Sala B y Vidriera
Inauguración: 21 de febrero 19h
Del 21 de febrero al 4 de abril
Curador: Rodrigo Alonso

“El mundo es un abismo y el artista crea mientras cae”.
Grupo Escombros. La estética de lo roto, 1989.

El Grupo Escombros nace a finales de la década de 1980 en medio de una crisis económica y política aguda; son los años de la hiperinflación, los levantamientos carapintadas, la renuncia anticipada del primer presidente electo tras la fatídica última dictadura militar. Sus primeros trabajos transmiten la atmósfera desesperanzada de este momento: se trata de fotografías que muestran a personas desmoronadas en ámbitos abandonados y hostiles. Estas imágenes son exhibidas a la manera de una manifestación callejera, mientras cobra vida el primer manifiesto de la agrupación, La estética de lo roto (1989).

Aunque la situación políticosocial no mejora, durante la década siguiente el grupo adopta otra actitud. Si los gobiernos y los sectores económicos no hacen algo por los más desprotegidos, los artistas no pueden permanecer al margen. En su nuevo manifiesto, La estética de la solidaridad (1995), el Grupo Escombros plantea una concepción del artista como servidor público. Cualquier tarea tendiente a operar positivamente sobre la realidad, por mínima que sea, se torna una guía para transformar el mundo, un acto de servicio social y de empoderamiento. En estos años surgen también los primeros objetos de conciencia, producciones destinadas a llamar la atención y promover la reflexión sobre conflictos cotidianos.

Antes que el teórico francés Nicolas Bourriaud acuñara el término “estética relacional” para referirse a las prácticas artísticas que involucran procesos comunitarios, el Grupo Escombros lleva adelante innumerables proyectos de participación masiva, en los cuales, a través de su involucramiento, la gente es invitada a actuar afirmativamente sobre su entorno inmediato. En los albores del nuevo milenio ve la luz otro manifiesto, La estética de lo humano (2000).

En forma simultánea, los artistas se suman a numerosas manifestaciones públicas relacionadas con acontecimientos históricos y conflictos contemporáneos. En algunas de ellas hacen hincapié sobre temas puntuales, como la desocupación o la corrupción. En otras, plantean reflexiones sobre la distribución del poder global y la situación geopolítica de los países periféricos como el nuestro, sobre las presiones neoliberales y sus consecuencias, sobre la exclusión social, los derechos humanos y la resiliencia. De estas reflexiones surgen los manifiestos La estética de la resistencia (2003), La estética del anti-poder (2005), La estética de la desobediencia (2007).

La exposición que se presenta aquí recorre brevemente algunas de las producciones claves del Grupo Escombros, siguiendo los lineamientos de este texto. Revisa sus inicios (Núcleo 1), sus acciones solidarias y objetos de conciencia (Núcleo 2), sus propuestas comunitarias (Núcleo 3), sus obras de señalamiento político directo (Núcleo 4). Todas ellas dan cuenta de la incansable labor de sus integrantes y de su férreo compromiso con su época y sus coetáneos. Al mismo tiempo, la exhibición busca exaltar la singularidad de su proyecto artístico y poner de manifiesto la importancia de su contribución a la historia del arte argentino.

Rodrigo Alonso. Licenciado en artes especializado en arte contemporáneo y nuevos medios. Investigador y teórico en el campo del arte tecnológico, es un referente de la historia y el presente de esta producción en América Latina. Ha publicado numerosos ensayos y libros sobre el tema; en 2015 se publicó una recopilación de sus principales textos en el libro Elogio de la Low-Tech. Historia y estética de las artes tecnológicas en América Latina (Luna Editores). Como curador independiente ha organizado exhibiciones en diferentes partes del mundo; entre sus exhibiciones recientes se encuentran: Fotografía Argentina 1850-2010. Contradicción y continuidad (The Getty Museum, Fundación Proa, Buenos Aires, 2018), Pensar en abstracto (Museo de Arte Contemporáneo, Buenos Aires, 2017), Pop, realismos y política. Brasil/Argentina. 1960s (Fundación Proa, Buenos Aires; Museo Oscar Neimeyer, Curitiba; Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea, Bérgamo; Museo de Arte Moderno, Río de Janeiro, con Paulo Herkenhoff), Transitio_MX. Biomediations (Centro Nacional de la Imagen/Laboratorio de Arte Alameda, México, 2013, con Sarah Cook), Arqueologías a destiempo (Galería Gabriela Mistral, Chile, 2013), Relatos de resistencia y cambio (Frankfurter Kunstverein, Fráncfort, 2010). En 2011, fue curador del Pabellón Argentino de la LIV Bienal de Venecia. Es profesor universitario de grado y postgrado, y asesor de fundaciones artísticas internacionales.

Inauguración: 30 de noviembre
Del 30 de noviembre al 20 de diciembre de 2019

Facultad de Psicología de la UNLP a las 17h
Sala C del Centro de Arte de la UNLP a las 19h

Madre tierra es un proyecto expositivo del artista Carlos Ginzburg, organizado y curado por el Centro de Arte de la Universidad Nacional de La Plata, dependiente de la Secretaría de Arte y Cultura.

Se compone de dos intervenciones ecológicas post–contemporáneas, como las denomina el propio artista. Una de ellas, la de puertas adentro, tendrá lugar en la Sala C del Centro de Arte desde el 30 de noviembre al 21 de diciembre de 2019.

Viajes temporales [Time machine] consiste en la realización de un circuito de 52 fotografías tomadas y recolectadas por Ginzburg sobre sucesos socio–ecológicos de distintas partes del mundo que tuvieron y tienen un impacto negativo en el ecosistema y en la calidad de vida de los ciudadanos. Acompañado de flechas en cuyo inferior se coloca en manuscrito la palabra Futur, el sistema, alternado por imágenes y palabras, se vuelve circular y cerrado: el principio es el final y el final es el principio. Ginzburg define a este proceso visual y conceptual como el loop del futuro o boucle du futur, retomando la compleja relación entre humanos y naturaleza proveniente de las reflexiones de Bruno Latour.

Madre tierra, la segunda intervención proviene de 10 ideas de arte pobre, una publicación del artista realizada en 1971 cuyo editor fue Edgardo Antonio Vigo bajo el sello La Flaca Grabada. 10 ideas de arte pobre se conformó de una serie de láminas que combinaban mapas y textos, en las que Ginzburg señalaba intervenciones de territorios para los que proyectaba diversas alteraciones. La evaporación del lago Nahuel Huapi y la excavación de un útero de 3 kilómetros en el centro de la Provincia de Buenos Aires, son algunas de sus propuestas de arte ecológico.

Este último es el proyecto que lleva el nombre Madre tierra y es el único de los diez que Ginzburg realizará en sitio específico, 48 años después de la publicación y en su ciudad natal luego de haber sido expuesto en numerosas exposiciones en todo el mundo .
En esta nueva versión, la excavación tendrá solo 25 metros de largo y estará cubierta de flores que serán recolectadas de los basureros del Cementerio de La Plata. Alrededor de la perforación se colocarán un conjunto de pequeñas chapas que repetirán el loop recursivo con la flecha y la palabra Futuro.

“El conjunto da cuenta de un programa poético crítico y de un método de trabajo sobre el paisaje que el artista inició en 1969 y que continúa en la actualidad. Junto con la categoría de «arte pobre» que daba nombre a la carpeta y al conjunto de proyectos, las nociones de «arte ecológico» y «señalamiento» articulan la base conceptual de las intervenciones en espacios naturales y urbanos que Ginzburg llevó a cabo en estos años” (Davis, 2014).  Y que vuelve a realizar en el contexto universitario casi una década después.

Sobre el proyecto

Desde diciembre de 2018 y en ocasión de la exposición individual del artista en la galería Henrique Faria de la ciudad de Buenos Aires y de la publicación de Madre Tierra en el número 5 de la revista Nimio de la cátedra Teoría de la Historia de la Facultad de Bellas Artes de la UNLP, Ginzburg junto con el equipo del Centro de Arte comenzaron a planificar la presente exposición.
En ese contexto, durante el primer semestre de 2019 se relevaron un conjunto de espacios de la Universidad que tuvieran las características apropiadas para el emplazamiento de la obra. En este marco, el parque frente a la Facultad de Psicología de la UNLP reúne las condiciones físicas y simbólicas para llevarla adelante. La llegada de la Universidad al predio no solo motorizó un lugar poco transitado por los habitantes de la ciudad sino que puso en valor y recuperó la memoria de la vida universitaria señalando las huellas de lo que aconteció allí en la última dictadura cívico militar.

La exposición cuenta con el apoyo de la Facultad de Psicología de la UNLP, el Departamento de Plástica de la Facultad de Bellas Artes (FBA) y del Proyecto de Investigación Archivos, Arte y Cultura Visual entre 1980 y 2001. Acervos personales de artistas visuales y de diseñadores de la ciudad de La Plata. Proyecto Promocional de Investigación y Desarrollo (PPID). Período: 2018-2019. B007. Instituto de Investigación en Producción y Enseñanza del Arte Argentino y Latinoamericano (IPEAL). FBA-UNLP. Directora: Lic. Natalia Giglietti. Co-directora: Prof. Elena Sedán.

Carlos Ginzburg (La Plata, 1946). Estudió Filosofía en la Universidad Nacional de La Plata. Integró el Movimiento Diagonal Cero y el Grupo de los Trece. En 1969 inició sus proyectos de “arte ecológico” y “señalamiento”. Entre 1972 y 1982, año en que se estableció en París, viajó por el mundo como “artista viajero”. En 1980, exhibió estos viajes en el International Cultureel Centrum de Amberes, Bélgica. Vive y trabaja en París.

Referencias
Davis, F. (2014). Las poéticas de la deriva en Carlos Ginzburg. En Carlos Ginzburg: The Forgotten Vintage [Catálogo]. Nueva York: Henrique Faria Fine Art.

Vidriera
Del 14 de septiembre al 24 de noviembre

“Tendría yo unos seis años y estaba sentado en el cordón de la vereda de mi casa (…) después de la lluvia, con los pies en el agua barrosa que corría por la cuenca. De pronto, un pedacito de papel blanco, rasgado o recortado, que contrastaba con el agua oscura, atrapó mi atención, y me deslumbró la belleza del contraste y de la forma (…) perdí conciencia de mi cuerpo y floté, más allá del espacio y del tiempo, en un éxtasis de contemplación y de gozo (…) después de casi una vida, debo reconocer que lo que busco inconcientemente cuando dibujo (…) es la repetición de aquella experiencia -cuenta Padeletti-.

Cabutti en una de nuestras reuniones hace referencia a la experiencia del poeta con el dibujo, citada en un texto anterior. Reflexiva, me cuenta acerca de su propio encuentro con esta técnica, al trazar las líneas sobre las piezas para animarlas. La artista pareciera haberse hallado con una instancia de meditación sobre el gesto implicado en el dibujo, la conciencia sobre la línea. Esta asociación me conduce a la emblemática disputa que puso en relación de manera ferviente a la pintura (el dibujo), la poesía, la escultura y la música, El Parangón, la batahola entre las artes. La propuesta de la exposición se encuentra en sintonía con esa analogía: escultura, pintura, dibujo, citas literarias…pero en esta oportunidad no implicadas en una discusión teórica, sino comulgadas en la búsqueda de una experiencia estética estremecedora.

En cuanto a la exploración de la artista en este proyecto, retomo algunas palabras del relato de Padeletti: la lluvia – con los pies en el agua barrosa – un pedacito de papel – floté – éxtasis de contemplación. La percepción de fenómenos naturales tanto para uno como para el otro, en diferentes momentos de sus vidas, decanta en el sondeo de nuevos sentidos relacionados con la belleza y su contemplación a partir de la construcción heterogénea de sus piezas.

La visión sobre la naturaleza y sus fenómenos ha proyectado la necesidad de apropiación e inversión de los movimientos de exceso y desborde, se configura así, un paisaje acromático y gélido, diferenciado de su núcleo generador. Cabutti, en contraposición con el arremolinado y excitado manierismo, (corriente fundadora de la representación del paisaje con amplio margen de acción para la imaginación) diseña con guiños a la poética japonesa un territorio sin huellas ni marcas de la tormenta. Configura un espacio asociado a la belleza, abstracción ideal, pero que queda en este caso, inevitablemente atada a la sensación de desolación.

Se ha reflexionado una y miles de veces sobre la relación entre la naturaleza y el arte; acerca del género del paisaje. Recuerdo Las consecuencias del buen gobierno…del siglo XIV, La virgen de la las Rocas de Leonardo bajo ese clima de envolvente silencio; la ruptura de los impresionistas, la rebelión contra el género de las vanguardias históricas, el land art… La percepción de la naturaleza cambia conforme a los movimientos en la historia de las mentalidades: descubrimientos de territorios, avances de la ciencia, la generación y ruptura de mitos y nuevas realidades. Aunque naturaleza no es lo mismo que paisaje. Cabutti precisamente, recala en él para hablar de la percepción del estado de las cosas en este hábitat que inoportunamente estremece y arrebata la calma.

Un perro observando, un barco que se hunde. Todo está suspendido. Recuerdo entonces El estado de las cosas de Wenders: un equipo se encuentra filmando Los sobrevivientes y queda varado en Portugal, el director busca una salida al problema y así se desarrolla la película… mientras tanto Marcela Cabutti exclama en silencio en un ambiente donde todo flota y en un espacio donde por fortuna se retoma el juego: mira cuántos barcos aún navegan…”

Lara Marmor, septiembre de 2008

Marcela Cabutti (La Plata, 1967). Licenciada en Artes Plásticas por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad  Nacional de La Plata (UNLP) y máster en Diseño y Biónica por el Instituto Europeo de Diseño de Milán. Expone individualmente y colectivamente desde 1992 en galerías, ferias  y museos como la Galería del Infinito (CABA), Fundación Klemm, Fundación OSDE, Muntref (Museo de la Universidad Tres de Febrero), Museo Castagnino de Rosario, Fondo Nacional de las Artes y la Spanierman Gallery. Se destacan sus intervenciones en espacios públicos como Ikebanas para Nordelta comisionada por Consultatio, Colibrí para la Secretaría de Cultura de la Municipalidad de San Isidro, Homenaje al Cardo para la Secretaría de Cultura de la Municipalidad de Rafaela, Santa Fe, Flor del Secreto, donada al Museo de Arte del Tigre, Jardines Flotantes Post Monet (Nenúfares) para la Municipalidad Tigre, Pasionaria en Puerto Madero (proyecto ganador del Premio Arnet a Cielo Abierto 2009) y Ricordati, le barche navigano ancora! en Lungo Lago de Pisogne, Italia. Ha realizado residencias en La Cristalería San Carlos, Fundación Médici, Holanda y en el Columbus College Art & Design, Ohio en 2000. Fue distinguida para perfeccionarse con la Beca de la Fundación Antorchas 1995-1997/1997-1998 y la Beca del Delfina Studio Trust  1997-1998. Actualmente es docente de la Universidad Nacional de La Plata y es coordinadora general de la Residencia para Artistas, Programa Arte e Industria para el  Museo del Ladrillo y Fundación Espacio Ctibor de La Plata.

Auditorio

En el marco de la exposición Tinta fresca: procesos, roles y derivas de diez tesis de producción plástica en el Centro de Arte, se realizará una charla a cargo de tesistas, directores y de la Coordinación de Egreso y Área de tesis de Plástica de la Facultad de Bellas Arte de la Universidad Nacional de La Plata.

Sala B
Inauguración de la muestra Tinta fresca el 8 de agosto a las 18h
Del 8 al 14 de agosto.

Esta exposición reúne un grupo de tesis de grado de la orientación Grabado y Arte Impreso de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plara que, si bien son propuestas que se presentan como proyectos individuales, se ponen en acto de manera conjunta.

La tinta fresca es la condición potencial, la materia prima de una actividad – el grabado y arte impreso- que como disciplina del arte ostenta una cercanía histórica con los medios de comunicación impresos y por lo tanto con la ambigüedad de habitar el espacio del arte con dispositivos propios del universo de la comunicación.

Esta condición que distingue a la disciplina que nos ocupa ofrece, como bien da cuenta esta exposición, la posibilidad de interrogar a partir de las estrategias propias del arte, el universo de lo cotidiano desde sus modos de ser.

Es así que Natalia Granado Martínez y Sol Tavernini se sumergen en las contingencias del libro de artista. Un género que se reconoce en la línea conceptual y que interroga todo aquello que entendemos como libro. En el primer caso revisando al interior del relato las posibilidades formales y su trascendencia poética; y en el segundo quebrando sus lógicas de lectura para tensar hasta el borde del reconocimiento sus interpretaciones.

Paloma Tomás y Cecilia Trila reflexionan acerca de las identidades como constructos complejos. Atendiendo, por un lado, los vaivenes de la autobiografía en la metáfora de una configuración formal que no reniega de contradicciones. Y por otro, tensionando el rol de la piel como superficie simbólica en imágenes-cuerpos tatuados, con la mirada atenta a su dimensión colectiva.

En la misma línea, pero con materialidades diversas, Zaira Allaltuni, Juan Simonovich y Mariana Vecchiola expanden los alcances de la práctica hacia la indagación de sus circulaciones. A través del reconocimiento de nuevos roles para un heterogéneo reparto de actores, se representan cartografías, inventarios y acumulaciones que revisan las categorías de autor y producción colectiva del conocimiento.

Adhiriendo a esta perspectiva, Julia Perrone también revisa los usos y circulaciones de la producción plástica. Pero con la mirada puesta en los objetos estéticos, se propone una revisión de la categoría de obra de arte trastocando así el orden de componentes del hecho artístico.

Finalmente Ayelén Lamas Aragón y Martín Sensi proponen dos instalaciones que nos incluyen abiertamente como co-autores en el juego del sentido. La primera indagando en el universo de los billetes y su condición de impresos. Por lo que la invitación a imprimir, desarmar y reconstruir se plantea como acciones simples sobre la materia que interrogan un complejo universo simbólico. El segundo nos propone un escenario ficcional construido de pequeñas ruinas, de fragmentos que fueron parte del entorno cotidiano y que en en una nueva trama de extrañamiento crea una atmósfera que nos envuelve.

Si bien esta mirada rasante del conjunto pretende distinguir particularidades de los asuntos que cada una de las propuestas atiende, entendemos que estas prácticas artísticas contemporáneas se pronuncian desde su capacidad de producir conocimiento. Y con esto nos referimos a un “conocimiento, que es ante todo reconocimiento, imagen humana, signo estético de la distancia que media entre lo que somos y lo que quizá podríamos llegar a ser” (Jiménez, 1992, p. 223).

Producción de conocimiento como aquella disposición del arte de presentar una realidad, algo que antes no era visible. Una presentación que también es representación para alguien y a través de alguien. Un acto interpretativo determinado históricamente. (García & Belén, 2013)

Tinta fresca porque el fresco en la cara despierta. Porque en este despertar la materialidad de la tinta en su condición primigenia nos habla del momento de comenzar – cuando sabemos también que estas tesis simultáneamente están cerrando algo- . Porque desde una mirada donde el conocimiento se constituye de forma colectiva, y desde la especificidad de los campos, este grupo de jóvenes artistas profesionales revisan con perspectiva crítica la idea del arte como construcción ficcional de la realidad.

Lic. Guillermina Valent

Referencias
• Jimenez J. (1992) Imágenes del hombre: fundamentos de estética. Madrid:Tecnos.
• García S. & Belén P. ( 2013) Aportes epistemológicos y metodológicos de la investigación artística. Fundamentos, conceptos y diseño de proyectos. Madrid: Editorial Académica Española.

Auditorio
20 y 21 de julio de 15:30 a 19h
Inscripción en: cursos@centrodearte.unlp.edu.ar

Dirigido a todo público
Requiere inscripción previa
No se necesita cámara fotográfica
Gratuito