Coordinación: Fernando Davis
Docentes: Paula Bertúa, Damián Cabrera, Mag De Santo, Ana Longoni y Duen Neka’hen Sacchi.

De junio a octubre de 2025
Modalidad virtual sincrónica
Actividad no arancelada

INSCRIPCIÓN

Cronograma
Inicio de la inscripción: 21 de abril
Cierre de la inscripción: 11 de mayo
Resultados: 28 de mayo
Presentación: Miércoles 4 de junio a las 18:00h

El programa de formación en arte, curaduría y teorías contemporáneas del Centro de Arte UNLP constituye un espacio de reflexión y producción crítica y teórica en torno al arte contemporáneo, la práctica curatorial y la investigación en historia y teoría del arte. La apertura del Programa en 2025 tiene lugar en el marco de una grave crisis que afecta el sistema universitario nacional, la ciencia, la educación pública en general y los ámbitos del arte y la cultura, sometidos a agresivos ajustes y recortes presupuestarios. En este complejo escenario, sostenemos la continuidad del Programa de formación, convencidas/os/es de que la universidad pública tiene un lugar central en la producción de conocimientos como instrumentos de soberanía, en la transformación de las comunidades y en la construcción democrática, de que el acceso al arte y la cultura es un derecho de todas/os/es y de que las prácticas artísticas y curatoriales constituyen espacios de experimentación e imaginación sensible, social y política, que dan forma a interpretaciones críticas de la realidad y contribuyen a reinventar las condiciones de lo posible.

El conjunto de seminarios del programa compone una cartografía de problemas en torno a la pregunta por las formas de agencia social y política del arte, considerando la práctica artística en su funcionamiento performativo, en las operaciones que construye, en sus modos de intervención en el presente, en los porvenires de sentido que torna pensables. Entendemos que las imágenes son performativas porque, más que describir o representar un determinado estado de cosas, participan en la construcción de la realidad, en la producción y administración de subjetividades, procesos de identificación, políticas de la mirada, regímenes escópicos, modulaciones del deseo y formas de existencia. En sus formaciones hegemónicas, las imágenes forman parte de las tecnologías de control y de organización de las políticas de producción de lo visible de la globalización neoliberal. Pero así también, como se propone en las prácticas artísticas, activistas, curatoriales y de archivo presentadas en los seminarios de este programa, las imágenes contribuyen a diagramar escenas de disenso que perforan o introducen intervalos en los “repartos (desigualitarios) de lo sensible”, como ha señalado Jacques Rancière, en los ensamblajes sensoriales que disciplinan o constriñen las posibilidades de los cuerpos y sus modos de organización y acción. Las posibilidades de agencia de las imágenes se juegan en su capacidad para ensayar formas de la imaginación política y sensible desde donde hacer pensables y visibles realidades y existencias que no preexisten a la escena que el arte configura en los modos oblicuos y suspensivos a través de los cuales interpela las condiciones de su presente. Las imágenes constituyen complejas tecnologías críticas y poético-sensibles que modulan formas de relacionalidad afectiva, ficcionan realidades alternativas y levantan memorias, narrativas y figuraciones que desafían la estabilidad de las construcciones hegemónicas, posibilitan conexiones no lineales entre objetos, cuerpos, espacios y tiempos, encienden la imaginación teórica y política.

Destinatarias/os/es
Estudiantes, docentes, investigadores de arte, literatura, ciencias sociales y comunicación. Artistas, diseñadores y realizadores.

Requisitos para la inscripción
Inscripción: 21 de abril al 11 de mayo

Se podrá cursar con inscripción previa a:
– Disponibilidad horaria para cursar el programa de manera completa.
– Se otorgará un certificado de asistencia por el programa completo a aquelles que cumplan con el 75% de la cursada del programa, no pudiendo tener más de una inasistencia por seminario.

Documentación a presentar:
– Curriculum Vitae (formato abreviado).
– Carta de motivación dirigida a las autoridades del Centro de Arte. Cada postulante debe explicitar en su carta en qué sentido el programa y las perspectivas teóricas, críticas y epistemológicas del conjunto de seminarios, se vinculan con su propia trayectoria y líneas de investigación, contribuyendo a ampliarlas o posibilitando nuevas indagaciones y preguntas teóricas.

Consultas: formacioncentrodearteunlp@gmail.com
Asunto: Inscripción.

Evaluación
Un comité integrado por la Prof. Mariel Ciafardo (Secretaria de Arte y Cultura de la UNLP y Directora de proyectos de investigación en el IPEAL), la Dra. Natalia Giglietti (Directora del Centro de Arte de la UNLP) y el Lic. Fernando Davis (Coordinador del Programa) seleccionarán sobre una vacante aproximada de 45 personas para cursar los seminarios.

Seminario
Políticas de investigación, archivo y curadurías colectivas desde la RedCSur
Ana Longoni
Miércoles 11 y 18 de junio y 2 de julio de 18:00 a 20:00h

La Red Conceptualismos del Sur, fundada en 2007, se define como una trama afectiva y activista que busca actuar en el campo de disputas epistemológicas, artísticas y políticas del presente. Desde un posicionamiento plural sur-sur, la RedCSur apuesta a incidir en la dimensión crítica de prácticas artísticas, archivísticas, curatoriales y de movimientos sociales, bajo la idea de que investigar es en sí un acto político, interviniendo sobre diferentes coyunturas que habitamos. En este seminario, además de presentar los modos de trabajo, y las políticas de investigación, archivo y activación de la RedCSur, nos focalizaremos en tres proyectos de curaduría colectiva sobre arte/política: Perder la forma humana. Una imagen sísmica de los años ochenta en América Latina (2012), Giro gráfico. Como en el muro la hiedra (2022) y El futuro detrás. Imaginación política después del estallido del 2001 (2024).

Ana Longoni es escritora, investigadora del CONICET y profesora de grado y posgrado en la Universidad de Buenos Aires y otras universidades. Doctora en Artes (UBA). Trabaja sobre los cruces entre arte y política en la Argentina y América Latina desde mediados del siglo XX hasta nuestros días. Autora de numerosas publicaciones, entre sus libros destacan Del Di Tella a “Tucumán Arde”. Vanguardia artística y política en el 68 argentino (junto a Mariano Mestman, 2000), Traiciones (2007), El Siluetazo (junto a Gustavo Bruzzone, 2008) y Vanguardia y revolución. Arte e izquierda en la Argentina de los sesenta-setenta (2014). Sus últimos libros son Tercer oído (2021) y Parir/Partir (2022). Dos obras teatrales de su autoría, La Chira y Árboles, se estrenaron en Buenos Aires en 2003 y 2006, respectivamente. Impulsa desde su fundación en 2007 la Red Conceptualismos del Sur. Curó sola o en colaboración las exposiciones Roberto Jacoby. El deseo nace del derrumbe (2011), Perder la forma humana. Una imagen sísmica de los años ochenta en América Latina (2012), Con la provocación de Juan Carlos Uviedo (2014), Oscar Masotta. La teoría como acción (2017) y Giro gráfico. Como en el muro la hiedra (2022). Integró la Comisión Gestora y fue vicerrectora de Investigación y Posgrado de la Comisión Gestora de la Universidad de las Artes, Guayaquil, Ecuador, 2015. Entre 2018 y 2021, fue directora de Actividades Públicas del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

Seminario
Nombres en busca de un hogar: discurso, arte y curaduría
Damián Cabrera
Martes 5, 12 y 19 de agosto de 18:00 a 20:00h

Este seminario se centrará en las relaciones entre escritura y prácticas artísticas y curatoriales desde algunas claves para pensar obras que operan en la frontera del discurso hablado y escrito, pasando por el rol de la escritura en la investigación curatorial, hasta curadurías centradas en el texto. El punto de partida del seminario serán algunos ejercicios curatoriales en el Museo del Barro y la Fundación Migliorisi, de Asunción, Paraguay, centrados en la escritura. Finalmente, se propondrán modos de categorización de proyectos expositivos en función de géneros discursivos y se pensará en las posibilidades del espacio expositivo para abrigar discurso. Este seminario pretende explorar un repertorio teórico y de casos que -aunque marginales- enfaticen el papel que desempeña el discurso en las prácticas artísticas y curatoriales, y cómo el campo abierto entre ambos se vuelve un espacio para la articulación de las diferencias.

Damián Cabrera es escritor, investigador, docente y curador paraguayo. Tanto sus obras de ficción como sus ensayos se concentran en la investigación de la realidad de la Triple Frontera, especialmente en las relaciones entre Brasil y Paraguay. Es licenciado en Letras por la Universidad Nacional del Este y magíster en Filosofía por el programa de Pós-Graduação em Estudos Culturais da Escola de Artes, Ciências e Humanidades (EACH) de la Universidade de São Paulo. Es miembro de la Red Conceptualismos del Sur, integra el colectivo editorial Ediciones de la Ura y es miembro de la Asociación Internacional de Críticos de Arte – Capítulo Paraguay. Es coordinador del Departamento de Documentación e Investigación del Centro de Artes Visuales / Museo del Barro y docente de la Licenciatura en Artes Visuales del Instituto Superior de Arte Dra. Olga Blinder, de la Universidad Nacional de Asunción, y de la Licenciatura en Cinematografía de la Universidad Columbia del Paraguay. Es autor de los libros Xiru (2012, ganadora del premio Roque Gaona) y Xe (2019). Ha curado las exposiciones de arte Inestable. Aproximaciones poéticas a la masacre de Curuguaty (Centro de Artes Visuales / Museo del Barro, 2015), Poder, autoritarismo e insubordinación (Fundación Migliorisi, 2018), Porvenir: Vida común a destiempo (Centro de Artes Visuales / Museo del Barro, 2022) y La silla más distante: Historia de dos obsesiones (Centro de Artes Visuales / Museo del Barro, 2023).

Seminario
Reencantamiento de la técnica: imaginación, política y agencia de las imágenes
Paula Bertúa
Martes 2, 9 y 16 de septiembre de 18:00 a 20:00h

Los siglos XIX y XX vieron el surgimiento y masificación de las imágenes técnicas (cine, fotografía, video), mientras que el siglo XXI dio lugar al nacimiento de las imágenes maquínicas (inteligencia artificial, machine learning, complejos algorítmicos). A lo largo de los tres encuentros, realizaremos un recorrido por diversas prácticas artísticas que ponen en escena este giro estético de la técnica. El objetivo es indagar en el estatuto político de las imágenes técnicas y en su capacidad de agencia para desmontar los programas de los aparatos, y así fabular nuevos imaginarios a aquellos determinados por el progreso tecnocrático. Propongo que si en la modernidad, la racionalidad instrumental llevó a un desencantamiento de la cultura y a la burocratización de las sociedades tecnológicas, en la contemporaneidad, la apertura de las imágenes a una topografía indeterminada de materiales, prácticas y saberes nos permite especular con un reencantamiento de la técnica.

Paula Bertúa es docente, crítica y curadora. Doctora en Letras (UBA), magíster en Historia del Arte Argentino y Latinoamericano (UNSAM) e investigadora del CONICET en el Centro MATERIA (IIAC-UNTREF). Allí dirige PIPEC, un Programa de Investigación sobre Prácticas Estéticas Contemporáneas [Materialidades – Procesos – Medialidad]. Enseña teoría y crítica literaria en la carrera de Letras, en la Facultad de Filosofía y Letras (UBA). En sus investigaciones sobre literatura y cultura visual en América Latina, explora las intersecciones entre estética, política y tecnología, desde un enfoque que integra una perspectiva materialista con el posthumanismo crítico y la filosofía de la técnica. Ha publicado los libros La cámara en el umbral de lo sensible. Grete Stern y la revista Idilio (1948-1951) (2012), Múltiple, singular, plural. Derivas de género en la fotografía contemporánea (2022), El trabajo de mirar. Saberes, prácticas y abordajes críticos de las imágenes (2023), y colaborado con artículos en revistas académicas especializadas y capítulos en volúmenes colectivos.

Seminario
Las pieles en que se imprimen las ausencias: documento, aparición y prácticas artísticas
Río Paraná (Mag De Santo y Duen Neka’hen Sacchi)
Martes 7, 14 y 21 de octubre, 18:00 a 20:00h

Los regímenes de desaparición occidental producen, entre otras cosas, una suspensión de los marcos epistémicos, temporales, espirituales documentales: la imagen está rota, incompleta, escondida y cargada de violencias. Ante el acecho que esas imágenes del orden clasificatorio colonial puedan provocar en el presente, esperamos indagar sobre procedimientos formales de trastocamiento, reconociendo los límites de la hipervisibilidad y reproducción, e insistiendo en formas alternativas de compartir la posibilidad de encuentros poéticos con esos pasados.

Río Paraná es una pareja de artistas transmasculinos con base en Argentina que trabajan desde 2016 sobre archivos, disidencia sexual y anticolonialidad. Los principales lenguajes que utilizan son la escritura, la investigación, mural, video y performance. Su obra fue adquirida por el Museo de las Américas, Washington y por el Leslie-Lohman Museum de Nueva York. Han curado La Pisada del Ñandú en La Virreina Centre de la Imatge, Barcelona, el Museo de Arte Contemporáneo de Panamá y el Centro Cultural Haroldo Conti de Buenos Aires. Han realizado laboratorios de formación en instituciones de Buenos Aires, Cali, México y Barcelona y acciones performáticas en Salta, La Plata, Buenos Aires, La Matanza, Barcelona, Madrid, Bilbao y Frankfurt. También desarrollaron proyectos de investigación artístico archivística en París y Turín. Son activistas militantes por los derechos de las personas LGBTIQ y/o racializadas.

Mag De Santo trabaja como artista investigador. Se licenció en Filosofía con especialidad en estudios queer sobre performatividad de género en paralelo que lleva su práctica teatral. Obtuvo el Premio Nueva Dramaturgia en el Festival Internacional de Buenos Aires, publicó una compilación de obras teatrales en Teoría de las aguas (Rara Avis, 2019) y estrenó sus obras Inundación en el C.C Rojas-Zinegoak, Eduardo la pelopincho y Canadá. Realizó el Programa de Estudios Independientes del MACBA-Barcelona (2017-2018) y actualmente cursa el doctorado de investigación en Artes (UNA) con una beca financiada por CONICET en torno a apariciones trans en los archivos institucionales de Argentina.

Duen Neka’hen Sacchi es artista visual, investigador y escritor trans. Su trabajo se centra en la investigación artística de las relaciones entre ficción, documento, memoria, etnicidades y trans-corporeidades. Sus principales medios son el texto, la trama, el gesto, el trazo, la forma y todas sus deformaciones. Publicó Ficciones Patógenas (Brumaria/Álbum, 2018; Rara Avis 2019), Organoléptico (Eremuak 2019) y Se me lo lleva (Lobita de río, 2024) Estudió y luego fue docente y tutor en PEI MACBA (2014-2017), profesor en P.O.P.S. Matadero, Madrid (2019). Fue editor en la revista de arte contemporáneo Terremoto (2022-2023). Desarrolló acciones, residencias y presentaciones de su obra en La Virreina (Barcelona), Tabakalera (Donostia), Matadero (Madrid), MACBA (Barcelona) CCK, CC CONTI, La ENE (Buenos Aires), entre otros.

Coordinador

Fernando Davis es profesor Titular de la cátedra Teoría de la Práctica Artística de la Facultad de Artes de la UNLP. Actualmente dirige el proyecto de investigación “Escenas de disenso y agencia política en el arte contemporáneo. Ensamblajes sensibles, ficciones performativas y torsiones de la imagen”, radicado en el Instituto de Investigación en Producción y Enseñanza del Arte Latinoamericano (IPEAL) de la Facultad de Artes de la UNLP. También dirige, desde 2014, la Cátedra Libre Prácticas Artísticas y Políticas Sexuales de la UNLP. Sus investigaciones se centran en las prácticas crítico-políticas de los conceptualismos en América Latina desde 1960, las redes experimentales de artistas y las poéticas queer. Entre las últimas exposiciones en las que se ha desempeñado como curador, se encuentran Inventar a la intemperie. Desobediencias sexuales e imaginación política en el arte contemporáneo (Parque de la Memoria – Monumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado, 2021), Cristina Piffer. Archivos pulsantes, imágenes intempestivas, supervivencias espectrales (Centro de Arte UNLP, 2022), Luis Pazos. Poesía vital (ArtHaus y Centro de Arte UNLP, 2024 y 2025) y Martha Peluffo. Estados suspensivos (Colección AMALITA, 2025). Integra desde su fundación en 2007 la Red Conceptualismos del Sur (RedCSur).

Evaluadoras
Mariel Ciafardo es profesora en Historia de las Artes Visuales, investigadora, docente y artista visual. Se desempeña como Titular Ordinaria de las cátedras de Lenguaje Visual 1 y 2 B en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata. Dirigió el proyecto de investigación “Artes visuales contemporáneas latinoamericanas. Los vestigios formales del pasado en el presente”. Es miembro del Comité Académico del Instituto de Investigación en Producción y Enseñanza del Arte Argentino y Latinoamericano (IPEAL). Autora de libros, capítulos de libro y de artículos en revistas especializadas. En 2020, publicó el libro La enseñanza del Lenguaje Visual. Bases para la construcción de una propuesta alternativa. Actualmente, es secretaria de Arte y Cultura de la UNLP.

Natalia Giglietti es Doctora en Artes, licenciada y profesora en Historia de las Artes Visuales por la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata (FDA-UNLP) y Especialista en Crítica de Artes (UNA). Se desempeña como Titular ordinaria en la cátedra Historia de la Fotografía I. Fue becaria de investigación tipo A y B de la UNLP. Sus últimas publicaciones trabajan en torno a los archivos personales de artistas y la fotografía entre el documento y la ficción. Dirigió NIMIO. Revista de la cátedra Teoría de la Historia, publicación especializada en arte y archivos. Desde 2023, dirige el proyecto de investigación “Archivos de arte, de artistas y de colectivos artísticos en la ciudad de La Plata desde 1970 a la actualidad: Aportes teóricos, metodológicos y estrategias de acceso público” (I+D-UNLP). Entre 2011 y 2014, fue Directora de Arte de la Prosecretaría de Arte y Cultura de la UNLP. Actualmente es Prosecretaría de Arte de la Secretaría de Arte y Cultura de la UNLP, tiene a su cargo el Centro de Arte de la UNLP.

Créditos imagen: Algo siempre está pasando (2012) de Patricio Gil Food. Instalación realizada en el marco del ciclo Arte en el patio, organizado por Francisco Lemus y Natalia Giglietti. Rectorado de la UNLP

Inauguración: 10.08.24 a las 19:00h
Del 10.08.24 al 24.08.24
Sala C

Suplicantes del Museo de La Plata
Marcela Cabutti
Cecilia Lenardón
Paula Massarutti
Alexis Minkiewicz

Cuerpos de piedra que al encarnar lo sagrado deben ser eternos, condensar el ahora, el origen y concebir el concepto como el espacio-tiempo de la materia. Más conocidos como suplicantes, pero también denominados ídolos, fetiches, illas, amuletos o wak’as, estos objetos excepcionales fueron producidos entre el 500 a.C y 900 d.C por las comunidades del noroeste argentino pertenecientes al complejo cultural Condorhuasi-Alamito en la provincia de Catamarca.

Lo extraordinario de estas piezas refiere no solo a la dificultad de establecer acuerdos sobre cuándo, cómo y dónde se usaban o ubicaban; sino a la escasa cantidad de ejemplares hallados; a su pequeña escala; y a la representación única que no se reitera en ninguna otra materialidad y soporte de estas culturas. Pero esta singularidad se presenta, sobre todo, en su excelencia técnica, en la ocupación del tiempo concentrado en la forma, en la complejidad del tratamiento de los llenos y vacíos, en la experticia al perforar, tallar y pulir la materia. Suplicantes como síntesis. Realidad y abstracción de un cuerpo que es otro cuerpo, lo sagrado en y por el tiempo de la transformación de la piedra.

Como una cita contemporánea a las formas primigenias, la piedra se vuelve arena para ser cristal de espeso negro. Marcela Cabutti también transforma el material en algo más. El vidrio se vuelve relicario del aire que contiene y que lo hace posible: denso, replicado, fundido. En esta unión de tiempo y de materia, una copia en yeso de un suplicante se cuela como una identidad en tránsito en las manos de las monjas de Santa Cruz de la Sierra. Paula Masarutti se pregunta por las relaciones entre las personas y los objetos, cómo afectan y se afectan en la atribución de sentidos, qué realidades construyen y qué estructuras conmueven –con un potente gesto en este caso– en las religiones.

En el mundo andino prehispánico no existían palabras para distinguir el alma del cuerpo; la materia portaba en sí el sentido, tal como lo practica el registro de la acción que Cecilia Lernardón tituló Manifiesto. El grupo ensaya cierta coreografía que vuelve materia a los enunciados para quebrar, con el temblor de los músculos, con una pose incómoda y colectiva, los significados fijos.

La potencia material de nuevos suplicantes se funde en el bronce y se replica en la superficie del yeso que Alexis Minkiewicz trabaja exquisitamente. Como una continuidad de tiempo y espacio, las formas integran el ciclo vital, contienen el modelo vivo, el tiempo ahora, lo que fue y lo que será.

Curaduría: Natalia Giglietti y Elena Sedán
Diseño de exposición y producción: Francisco Pourtalé
Coordinación de producción y montaje: Santiago Martínez
Montaje: Florencia Murace y Vanina Policano
Coordinación de comunicación y estrategias digitales: Diego Ibañez Roka
Diseño: Pablo Tesone, Inés Ward
Música: Pablo Toledo

Agradecimientos
Analía Lanteri, Laura Miotti, Mariano Bonomo, Guillermina Couso, Julieta Pellizzari, Lisandro Salvador, Marina Aguerre, Clarisa Appendino, Agustina Aragón.

Patrimonio escultórico: los suplicantes del Museo de La Plata

Introducción a las prácticas escultóricas
Las prácticas escultóricas en piedra emergen tempranamente en el Noroeste Argentino (NOA), con las primeras piezas datadas en el Período Formativo Inferior (500 aC.-500 d.C), extendiéndose al Formativo Superior (500 d.C – 900 d.C). Durante este tiempo, las culturas arqueológicas responsables de estas expresiones artísticas, como Condorhuasi, El Alamito, La Ciénaga y La Aguada o Ambato, florecieron dentro de un contexto social dominado por elementos teocráticos. En particular, se atribuye a las expresiones Condorhuasi y El Alamito la creación de estas notables piezas escultóricas, que reflejan una complejidad artística y simbólica profunda.

Diversidad y funcionalidad de las esculturas
El arte en piedra precolombino del NOA abarca una variedad de manifestaciones escultóricas, cada una con morfologías y funciones específicas. Entre estas, destacan las máscaras funerarias, amuletos conocidos como “caijlles” en la lengua de los antiguos pueblos Diaguito-Calchaquíes, morteros para procesar alucinógenos, semillas, pigmentos minerales, etc. y figuras antropomorfas y zoomorfas, algunas de las cuales son representaciones realistas de cuerpos humanos con recipientes en el vientre. Estas obras no solo muestran una habilidad técnica extraordinaria, sino también un alto grado de abstracción.

Los ídolos suplicantes: Illas y fetiches
Dentro de este repertorio sobresalen las “Illas” o amuletos propiciatorios, y los denominados “ídolos suplicantes” o fetiches, términos acuñados a finales del siglo XIX por destacados antropólogos e investigadores como J. B. Ambrosetti y A. Quiroga. Estos ídolos han sido encontrados principalmente en la subárea Valliserrana del antiguo territorio Calchaquí, en sitios como el extremo boreal del bolsón de Pipanaco (Andalgalá), el Campo del Pucará y el valle de Paclín. Las esculturas se caracterizan por una maestría en la talla y una fuerza expresiva singular, que combina lo humano con lo animal en un lenguaje visual de gran impacto.

Contexto ritual y significado
Se ha sugerido que estos ídolos formaban parte de ceremonias rituales, probablemente ligadas al complejo cultural Condorhuasi-El Alamito. Investigaciones arqueológicas realizadas en la década de 1970 por V. N. Regueiro en El Alamito han descubierto que algunas de estas esculturas podrían haber sido parte de ajuares fúnebres de individuos de alto rango, posiblemente chamanes, que ocupaban roles jerárquicos dentro de estas sociedades teocráticas.

Interpretación y simbolismo
Las representaciones tridimensionales de estas esculturas, que combinan rasgos antropomorfos en el cuerpo y zoomorfos en la cabeza, evocan máscaras rituales usadas en ceremonias para cubrir o sustituir las cabezas de los individuos. Un ejemplo clave es la pieza pequeña, en relación al resto (altura, 130mm. ancho, 65mm. espesor, 60mm), en donde se duplica o triplica su tamaño, perteneciente a la colección Moreno, que lleva el número de catálogo 919, donde se observa una figura en actitud genuflexa, con los brazos y manos colocados detrás de la cabeza, lo que podría indicar un personaje a punto de ser sacrificado.
Esta postura ha llevado a los estudiosos como Raffino (1997) a conectar estas esculturas con antiguas prácticas y creencias de los Calchaquíes, recopiladas a fines del siglo XIX por investigadores como Adán Quiroga y Samuel Lafone Quevedo. Según sus relatos, estos sacrificios humanos y ceremonias propiciatorias estaban destinados a apaciguar deidades relacionadas con la tierra y la lluvia, como “El Chiqui”, una divinidad temida que los antiguos habitantes de la zona que intentaban aplacar mediante rituales que involucraban el uso de máscaras,  sacrificios humanos y animales.

Conclusión
Las esculturas en piedra del NOA no solo representan una manifestación artística de gran valor, sino que también nos ofrecen una ventana al complejo mundo espiritual y social de las culturas precolombinas de la región. Estas obras, cargadas de simbolismo y función ritual, no solo destacan por su maestría técnica, sino que también reflejan las creencias, prácticas y jerarquías de las sociedades que las crearon. Su riqueza en detalles y la variedad de formas empleadas en su elaboración nos hablan de un profundo vínculo entre el arte y la espiritualidad, sirviendo como valiosos testimonios de la rica herencia cultural del Noroeste Argentino. A través de estas esculturas, podemos vislumbrar las formas en que estos pueblos antiguos interactuaban con los seres naturales y sobrenaturales y cómo sus rituales y creencias moldearon su expresión artística.

Guillermina Couso
Encargada de colecciones

 Laura Miotti
Jefa de División
División Arqueología
Museo de La Plata

Inauguración: Sábado 10.08.24 a las 19:00h
Sala B
Del 10.08.24 al 24.08.24

Estábamos seguras de que por allí nadie había pasado. Lo cierto es que el camino se hallaba intransitable luego de varios días de lluvia torrencial y nadie sabe lo que en realidad sucedió. ¿Huyeron?

Una luna, en cuarto creciente, iluminaba con una claridad difusa los sombríos contornos del bosque cercano. El resplandor grisáceo como una neblina se elevaba del suelo, de la inmensa y desnuda extensión color tiza. Incluso el horizonte no causaba la ilusión de que cielo y tierra se unieran, sino que el primero siempre se hallaba más allá.

Del lado de aquellas altísimas montañas, que desde allí parecían azules, todo era quietud y silencio. A la izquierda, se prolongaba un espacio, parcialmente cubierto de árboles y matorrales, que descendían en suave declive. Abajo, a la derecha, se distinguía un espacio rodeado de peñascos.

Hace mucho frío, pero tenemos leña, y aquí estamos, acostumbradas a la nieve y a los vientos.

Su verdor apareció una mañana muy temprano; un cielo rosado se extendía sobre la pintoresca bahía llena de pequeñas barcas. “Jamás olvidaré esa hermosa visión”, dijo. Los árboles no lucían aún sus hojas, pero las yemas se hinchaban repletas de savia. En cada yema se presentía la presencia  de retoños jóvenes, de futuros frutos, escondidos, concentrados, prontos para lanzarse hacia la luz. Comprendimos que iba a sucedernos algo bueno, y comenzamos a construir castillos en el aire.

Era la hora más hermosa. El sol no había salido aún… el viento traía el perfume de los campos lejanos y en los huertos cantaban los pájaros como sólo cantan al rayar el día. “A mí me gustan las flores y las aves”, dijo. Era un momento tranquilo y feliz. El bote había llegado a la orilla. “Me dejaré llevar”, dijo.

Si nos ven tristes, no es por haber dejado una tierra poco productiva donde nos iba mal, sino porque este viaje se parecía demasiado a otros. Sin embargo, a pesar de las distancias, siempre es agradable volver a esos lugares año por año. El paisaje, los niños, la gente, encerraban en su interior algo común y mágico que nos subyugaba.

Nunca tuvimos miedo. Tan solo algunos momentos vacilantes. Cuando nos encontramos con las veredas, con las casas, con los árboles. Cuando nos encontramos con un niño que nos mira de frente, nos hacemos niñas y somos felices. “¿Y la felicidad?”, dijo. Entonces todo está bien. La felicidad es una palabra, la más parecida a un estado especial del alma que tiene la duración de un soplo. “Creo que no conozco la libertad”, dijo. Tal vez porque no conocemos estos cuerpos que nos aprisionan.

Las de acá