentar solamente un proyecto.

Duración y desarrollo de los proyectos

Las actividades a desarrollarse en el marco de la Bienal podrán tener una duración de hasta 1 semana. El tiempo estará sujeto al tipo de propuesta y a sus características.

  

FINANCIAMIENTO

¿Cómo es el financiamiento?

Se otorgará un monto de hasta $20000 (veinte mil pesos) por proyecto.

¿Qué debe contener el presupuesto presentado?

El presupuesto presentado debe detallar, además del monto, los rubros a los que se destinará.

¿Se financian alquileres de equipos?

El formulario de inscripción permite indicar el equipamiento requerido para la realización del proyecto. Sin embargo, si fuese necesario el alquiler de equipos se debe detallar el tipo de equipamiento y el monto destinado a tal fin en el formulario de inscripción.

¿Se contemplan honorarios en el presupuesto?

En caso de que el proyecto contemple el pago de honorarios es necesario indicar su tipo y el monto destinado a ese fin en el formulario de inscripción.

¿Debe rendirse el monto asignado?

No es necesario rendir el monto asignado a la financiación del proyecto. A tal fin, el único requisito es la concreción del proyecto.

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Soliloquio (Me desperté y golpeé mi cabeza contra la pared)
Tiziano Cruz

Viernes 20.05.22
17:30h
Punto de encuentro: Calle 8 esquina 50
Función: Auditorio

 

“Mi nombre es Tiziano Cruz, soy de un pueblo llamado San Francisco que pertenece al departamento de Valle Grande de la provincia de Jujuy. Nací y crecí en la frontera entre Chile y Bolivia. Por las tierras que corrí toda mi infancia han pasado nueve comunidades indígenas: los Atacama, los Kollas, los Guaraníes, los Tobas, los Ocloyas, los Omaguacas, los Tilianes y Toaras. Desde este lugar pensé esta pieza la cual he denominado como Soliloquio (Me desperté y golpeé mi cabeza contra la pared)”

La obra se presenta en el marco de la segunda edición del Ciclo Común, Ciclo de Arte y Derechos Humanos organizado por Mula Cultura y Max Nordau La Plata y consta de dos partes: una conferencia performativa (unipersonal) y un site specific. Ambas conjugan el teatro y la performance escénica, situando la investigación autobiográfica y la regionalidad (en tanto rasgos, gestos identitarios de un lugar específico) como el germen de la creación de materialidad escénica.

La conferencia performativa surge de 58 cartas escritas por Tiziano a su madre, quien vive en el Norte del país entre abril y octubre del 2020 en el contexto de la pandemia.

Una dramaturgia que narra las historias de esos pueblos olvidados en el norte de Argentina.

El trabajo de site specific y en comunidad se propone un encuentro y para trabajar con las comunidades andinas de cada territorio. En nuestra ciudad el performer trabajará con la compañía de Danza Caporales y harán una intervención en el espacio público antes de la presentación en la sala.

Al finalizar la función se realizará una charla entre Tiziano Cruz  y Zulema Enríquez, Directora de Dirección  de Diversidad  y prácticas identitarias en el Instituto Cultural de la pcia de Buenos Aires, Licenciada en Comunicación Social de la UNLP,  Periodista indígena, perteneciente al Pueblo Quechua. Docente en la UNLP y en el posgrado en la Universidad Nacional de Avellaneda. Actualmente está a cargo de la Dirección de Pueblos Originarios de la Fac. Periodismo y Comunicación Social de la UNLP.

 

Ficha Técnica:

Director y performer: Tiziano Cruz
Productora: Luciana Iovane
Realizador de video: Matías Gutierrez
Realizador sonoro: Luciano Giambastiani
Colaborador y asistente: Rodrigo Herrera
Artistas invitados de la ciudad: Caporales

 

Tiziano Cruz es un artista internacional e interdisciplinar, su obra reúne principalmente el lenguaje visual y teatral, la performance, intervención artística del espacio público, la gestión y mediación cultural en instituciones públicas y privadas.
Ha finalizado sus estudios en Administración de Empresas, Artes Visuales, Escénicas y Gestión Cultural en la Universidad Nacional de Tucumán y Universidad  Nacional de Córdoba y actualmente se encuentra cursando la Maestría en Cultura Pública de la Universidad Nacional de las Artes.
Ha sido becario del Fondo Nacional de las Artes e Instituto Nacional del Teatro. Ha recibido distinciones como Artista Emergente por la Dirección Nacional de Formación Cultural (Argentina) e Instituto Nacional de Artes Escénicas (Uruguay), Asociación General de Autores de Uruguay e Instituto de Cultura de Baja California (México). Fue ganador de la Bienal de Arte Jóven 2019 con su obra escénica Adiós Matepac (ensayo sobre el recuerdo o la despedida).
Se destaca su participación como artista visual/performer/director/docente/gestor y mediador cultural tanto en Argentina como en México, Brasil, Uruguay y Chile. Es fundador de la plataforma ULMUS gestión cultural, plataforma dedicada a la mediación cultural entre diferentes organismos de la cultura argentina y países limítrofes.
Actualmente se desempeña como Subcoordinador del Área de Atención al Público en el Centro Cultural Recoleta, dependiente de la Subsecretaria de Políticas Culturales y Nuevas Audiencias, Ministerio de Cultura, Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.

El Ciclo Común es un espacio para, con y desde les jóvenes, que busca poner en escena el potencial transformador de las prácticas y creaciones artísticas vinculadas a las luchas colectivas por los DDHH y producir encuentros intergeneracionales. A través de diversos dispositivos, lenguajes y formatos artísticos, se invita a problematizar temáticas como la soberanía alimentaria, las formas del racismo, la memoria del terrorismo de Estado y la invisibilización de géneros y disidencias.

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El diálogo. Estrategias para su escritura
Taller de dramaturgia dictado por Diego de Miguel

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Sábados 11, 18, 25 de junio y 2 de julio
De 15:00 a 17:00h
Sala A

Inscripción: https://forms.gle/iiUQjbyYz4fGWP6G6

 

Este taller de dramaturgia, dictado por Diego de Miguel tiene por objetivo que les participantes puedan mejorar la escritura de diálogos teatrales a partir de una comprensión teórica de las particularidades del diálogo teatral y de un conjunto de procedimientos que se trabajarán durante el taller.

Dirigido a personas con o sin experiencia, el taller consta de cuatro clases en la que se abordarán herramientas para la escritura de diálogos. Aunque se explicitarán marcos teóricos tendientes a conceptualizar la particularidad del diálogo teatral, el taller se concibe como una instancia fundamentalmente práctica, en la que les talleristas desarrollarán habilidades de escritura.
Se solicitará a les cursantes que lleguen al taller con un diálogo escrito a partir de una consigna dada por el docente. Durante el taller se corregirá ese diálogo en tres instancias (entre cada clase), con la intención de mejorarlo a partir de ocho herramientas específicas.

 

Contenidos:

La dramaturgia como instancia provisoria: hipótesis de escenario. La materialidad escénica y sus condiciones: sistemas significantes, cuerpo, tiempo, espacio, lo sonoro. Especificidades del diálogo teatral y sus diferencias con el diálogo literario: escribir con el lenguaje de la escena. El actor y la actriz: el diálogo como plataforma de actuación.

La doble interlocución en el diálogo teatral: los personajes/el público. Ausencia/presencia del espectador: público como interlocutor asumido o invisibilizado. El tráfico de información. El diálogo como acción.
Funciones del diálogo: a. Desarrolla la acción > Progresión; b. Construye mundo y personajes > Digresión.

El diálogo: no literaturizar, no ser pretencioso/a o solemne, no escribir ideas o conceptos.

 

Herramientas para la escritura de diálogos para teatro:

1) Lateralizar el conflicto.
No abordar el conflicto ‘de frente’. Postergar, eludir, sugerir… Plantarlo

2) La voz singular.
Cada obra tiene una voz y, en los mejores casos, cada personaje tiene una voz.

3) La interlocución hace al tono.
La voz se define por su interlocutor y contexto de enunciación.

4) Ruptura del diálogo lineal/Falso diálogo.
Entrelazamiento de temas, fugas, variantes rítmicas, falso diálogo, etc.

5) Musicalidad.
La palabra, antes que sentido, es sonoridad pura: música.

6) Repeticiones.
La repetición como procedimiento cómico, leitmotiv, falla en la comunicación, etc.

7) El silencio (o la pausa).
Lo que no se dice, lo que el personaje calla. Cuando ya no hay nada para decir.

8) Corporalidad/estados en el habla.
El diálogo no es abstracto, sino manifestación de un cuerpo concreto y escénico.

 

Diego de Miguel es actor, dramaturgo y director teatral. Estudió Actuación en la Escuela de Teatro de La Plata (ETLP) y Dramaturgia en la Escuela Metrpolitana de Arte Dramático (EMAD). Es docente de la ETLP, donde dicta las materias Historia del teatro I, Análisis del espectáculo, Teorías y tendencias teatrales contemporáneas y Dramaturgia. Estudió actuación con Ricardo Bartís, dramaturgia con Mauricio Kartún, y dirección con Rubén Szuchmacher, entre otros. Sus espectáculos Mirapampa, La revoluta y Con el cuchillo entre los dientes han ganado la Fiesta Provincial de Teatro, integrado el catálogo del Intituto Nacional del Teatro (INT) y han representado a la provincia en tres Fiestas Nacionales de Teatro: 2013, 2017 y 2019. Ha dictado talleres y seminarios para instituciones como el INT y el CPTI (Consejo Provincial de Teatro Independiente), además de tener un canal educativo en YouTube. Su última obra, Vacaman (2021) ha obtenido el Segundo premio en el Concurso Potencia y Política, organizado por la Cámara de Diputados de la Nación. Forma parte del grupo del Viejo Almacén El Obrero, con más de veinte años de trayectoria.

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Lidia

Sábado 21.05.22
21:00h
Sala A

 

“Lidiamos en el 2020 con todos los estados. Miedo. Incertidumbre. Exaltación. Derrotismo. Cansancio. Esperanza. Una y otra vez, en círculos. Y así nuestra obra empezó a esbozarse: atesorar este tiempo inaudito antes de que la memoria nos traicione. Un monólogo, como la soledad imponía. Ficción y confesión. Para esto recogimos también la voz de nuestras congéneres más cercanas, sus impresiones en el aislamiento”.

Lidia es una náufraga citadina, contemporánea. Su encierro remite a otros encierros. Aislada, pendula entre lo autorreferencial y lo político. Cuando el mundo se filtra por su teléfono ella, a la deriva, interpela: “¿A qué obviedades estaremos ciegos?”.

 

Ficha Técnica:

Intérprete: María Cecilia Collef
Co-directora, coreógrafa y operadora técnica: Constanza Mosetti.
Dramaturga y directora: Susana Tale
Diseño de escenografía y luces: Margarita Dillon
Fotografía y diseño gráfico: Eloy Rodríguez Tale
Audiovisual: Federico Bongiorno

 

Susana Tale nació y vive en La Plata. Es actriz, dramaturga y dirige sus obras teatrales. Estudió y entrenó actuación con Pompeyo Audivert, Rubén Szuchmacher, Cristina Banegas, Andrea Garrote, Julieta Vallina, entre otros. Estudió dramaturgia con Alejandro Tantanian y Daniel Veronese (1998 a 2000).
Actuó, entre otras, en las obras: Justo en el vacío de R. Podolsky con dirección de A. Cervera;  Novela de M. Umpierrez; Cuerpos A banderados de y por Beatriz Catani (Festivales Theater der Welt, Bonn, Alemania; Internacional de Buenos Aires; “Du bist die welt”, Viena, Austria); Antes/después dirigida por Rubén Szuchmacher. Actuó, escribió y dirigió Mosaico Griego en el Centro Cultural de la Cooperación, CABA.
Su obra  La Conjura Sveikas  fue seleccionada por el Centro Cultural San Martín, CABA, para el ciclo coproducciones 2002. Tiempo atrás ellas también habían tropezado fue distinguida por el Fondo Nacional de las Artes en el Concurso de Obras inéditas 2004 y ganadora del Concurso Regional de Obras de Teatro de La Plata en 2011. Ambos espectáculos fueron presentados en CABA y en La Plata.
Participó como dramaturga en el ciclo “El Teatro y la Historia” de la Comedia de la Provincia de Buenos Aires, versión 2011/2012. En 2014 estrenó su obra  Una mujercita vestida de negro. Melodrama anarquista, con funciones durante 2014/2015 y en ciclos  “La noche de los Teatros”, “Escuelas al Teatro del CPTI”, “Haciendo Público” en la UNLP y “Teatro x la identidad La Plata”.
En 2016 y 2017 escribió los monólogos Z y El dibujante; ambas para Teatro x la Identidad La Plata, colectivo que integra desde su fundación. En 2018 estrenó un nuevo trabajo dramatúrgico y de dirección: Apnea–no se puede respirar, con funciones en La Plata y en el Teatro Payró de CABA. Con su obra Gran Bur -que escribió junto a Patricia Castro- participó del ciclo “Perfecta Anarquía” y en el Festival feminista “Medea” (2019) en CABA.
La EDULP (editorial de la Universidad Nacional de La Plata) publicó en 2018 el libro Insumisas, que reúne cuatro de sus textos teatrales estrenados. En el Centro de Arte de esa misma Universidad dictó un taller de escritura teatral en modalidad virtual en el año 2020.
Es abogada penalista, profesión que también ejerce.

María Cecilia Coleff es actriz y profesora de teatro, egresada de la Escuela de Teatro de La Plata y del Profesorado Universitario de Artes en Teatro (UNA).Cursó la carrera de Psicodrama grupal con dirección de Tato Pavlovsky. También se formó, entre otros, con Alfredo Martín, Febe Chávez, Alejandro Catalán y Beatriz Catani. Se desempeña como profesora de teatro en distintas instituciones públicas de la Provincia de Buenos Aires, entre ellas Escuela de Teatro de La Plata, Escuela de Estética Nro. 2 y Escuela de Danzas de La Plata. Como actriz participó –entre otras- de las obras Venecia, de J. Accame con dirección de Cora Ceppi y Nora Oneto, Una mujercita vestida de negro, Tiempo atrás ellas también habían tropezado y Apnea –no se puede respirar-  con dirección de Susana Tale; El conventillo de la Paloma dirigida por Norberto Barruti; Félix María de 2 a 4 de y por Beatriz Catani.
Fue distinguida como “Mejor actriz de la Comedia de la Provincia de Buenos Aires, 1998/99” por su trabajo en la obra S.O.S Libertad interior (dirigida por Cynthia Pierce) y “Mejor actriz, Comedia Municipal de La Plata 2002/3” por su trabajo en La Adaneva (de y por Emiliano Nuñez).

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Como un jardín eterno

Sábado 23.04.22
20:00h
Sala A

Una actriz-poeta busca palabras e imágenes propias para escribir su obra. Estar en medio de un atentado contra el tiempo, perdurar, abrazar la crisis creativa, no huir. Su bestia le traba la sintaxis, tendrá que borrar y comenzar de nuevo. No hay guión, actúa en el núcleo de sí misma mientras compone generando un collage con la poética onírica, erótica y surrealista de Marosa Di Giorgio, Clarice Lispector y la propia.
Inmersa en un jardín verde eterno, se pregunta ¿y las raíces? ¿Son importantes? Ella no tiene casa, ella es su casa.

Ficha técnica
Actuación y dramaturgia: Glenda Pocai
Dirección: Rocío Passarelli
Vestuario: Consuelo Fuertes
Iluminación: Anabella Muñoz Candia y Guadalupe Corroinca
Música: Alejandro Bértora

 

Glenda Pocai (La Plata, 1991). Es actriz, locutora y poeta. Sus comienzos en la escritura fueron en las prácticas radiales mientras estudiaba Locución en el Instituto Superior de Enseñanza Radiofónica (ISER). Estudió actuación en el Sportivo Teatral con Ricardo Bartís, en Teatro Estudio con Gastón Marioni y en Teatro El Cuervo con Pompeyo Audivert, con el cual trabajó en obras como Museo Ezeiza 73 en el Centro Cultural San Martín de Buenos Aires y en el Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti y la obra Tabicados en Teatro “El Cuervo” y en el Centro de Arte de la UNLP. Formó parte del elenco estable del Teatro de la UNLP con la obra Babilonia de Armando Discépolo. Desde el 2010 que actúa en obras y unipersonales de teatro como: Casa Matriz de Diana Raznovich, La Irredenta, de Beatriz Mosquera, Rondas una obra dirigida por Blas Arrese Igor, Los Puntuales en la Escuela de Arte y Oficios del Teatro Argentino, La TAE, Servicio a Domicilio un infantil de Azul Pocai presentado en el Pasaje Dardo Rocha, La Gruta mi Disney de Julieta Ranno en AURA Festival de Artes Escénicas de La Plata, Alma y Nervio una obra de creación colectiva realizada en la fábrica C.I.T.A. Los unipersonales: El nombre de Griselda Gambaro, Mi prisión de carne y hueso con textos de Moris Birabent, Glenda Girondezca adaptación de poemas de Oliverio Girondo, Cortejo del Deseo adaptación de textos de Alejandro Urdapilleta, y su último unipersonal, donde debutó como dramaturga, Como un jardín eterno con la dirección de Roció Passarelli. Actriz y guionista en el cortometraje El Campito de Mary Franco, seleccionado en el FESAALP (Festival de Cine Latinoamericano de La Plata) y en La Semana de Cine Latinoamericano en Cultural San Martín de Buenos Aires.
Conductora y columnista en programas radiales como: La Siberia, Café con Glenda por Radio Provincia, UPSS! Un Programa Sobre Sexo por Radio Estación Sur, Condición Extraños por Radio Pura Vida, La Bicicleta de Saturno por Radio Lumpen, La Radio de La Repu por la Identidad y Democracia, y Fuego en la casa por Radio Estación Sur. En el 2015 realizó una gira por España y Francia, donde participó en festivales como La Noche Boca Arriba en Madrid, La Cave Poesie en Toulouse. Coordinó durante dos años un ciclo de lectura en La Plata. Coordinó en la Biblioteca Municipal “Francisco López Merino” el primer Festival Internacional de Poesía de la ciudad de La Plata, realizando un video homenaje al poeta platense. Realizó talleres de literatura con: Roberta Iannamico, Anahí Mallol y Celeste Diéguez. Publicó sus libros y fanzines de poesía: Todo Piola (2016), Extrema (2017), Cafeína, editado en Brasil y traducido al portugués (2018), La Poesía es un Asco (2019), Desorden (2020) y su último poemario De Agua Plateada que presentará en Migra la Feria de Arte Impreso de CABA (2022).
Participó como artista invitada en “La Noche de las Librerías” de calle Corrientes en el escenario Alejandra Pizarnick, en el Festival de Hiperpoesia en el Centro Cultural San Martín, Buenos Aires, y en El Museo de Arte y Memoria de La Plata. Realiza intervenciones performáticas recitando poemas, acompañada de visuales y músicos en vivo en diversos escenarios alternativos de La Plata y Capital Federal.

Rocío Passarelli (Buenos Aires, 1986). Es actriz, docente y directora de teatro. Es investigadora en artes escénicas y bailarina de tango, docente en Gimnasia Postural Sensoperceptiva, Profesora de Teatro recibida en la Escuela de Teatro de La Plata, docente de teatro para niñxs y adolescentes en El Baldío Teatro y en La Filial. También ha dictado seminarios de actuación en España. Ha formado parte, como actriz, docente y directora, de Galpón Momo Teatro (2013-2022). Ha participado de seminarios nacionales e internacionales: Kai Bredholt, Elena Floris y Sofía Monsalve (Odin Teatret, Dinamarca), Deborah Kalmar, Norman Briski, Mirta Bogdasarian, Pablo Rottemberg, Raúl Iaiza (Regula Contra Regulam, Milán). Con su último unipersonal Varonera, realizó funciones en diferentes ciudades del país y también en España.

 

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Crear un germen. Laboratorio de creación escénica
Dictado por Rosario Alfaro

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Sábado 9, 16, 23 y 30 de abril de 14:00 a 16:00 h. Plataforma Zoom
Sábado 7, 14, 21 y 28 de mayo de 14:00 a 18:00 h. Sala A, Centro de Arte UNLP

Inscripción: https://forms.gle/qpCsEL44qbugMVhD8
Del 25 de marzo al 4 de abril

Entrenar/creer/afinar/crear. La actuación en diálogo con el dispositivo escénico. Crear un germen es un laboratorio de creación con modalidad híbrida (abril: virtual, mayo: presencial) dirigido a personas con experiencia en las artes escénicas que deseen investigar y generar sus propios materiales. Es imprescindible tener disponibilidad para cursar durante los dos meses.
Cada participante generará su propio material textual con el que se trabajará para profundizar el conocimiento de sus propias capacidades expresivas y crear un montaje escénico.

 

Modalidad de trabajo
La primera exploración dramatúrgica desde la actuación/acción se realizará en forma virtual llevando al máximo la exploración apoyándose en la hipótesis que nuestros cuerpos actuantes son potencias poéticas creadores de textualidades, gestualidades y poéticas particulares.
Durante la etapa presencial se incorporará la actuación poniendo en acción y proyectando las fuerzas en el espacio escénico. Componiendo así no solo un material poético, sino que también un espacio de exploración donde cada une se conoce y aprende más de sí mismo como intérprete unificando diferentes técnicas, cruzando el aprendizaje con el montaje.
Apoyando el trabajo en un cuerpo escénico permeable, se fomentará la introspección y la conexión con la propia poética. Generando derivas/hipótesis/materiales de laboratorio para que cada participante pueda reconocerse y aprender sobre su propia máquina física expresiva en la propia creación. Laboratorio, creación y experimento trabajando al unísono en un mismo germen.
El último encuentro será abierto al público para compartir los materiales generados.

 

Rosario Alfaro. Actriz, docente, directora y productora. Es licenciada en Arte Dramático, continúa su formación con Ricardo Bartís, Maricel Álvarez, Lorena Vega, Ciro Zorzoli, Emilio García Wehbi y Pompeyo Audivert. Durante el 2021 se desarrolló como directora teatral, creadora y dramaturga del espectáculo El hábito de mi voz. Como actriz participó, entre otros, de los siguientes espectáculos: 65 sueños sobre Kafka, dirección de Emilio García Wehbi y Maricel Alvarez, Hystórika (oda satírica), dirigido por Ramiro Guggiari, Niebla (drama nativo), dirección y dramaturgia de Nelson Mallach, El grado cero del insomnio con dirección de Emilio García Wehbi, La máquina idiota dirigida por Ricardo Bartís, Bestia, dispositivo para ser ella, dirigida por Jimena Kroucco, unipersonal en el cual se desarrolló como actriz, autora y productora. Coordina seminarios de actuación en la ciudad de La Plata (Espacio El sótano, Teatro Argentino de La Plata, Centro de Arte de la UNLP), y en Ciudad de Buenos Aires (Centro Cultural Recoleta y El camarín de las musas).

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Ametralladora
Laura Sbdar

Viernes 11.03.22
20:30h
Sala A

Capacidad de la sala limitada

El Centro de Arte de la UNLP presenta Ametralladora, de Laura Sbdar, como inicio de las actividades del área de este año.

Sinopsis

Una criatura viaja en micro con su hermana. Tienen un accidente. Un coro de fantasmas las interna en un hospital. Son dos nenas a las que les meten suero como leche materna y medicamentos como caricias. Termómetros para medir el tiempo de la sala de espera y radiografías para traslucir el desamparo. Adentro del hospital, junto a las otras niñas organizan la pequeña unión que programa el motín de la ternura.

Ametralladora es un monólogo construido desde una voz extraña. Habla la infancia, pero no lo hace desde una oralidad infantil, sino que la dramaturgia propone una edificación artificial y deconstruida del discurso de la niñez. La obra trabaja sobre diferentes territorios temáticos: la violencia, la ternura, la crueldad, la salud y la fantasía. El texto de Ametralladora forma parte de la novela Las criaturas, de Laura Sbdar.

Intérprete: Nicolás Goldschmidt
Asistente de dirección: Elisa Carli
Escenografía y vestuario: Pía Drugueri
Iluminación: Matías Sendón
Sonido: Franco Calluso
Coreografía: Florencia Piterman
Diseño gráfico: Agustín Obregón
Fotografía: Azul Rossetti
Dramaturgia y dirección: Laura Sbdar

Laura Sbdar es escritora y directora teatral. Licenciada en Artes (Universidad de Buenos Aires), dramaturga (Escuela Metropolitana de Arte Dramático) y docente (Universidad Nacional de las Artes). Estudió filosofía (Universidad de Buenos Aires) y dicta talleres de escritura. Es autora y directora de las obras teatrales Ametralladora, Vigilante, Un tiro cada uno, El movimiento y Susana y Gloria. Vigilante hizo funciones en la ciudad de Buenos Aires, La Plata, El Palomar, Santa Fe, Tucumán y Rosario. Fue publicada por ediciones del Centro Cultural de la Cooperación, formó parte del Festival Novísima Dramaturgia Argentina, el Festival Late y la Bienal de Arte Joven 2019. Es autora de Turba, obra por la cual obtuvo el primer premio Germán Rozenmacher de Nueva Dramaturgia y la nominación de dramaturgia al premio Luisa Vehill. La obra fue publicada en edición cuatrilingüe, participó del evento Tintas Frescas en el Teatro Nacional Cervantes y se estrenó con dirección de Alejandra Flechner y protagonizada por Iride Mockert. Forma parte de Cabeza –grupo de escritura feminista- con quien obtiene la beca de creación del Fondo Nacional de las Artes y escribe, dirige y actúa Un tiro cada uno. La obra se presentó en la ciudad de Buenos Aires, en La Plata y en El Palomar. Formó parte del Festival Late y fue seleccionada para el FIBA (Festival Internacional de Buenos Aires) 2020. Fue seleccionada por Casa London para producir, junto a Nicolás Goldschmidt, Las sirenas, cortometraje de animación. Las criaturas, su primera novela, fue publicada por la editorial Elefante. Actualmente prepara la publicación de sus obras teatrales con la editorial Rara Avis.

Nicolás Goldschmidt es actor de cine, teatro y televisión. Formado como actor con Ricardo Bartís, Cristina Banegas, Graciela Camino, entre otros. Entrenó danza con Pablo Rotemberg, Leticia Mazur, Juan Onofri y Josefina Gorostiza. En teatro participó en Lázaro, el cuarto oscuro, nominado a los premios ACE como actor revelación y en La máquina idiota de Ricardo Bartís, la cual participó del Asian Theatre Festival en Corea. Participó del laboratorio de creación dirigido por Ricardo Bartís y producido por el Teatro Nacional Cervantes a partir del cual se creó la obra La liebre y la tortuga. Desde 2017 al 2020 realiza funciones de Coreomania de Josefina Gorostiza. Fue ganador en 2015 de la Bienal de Arte Joven como director estrenando su primera obra de teatro A todo animal útil. Creador e intérprete de Los Carlinga, banda musical y teatral que lleva nueve años de circulación en el circuito cultural. Trabajó en los films Mujer lobo, Tiro de gracia, Noche de perros estrenadas en el BAFICI (Festival Internacional de Cine de Buenos Aires) y el Festival Internacional de Mar del Plata, Eva no duerme, que se presentó en festivales teniendo un gran recibimiento de la crítica, y Las furias, película que ideó y protagonizó junto a Guadalupe Docampo. Sus últimos trabajos en televisión incluyen El puntero, Presentes, Cartoneros y Supermax (dirigida por Daniel Burman). Interpretó a un joven Diego Maradona en Maradona. Sueño bendito, la serie de Amazon Prime Video.

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Il filo d’oro
Fragmento

11.12.21
20:00h
Canal de YouTube del Centro de Arte de la UNLP

 Il filo d’oro es un proyecto teatral escrito y dirigido por Nelson Mallach, ganador del programa PAR en 2019 que estuvo a punto de estrenarse en junio de 2020. La pandemia frustró ese estreno y por eso este año se pensó una posible adaptación al lenguaje audiovisual.

El resultado es esta propuesta que consiste en una adaptación de una adaptación, porque entre otras líneas narrativas, la obra original proponía un abordaje de la novela breve Sarrasine de Honoré de Balzac para contemplar el lugar que ocupó la Iglesia en algunas problemáticas que hoy ella cuestiona abiertamente.

La Iglesia y la medicina hermanadas en algún momento experimentaron con cuerpos alegando fines artísticos. Generaron una otredad aceptada y estimulada. Los niños castrados en el ámbito de la música como consecuencia de restricciones bíblicas son una prueba de esto.

Este material, filmado en el Centro de Arte, en el Pasaje del Bicentenario y la terraza del Edificio Karakachoff de la ciudad de La Plata es, entonces, una amputación de una amputación. Una vuelta al pasado para despejar un poco el humo del presente. Un híbrido entre el teatro y lo audiovisual. Una especie de artefacto monstruoso que no puede ubicarse claramente en ningún lugar. Como aquellos castrados que poblaron los ámbitos eclesiásticos y hoy están desaparecidos en la lista de los reclamos sobre los que debería responder la Iglesia.

Il filo d’oro (fragmento)
Con Trinidad Falco, Joaquín Merones y Valentín Prioretti
Dirección de Arte: María Oswald
Asistencia de Arte y visuales: Victoria Mutinelli
Realización de vestuario: Magalí Salvatore y Escenodiseño
Diseño sonoro: Guido Dalponte y Santiago Epele
Maquillaje: Escenodiseño y LiSaddd
Guion adaptado y dirección general: Nelson Mallach

Agradecimientos: Camila Torrilla. CIPAE. Juan Mallach. Cooperativa La Maqueta. Workshop de vestuario en TAE 2019: Claudia Billorou, Leandro Torres, y la participación de les alumnes: Francina Giusso, Jacqueline Leoncini, Macarena Gonzalez Nájera, Victoria Mutinelli, Martina Cohen Imach, Morena Arias, Rocío Quiroga, Sofía Julieta Daneri.

Nelson Mallach (La Plata). Dramaturgo, director teatral y narrador. Estudió Letras en la Universidad Nacional de La Plata (UNLP). Estrenó obras en su ciudad y en CABA. Desarrolló un proyecto de intervención teatral a edificios y espacios emblemáticos de La Plata como la Casa Curutchet (Patrimonio de la Humanidad), el Museo Almafuerte (Monumento Histórico Nacional) y el Conservatorio de Música Gilardo Gilardi (Monumento Histórico Provincial). En 2018 se sumó la intervención del Observatorio Astronómico en la sala de arte de la Fundación Osde de La Plata, y en 2019 la del Lago del Bosque de La Plata. Acaba de estrenar una última intervención en el Cementerio de La Plata sobre la figura del poeta Matías Behety. Fue distinguido como dramaturgo por el Premio Municipal de CABA, el “Armando Discépolo” del Instituto Cultural de la provincia de Buenos Aires, el premio “Roberto Arlt” de la Universidad Nacional de las Artes (UNA) y en cuatro ocasiones resultó seleccionado en “Teatro por la Identidad” (Abuelas de Plaza de Mayo). En 2017 obtuvo el primer premio en la Convocatoria para producción integral de obra del Tacec (Centro de creación y experimentación del Teatro Argentino) por su obra NIEBLA, que se estrenó en noviembre de 2018 en dicha sala. En narrativa ha publicado en diversas antologías y fue premiado por la UNLP, la Municipalidad de Córdoba y el Instituto Cultural de la provincia de Buenos Aires, entre otros. Su novela Inhumación fue distinguida en el “Concurso Letra Sur” organizado por la editorial El Ateneo y publicada por EDULP en 2016. Todo amor que dura es odio (MonteServente, 2020) es su segunda novela.
nelsonmallach.com.ar

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Toparquía
La Ópera Encandilada

Habitar el espacio

Miércoles 01.12.21
20:30h
Pasaje del Bicentenario

El Centro de Arte de la UNLP diseñó una serie de actividades para acompañar la exposición Punto de Fuga, BienalSur 2021, con el foco en la experiencia del espacio que entrañan las migraciones. La idea misma de migración supone un desplazamiento en el espacio que involucra el cuerpo, las sensaciones y la afectividad; un sentido de cohesión y pertenencia, al mismo tiempo que de diáspora y proyección. ¿Podemos hablar de una espacialidad migrante? ¿De qué modo la pandemia se suma, a la reconfiguración del espacio subjetivo, como otro fenómeno que altera la percepción de las distancias y modifica nuestras concepciones de límite y frontera? Las actividades están organizadas en dos grandes ejes: “Desplazamientos, territorios y fronteras” y “Habitar el espacio”.

Toparquía es un espectáculo de teatro de sombras realizado sobre las paredes del Pasaje del Bicentanario. En el encuentro con las luces y las sombras componen en escena una geometría del espacio.

“Una tarde, bajo la sombra de un árbol, vimos pasar la vieja cabalgata sobre las crestas del alma.
Buscábamos una casa, una escuela, sobre todo un árbol y un río.
Siempre pasa la cabalgata, pasa si no la ven, y si la esperan pasa.
Por el aire dejaba voces ¡Entre Ayudarse! ¡Inventar!
Existir está más allá de nuestra imaginación”

 

Textos que acompañan el espectáculo:
“Carta de la toparquía”, de Simón Rodríguez a Anselmo Pineda, 1847
“Carta de Javier Villafañe a Jorge Enrique Martí”, 1975
“Carta a Paco Urondo” de Juan Gelman
“La cabalgata” de Gabriela Mistral
“Bajo la sombra de un árbol” de Peteco Carabajal
“El mobiliario y la educación. Carta a las maestras”, de Sara Perrin, 1928

Idea y Realización: La ópera encandilada (Agustina Bianchi, Olivia Grioni, Leo Chaio, Valeria Andrinolo y María Laura Lavarello)
Diseño sonoro: Emmanuel Bonnier

 

La Ópera Encandilada se formó en 1997, con el impulso de los titiriteros Roberto Docampo, Sarah Bianchi y la sombrista Michele Augustin. El trabajo del grupo se basa en la producción, investigación y formación en teatro de sombras desde una mirada interdisciplinaria en la que confluyen artistas plásticos, titiriteros, bailarines, actores, músicos y artistas audiovisuales.
Desde sus comienzos estrenaron más de diez espectáculos, participaron de festivales en nuestro país y en el exterior y brindaron talleres de formación para todos los niveles. Han sido organizadores de festivales de títeres y de sombras, y en 2007 realizaron el 1° Encuentro Internacional de Teatro de Sombras en la  Universidad Nacional de San Martín, el Teatro Argentino de La Plata y la Universidad Nacional del Centro de la Provincia de Buenos Aires.

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El espacio espacia
Taller coordinado por Gonzalo Monzón

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Martes 09,16,23 y 30 de noviembre
De 15 a 17h

Inscripción: https://forms.gle/LyxNnp9fYCFJ24z26
Plataforma Zoom
Actividad gratuita. Cupos limitados

Este taller está pensado para pensar espacios. Encadenar lugares con sensaciones, presentimientos con autores, imágenes con acciones. Sondear el potencial expresivo del espacio enfocado en sus transformaciones, las relaciones entre público y obra, y los cruces entre distintas áreas del conocimiento. También se buscarán caminos desconocidos que ofrezcan miradas inéditas.
Está destinado a cualquier persona que se relacione con el arte visual, escénico y performático, tenga curiosidad y ganas de dialogar. La propuesta apunta a despertar el deseo de hacer.

Contenidos:

• Espacio y arte visual: concepto de espacio y espacio expositivo. Experiencia estética.
• Expansión de la pintura y escultura: Espacios limitados/abiertos. Espacio y tecnología.
• Espacio y escena: Cruce de espacios. Real/ficcional. Temporalidad y subjetivación.
• Espacio escénico/escenografía. Dispositivos escénicos. Relaciones obra/público
• Espacios Performáticos: Acontecimiento. Liminalidad. Presencia. Relaciones entre materialidad y cuerpo. Espacios performáticos. Espacio potencial.

Las clases tendrán dos instancias. Una primera será de manera asincrónica, mediante el envío del material a trabajar. Y una segunda con encuentros sincrónicos semanales destinados a dialogar sobre lo visionado.

 

Gonzalo Monzón. Profesor y licenciado en Artes Plásticas con orientación en Escenografía por la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata (FDA-UNLP). Actualmente dicta clases de Escenografía en la FDA-UNLP y se encuentra cursando la Maestría en Teatro y artes performáticas en la Universidad Nacional de las Artes (UNA). Estudió Escenografía con Norberto Laino, dirección y puesta en escena con Emilio García Wehbi y producción visual con Gabriela Caregnato, entre otros.
A partir del trabajo con el espacio y el cuerpo investiga el carácter vincular del acontecimiento escénico. En febrero de 2021 fue seleccionado por el Festival Danzafuera con la performance Antroposceno en la categoría experiencias intensivas en espacio público.

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Entre Jamlet de Villa Elvira y Romeo & Julieta del Palihue
Grupo de Teatro Oriyero

13.11.21
20h
Canal de YouTube del Centro de Arte de la UNLP

Entre Jamlet de Villa Elvira y Romeo & Julieta del Palihue es un proyecto audiovisual producido por el Grupo de Teatro Oriyero junto con el Centro de Arte de la UNLP. Situado en la intersección entre dos obras y con un lenguaje documental, registra el proceso de abordar un nuevo proyecto: Romeo & Julieta del Palihue, retomando y recuperando la experiencia de la obra Jamlet de Villa Elvira, estrenada en 2019. El audiovisual se filmó en el Centro de Arte y en la plaza del barrio Villa Elvira.

Es una experiencia que nace de ese territorio difuso que se da en los límites de algo que se apaga y en la potencia del inicio de otra cosa. Un devenir colmado de sentidos que sobreviven y de otros que mueren para dar lugar a una nueva generación de imágenes, sonidos, textos y materialidades que tomarán volumen en la escena que se avecina, con la fuerza del arte en los bordes y en las periferias.

El Grupo de Teatro Oriyero es un  colectivo artístico formado a partir de Jamlet de Villa Elvira, una versión del clásico isabelino que cuenta con la fuerza y la pasión del arte en los márgenes, en las periferias. Jamlet fue llevado adelante a partir de un estudio de campo que su director, Blas Arrese Igor, desarrolló en Villa Elvira en el marco de su tesis doctoral en dramaturgia de la recepción. Se trató de indagar en las representaciones, práctica y discursos que les pibes de un barrio periférico de la ciudad de La Plata producen a partir del clásico shakesperiano La Tragedia del Príncipe Hamlet. Así nació una obra que toma los temas fundamentales del clásico isabelino y lo resignifica a partir de la poética comunitaria.

El nuevo proyecto, Romeo & Julieta del Palihue, se basa en la necesidad de seguir indagando en textos clásicos que parecen ser privativos solo de la cultura de élite, sacarlos de esa canonización y ponerlos a jugar en el campo popular, rescatando la fuerza shakesperiana y su capacidad de abordar temas de interés universal: el amor, la muerte, lo agobiante de los mandatos familiares y la aparente imposibilidad de la consolidación de un amor marcado por la diferencia.

Idea, guión y dirección: Blas Arrese Igor y Marianela Constantino

Actuaciones: Veronica Alurralde, Norma Camiña, Parla Cartaman, Nacha Citati, Esteban Manzano, Máximo Martínez, Giuliana Ojeda, Marcelo Perona y Pedro Rodriguez
Escrenografía: Margarita Dillon
Diseño sonoro: Juan Pablo Pettorutti
Diseño de iluminación: Juan Zurueta
Producción ejecutiva: Maria Ibarlin y Santiago Arrese Igor.

Blas Arrese Igor. Dramaturgo, director y actor. Docente e investigador de la Licenciatura en Dirección Teatral en la Univeridad Nacional de las Artes (UNA). Escribió y dirigió obras en el Teatro San Martín, Teatro Cervantes, Teatro Colón, Teatro Regio, Teatro Argentino de La Plata y en salas independientes de todo el país. Fue convocado para actuar en espectáculos de Lola Arias, Daniel Veronese y Emilio García Wehbi.
Como artista invitado formó parte del Manifiesto de Niños, última producción del emblemático grupo argentino “Periférico de Objetos”. Realizó trabajos artísticos en Japón, Alemania, República Checa, Canadá, Liechtenstein, Hungría, Noruega, Chile, Austria, Uruguay, Inglaterra, México, España, Francia, Holanda y Brasil. Alguno de ellos: Teatro Noh (Tokyo, Japón, 2015), Mladi Levi International Festival (Liubliana, Eslovenia, 2014), Transitions 2. Latin America: Contemporary Art Festival of the Independent Latin American Scene (Atenas, Grecia, 2014), Archa Theatre (Praga, República Checa, 2014), Trafó Teatro (Budapest, Hungría, 2014), Festival Internacional de Santiago a Mil (Santiago, Chile, 2011), Festival Internacional de Artes Escénicas de Bahía (Salvador de Bahía, Brasil, 2010), Radicals Teatre Lliure (Barcelona, España, 2010), Extra (Annecy, Francia, 2010), Festival Transversales (México DF, México, 2010), ArtCena Festival (Río De Janeiro, Brasil, 2010), International Summer Festival (Hamburgo, Alemania, 2009), Noorderzon Performing Arts Festival (Groningen, Holanda, 2009), Theater Spektakel (Zürich, Suiza, 2009), Spielart (Munich, Alemania, 2009), Festival de théâtre des Amériques (Montreal, Canadá, 2003), Festival Theaterformen (Brunswick, Alemania, 2002), Porto Alegre Em Cena. Festival Internacional de Artes (Porto Alegre, Brasil, 2002), Wiener Festwochen (Viena, Austria, 2001).
La Editorial de la Universidad Nacional de La Plata (EDULP) publicó dos libros de su autoría: El éxito o lo que queda del fracaso con prólogo de Alejandro Tantanian e ilustraciones del diseñador Pablo Ramírez; y Hablarle al oído a King Kong con prólogo del escritor Félix Bruzzone. Es licenciado en comunicación y está escribiendo su tesis doctoral en dramaturgia de la recepción. De allí nace Jamlet de Villa Elvira, obra experimental que cruza el campo artístico, social y comunicacional. En la ciudad de La Plata coordina su Taller de Entrenamiento Actoral y Creaciones Escénicas, como así también seminarios de dramaturgia en entornos virtuales.

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Apenas estamos aquí
Activaciones performáticas sobre las obras El peso de Narayama y Land Escape

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Habitar el espacio

Viernes 22 de octubre a las 17h. Vidriera Bicentenario
Sábado 30 de octubre a las 17h. Sala C
Sábado 13 de noviembre a las 17 hs. Vidirera Bicentenario

El Centro de Arte de la UNLP diseñó una serie de actividades para acompañar la exposición Punto de Fuga, BienalSur 2021, con el foco en la experiencia del espacio que entrañan las migraciones. La idea misma de migración supone un desplazamiento en el espacio que involucra el cuerpo, las sensaciones y la afectividad; un sentido de cohesión y pertenencia, al mismo tiempo que de diáspora y proyección. ¿Podemos hablar de una espacialidad migrante? ¿De qué modo la pandemia se suma, a la reconfiguración del espacio subjetivo, como otro fenómeno que altera la percepción de las distancias y modifica nuestras concepciones de límite y frontera? Las actividades están organizadas en dos grandes ejes: “Desplazamientos, territorios y fronteras” y “Habitar el espacio”.

Apenas estamos aquí consiste en una serie de intervenciones performáticas sobre las obras que forman parte de Punto de Fuga: El peso de Narayama de Adriana Carambia, exhibida en la Vidriera del Bicentenario, y Land Escape de Edison Peñafiel, en la sala C. Las performances fueron creadas y realizadas por el grupo Aula 20 de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata (FDA-UNLP).

Les performers realizarán activaciones que se repetirán con breves intervalos bajo la consigna: “Somos todxs y ningunx, anónimxs. Llevamos la casa y las penas en la espalda. Apenas permanecemos, apenas somos visibles, somos apenas”.

Aula 20, creado en el año 2010 desde la cátedra Trabajo Corporal I (Departamento de Música de la FDA), es un grupo de investigación y experimentación en nuevas tendencias en el campo de la danza que genera proyectos y producciones articulando con otras materias, espacios y carreras de la Facultad de Artes de la UNLP. Ha realizado proyectos en cruce con las carreras de Artes Audiovisuales, Composición Musical, Multimedia, Artes Visuales, así como con el Ensamble de Música Popular de la FDA y grupos independientes de danza y teatro de la escena platense.

Entre sus obras se cuentan: Encendidos por los fósforos (2010), El pulgar oponible (2011), Pequeña (2012), Céfiro 15.15 (2013), Tres (2014), Infinita es la historia de la arena (2015), Montón (2016), Hasta morir (2017), Las mismas cosas (2018), Tierra firme (2018), Hasta el cuello (2019).

El grupo se ha presentado en diversos ámbitos universitarios como: las Bienales de Arte y Cultura organizadas por la Secretaría de Arte y Cultura de la UNLP en los años 2010, 2012, 2014, 2016, 2018; el ciclo En 2tiempos de la Secretaría de Arte y Cultura de la UNLP; el Auditorio Sabato de la Facultad de Ciencias Económicas de la Universidad de Buenos Aires (UBA) en el marco del ciclo Función compartida + Diálogo; la Universidad del Centro (Tandil), el Encuentro de Grupos Universitarios de Danza organizado por la UBA y el Encuentro de Grupos Universitarios de Danza organizado por la Facultad de Artes de la UNLP. Al mismo tiempo, Aula 20 comparte los espacios autogestivos por donde discurre la danza de la ciudad de La Plata y ha participado de ciclos como Noventa y seis horas danza y Danzafuera, así como en el Festival Ciudanza de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires (CABA).

Ha obtenido el subsidio del Programa de Apoyo a la Realización Artística y Cultural (PAR) otorgado por la Secretaría de Arte y Cultura de la UNLP para la producción de las obras Tierra firme y Hasta el cuello. Integran Aula20 en la producción de obra y dirección general: Julia Aprea, Mariana Estévez, Diana Montequin y Mariana Sáez; en la producción musical: Julián Chambó y Ramiro Mansilla Pons. En la actualidad la interpretación está a cargo de diferentes bailarinxs y performers de acuerdo a la obra.

Idea y dirección: Aula 20
Performers: Julia Aprea, Alejandro Lonac, Gaga, Gabriela Fernández Cid, Nora Martínez, Mariana Sáez
Música: Ramiro Mansilla Pons
Fotografía: Leonel Arance

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