Exposición. Otros otros. Florencia Rodríguez Giles, Marcela Cabutti y Mariana Pellejero
Curaduría: Bautista Miranda

Sábado 30.05.26
18:00h
Sala C

 

La reunión de estas obras parte de los contactos, afinidades y continuidades entre materialidades humanas y no humanas. Esta exhibición cuestiona la división que separa lo que hacemos y lo que la materia hace. Florencia Rodríguez Giles, Mariana Pellejero y Marcela Cabutti ensayan modos de filtrar lo oculto en la imagen.

Lo que no tiene nombre existe. El mundo cabe en la lengua y aun así hay un mundo fuera de ella. Desde tiempos irremontables nombramos para separar: esto de aquello, yo del otro, el hueso de la carne, esa es la raíz y este es el tallo. Cuando la mano que escribe llega adonde termina la palabra, la metáfora abre un camino hacia lo profundo de la piedra; se vislumbra a través de ella un encuentro con lo salvaje.

Entre lo que somos y lo que no, hay un territorio común, entre lo que sabemos y lo que ignoramos; enlaces posibles. El contacto con la superficie rocosa produce texturas que antes no existían; el cruce con una frecuencia mineral inaugura sonidos y movimientos imposibles sin la escucha. 

Nuestros sueños parten del mismo polvo que posibilitó a la materia; se trata de una estela que conecta las historias y las crea. Lo que se deshace alimenta brotes inesperados, y entre la avena, las vainas del presente fermentan futuros que ninguna era ha imaginado. En esta sala el tiempo se hace; hacemos tiempo. Tal vez otros mundos requieran otros presentes y otros presentes necesitan otros otros.


Bautista Miranda  

 

Agradecimientos: Macarena Bialski, Lucía Nielsen, Mora Bacal y Orly Benzacar (Galería Ruth Benzacar), Martín Miranda, Martiniano Miranda, Lautaro Miranda, Julieta Schwarzbein, Cira Balestrieri, Angelina Grimaldi, Alfredo Aracil, Fernando Davis, Lázaro Olier, Federico Ruvituso (Museo Provincial de Bellas Artes “Emilio Petorrutti”), Ezequiel Pérez Sáenz (Museo MAR), Club de la Pintura, Julia Oliva Torre y Azul Tonello.

Esta exposición se enmarca en el Programa de Formación en Artes, Curaduría y Teorías Contemporáneas del Centro de Arte UNLP, seminario optativo del nuevo plan de estudios de la carrera de Historia de las Artes Visuales de la Facultad de Artes de la UNLP.

 


Marcela Cabutti (La Plata, Argentina, 1967). Escultora contemporánea cuya práctica trabaja en los cruces entre la escultura, el video y los fenómenos de la naturaleza. Sus piezas dialogan con las particularidades del espacio y se construyen desde la comprensión de saberes, experiencias e intuición. Diseña sus videos como continuación de su práctica escultórica, videoesculturas donde el relato compromete al cuerpo, el tiempo y el sonido, y despliega un imaginario que atraviesa lo mineral, lo orgánico y lo ancestral.

Florencia Rodríguez Giles (Buenos Aires, Argentina, 1978). Artista visual y performer cuya práctica establece vasos comunicantes entre el dibujo, las artes terapéuticas y las experiencias colectivas. Su trabajo indaga en la expansión de la imaginación y la mutación de las formas de vida, proponiendo transitar estados previos a la individuación entre la vigilia y el sueño, el cuerpo y la psique; donde las formas de existir se vuelven plásticas. En sus dibujos y performances despliega un profuso imaginario posthumano, ritualístico y orgiástico que diluye los límites entre espectadorx y participante.

Mariana Pellejero (Lomas de Zamora, Argentina, 1974). Es grabadora, vive y trabaja en Mar del Plata. Su obra explora las posibilidades técnicas y conceptuales de la copia como procedimiento creador de imágenes, transitando las fronteras cada vez más difusas entre lo natural y lo artificial. A través del frottage y el gofrado, entre otras técnicas, trabaja sobre las superficies del territorio bonaerense tomando la textura como lenguaje visual.

Bautista Miranda (La Plata, Argentina, 2002). Curador e investigador independiente. Se forma en Historia del Arte y Literatura Francesa en la UNLP. Su práctica explora los cruces entre gramática e imágenes como terrenos donde disputar la agencia y la posibilidad en el mundo, indagando en la capacidad de las imágenes para alterar performativamente lo visible. A través de la escritura y la curaduría halla en las visualidades operaciones de mostración donde se exhiben soluciones inusitadas frente a la dificultad del accionar sobre el presente.

 

 

 

/por

Metropotamia. Leandro Katz

Inauguración: sábado 30.05.26
18:00 h
Sala D

 

A Leandro Katz le gustan las palabras con el prefijo des: descabellado, desfachatado, desgarrador, desconcierto, despampanante. Es una actitud poética. Algo que estaba en su lugar y fue sacado de él, algo que se desarma para volverse otra cosa. Metropotamia empieza con un juego de palabras combinadas. “Fue inventar un nombre, un neologismo, una pantalla”.

Concebida para doble proyección sobre una pantalla en zig-zag y música de Richard Landry, la obra desplaza la experiencia frontal de la mirada y propone un recorrido hecho de percepciones parciales y perspectivas laterales, donde la imagen se recompone en el movimiento del cuerpo. Desde este lugar, Metropotamia roza el universo de La visión oblicua de César Paternosto, pues en ambas la mirada se vuelve descentrada, incompleta, activa. El espectador entonces no recibe una totalidad; la busca, la recuerda, la reconstruye. 

Cuando Metropotamia se exhibió por primera vez, en 1982, en la cancha de básquet del Institute for Art and Urban Resources -hoy MoMA PS1-, Thomas Lawson escribió en Artforum: “Katz espera que esta presentación excéntrica estimule a que los espectadores tomen mayor conciencia de su posición como tales, ya que los obliga a moverse para obtener una visión más completa”. 

La conversación entre estas obras, reunidas ahora en el Centro de Arte de la UNLP, pertenece, a su vez, a una historia compartida: la de dos artistas argentinos que se conocieron y vivieron en Nueva York durante décadas. “Apenas me lo preguntás, recuerdo saludarme con César viniendo en bicicleta por la calle Lafayette. Se movía por la ciudad como una saeta”, dice Katz. 

A veces fija, a veces torcida, a veces en movimiento, la cámara de Metropotamia atraviesa Nueva York con esa misma velocidad. El skyline, la azotea, el subte, la hora pico. Las multitudes se derraman por las escaleras, fluyen por el andén y desembocan en la calle, impulsadas por algo que no controlan. Las sombras de las nubes pasan como olas; un ginkgo tiembla fuera de ritmo.

Filmada en time-lapse, la obra comprime el tiempo. Cuatro fotogramas por segundo que convierten ochenta minutos de ciudad en veinte de película. La metrópolis está enloquecida. Sin embargo, la música -un saxofón que se demora, que migra de un parlante a otro, que flota en el espacio- crea una atmósfera envolvente, fantasiosa, de una sensualidad ochentosa. El tiempo se comprime en la imagen y se dilata en el oído.

En sus notas de 1982, Katz señala que Metropotamia cuestiona la idea de la pantalla como una superficie neutra, destinada a desaparecer detrás de la imagen. Esa inquietud había empezado antes, cuando filmaba la luna y reconoció en ella “una especie de pantalla eterna, antiquísima, donde se han posado las miradas de millones y millones de personas”.

A más de cuarenta años de su primera presentación, Metropotamia vuelve con una pregunta abierta: ¿cómo mirar una imagen proyectada cuando la pantalla también mira y devuelve?

Natalia Giglietti

 

Leandro Katz (Buenos Aires, Argentina, 1938). Artista, escritor y realizador argentino, conocido por sus películas y sus instalaciones fotográficas, sus obras incluyen proyectos de largo término que abordan temas latinoamericanos y que incorporan la investigación histórica, la antropología y las artes visuales.

/por

Exposición fotográfica y presentación de libro Un millón de fotos y El libro de la sal
Una muestra fotográfica de Martín Patricio Barrios

Sábado 30.05.26
18:00h
Sala A

 

Un millón de fotos y El libro de la sal reúne las fotografías realizadas por Martín Patricio Barrios durante los últimos veinticinco años y propone una manera particular de presentarlas: mostrarlas todas.

Las imágenes se organizan a partir de un único criterio: la temporalidad del carrete, es decir, el ritmo con el que fueron tomadas, una tras otra. Por eso, en este recorrido no hay selección ni recortes, tampoco saltos u omisiones. Las fotos se proyectan de manera continua en cuatro pantallas simultáneas que construyen una nueva forma de recorrer este conjunto de imágenes, donde aparecen ecos, repeticiones y diálogos.

El día de la inauguración se presentará El libro de la sal, una publicación que nos acerca a la experiencia del autor en su último viaje a Etiopía, más precisamente al lago Assale –ubicado en la Depresión de Afar–  y al pueblo Asayta, lugares que transitan los afar en sus recorridos para la extracción y el comercio de la sal. La muestra se presenta como escenario para la lectura de algunos de sus fragmentos. Esta instancia propone un momento para compartir imágenes, lecturas y relatos, manteniendo como eje la mirada de fotógrafo con la que Barrios construye sus narrativas.

/por

8º Bienal Universitaria de Arte y Cultura A 50 años del Golpe: Democracia y educación pública siempre.

INSCRIPCIÓN: https://forms.gle/9hoANYharhWF3mYg9

CALENDARIO 2026
Inscripción extendida hasta el 5 de junio

PRESENTACIÓN
BASES Y CONDICIONES
PREGUNTAS FRECUENTES

 

La octava Bienal Universitaria de Arte y Cultura se inscribe en un presente atravesado por la incertidumbre, la violencia y la disputa por los sentidos de la memoria. Esta edición propone volver sobre el pasado reciente argentino, y en particular sobre los cincuenta años del golpe de Estado cívico-militar de 1976, no solo como instancia de conmemoración, sino también como una forma de reabrir preguntas, sostener la reflexión y renovar el compromiso con la democracia, la universidad pública y la construcción colectiva de horizontes más justos.

En las tramas siempre activas de la historia, el arte ocupa un lugar singular: como espacio de evocación y de denuncia, pero también como una práctica capaz de interpelar las formas en que recordamos y de producir imágenes, relatos y experiencias para pensar lo común. Desde sus poéticas, sus modos de intervención y su potencia crítica, las prácticas artísticas no se limitan a representar el pasado, sino que lo activan en el presente, lo ponen en tensión y lo proyectan hacia el porvenir.

Pensada como un espacio de intervención, reflexión y producción, esta nueva edición invita a colectivos de artistas de todas las disciplinas a acercar sus propuestas en torno a la consigna A 50 años del Golpe: Democracia y educación pública siempre.

La Bienal tendrá lugar del 14 al 28 de noviembre en el Centro de Arte de la Universidad y en otros espacios de la Universidad y de la ciudad.

/por

César Paternosto. La imaginación geométrica

Desde el 21.03.26 al 11.07.26
Lunes a viernes de 8:00 a 20:00h
Sala B y V48

La imaginación geométrica es un proyecto del Centro de Arte de la UNLP en colaboración con César Paternosto. Se compone de tres partes, distribuidas en distintas sedes de la UNLP.

El título retoma una idea clave en la obra de Paternosto: la imaginación geométrica como esa capacidad humana de inventar; una potencia específica que se reconoce desde tiempos remotos en el universo andino.

1. En la vidriera y en la sala B del Centro de Arte tiene lugar la retrospectiva del artista que, curada por Natalia Giglietti, reúne más de seis décadas de producción y propone una lectura situada de la abstracción en América Latina.

Inauguración: 21.03.26 de 18:00 a 21.30h
Del 21.03.26 al 11.07.26
De miércoles a viernes de 11 a 18h y sábados de 15:00 a 20:00h
48 entre 6 y 7
Más información

2. En el patio Julieta Lanteri del edificio de Presidencia de la UNLP se presenta Investigaciones tectónicas (2026), una instalación de sitio específico, producida por el artista.

Inauguración: 21.03.26 de 18:00 a 21:30h
Desde el 21.03.26 al 30.04.26
Lunes a viernes de 8:00 a 20:00h
Avenida 7 entre 47 y 48
Más información

3. En el Museo de La Plata obras de Paternosto se exhiben en diálogo con piezas de la colección, planteando un recorrido por el hall de ingreso, la Biblioteca y la Sala de Arqueología Latinoamericana.

Desde el 22.03.26 al 25.04.26
De miércoles a domingos de 10:00 a 18:00h
Paseo del Bosque
Más información

4. Acto de entrega del título doctor Honoris Causa la UNLP a través de la Facultad de Artes le hará entrega del reconocimiento.

20.03.26
14:00h
Facultad de Artes de la UNLP
Diagonal 78 nº 680

5. Conversación entre César Paternosto, María José Herrera y Natalia Giglietti

Sábado 11.04.26
15:00h
Auditorio

En ocasión de La imaginación geométrica, César Paternosto conversará con María José Herrera y Natalia Giglietti sobre sus obras, sus procesos de producción, sus contextos y la forma en que algunas de estas piezas se reponen de manera singular en esta exposición y en el espacio del Centro de Arte. El encuentro será una oportunidad para acompañar al artista antes de su regreso a Segovia.

 

 

A comienzos de los años sesenta, César Paternosto era un visitante asiduo del Museo de La Plata, motivado por su curiosidad ante los textiles y las cerámicas. Tiempo antes había conocido a Jorge Mieri y, en sus clases de pintura, una consigna le quedó grabada para siempre: “Jugá con las sombras”. La indicación —atender a lo que se desplaza, a lo que no ocupa el centro— y los encuentros en el museo dieron forma a un modo de percepción que atravesaría toda su obra.

Esta exposición, primera retrospectiva en el Centro de Arte de la UNLP, recorre más de seis décadas de producción unificadas por una búsqueda incansable y una convicción: que el mundo puede ordenarse de otro modo. La imaginación geométrica nombra esa capacidad humana de inventar; una potencia específica que se reconoce desde tiempos remotos en el universo andino.

Esa convicción adquirió presencia material en sus primeras pinturas-objeto, en bastidores con formas que conversan con los marcos recortados de Madí, las maderas constructivas de Torres García y los movimientos internacionales de la abstracción moderna. En 1969, pintó con ceritas el borde de una hoja escolar. Ese gesto fija lo que estaba flotando: una primera inscripción, con lo que tenía a mano, de su conocida visión oblicua o lateral. Allí, la pintura sucede en los bordes del bastidor, y el frente, espacio privilegiado en la historia del arte occidental, queda en blanco, en silencio. Ver, entonces, implica moverse: la pintura ocurre en el desplazamiento.

Entre 1977 y 1979, en sus viajes a Cusco, Paternosto experimentó lo que llama una epifanía: verificó su intuición. Estudió, dibujó, fotografió, tomó apuntes que configuraron la materia prima de Piedra abstracta, su libro clave, donde postula que la abstracción tiene una historia más larga en América que la que suele contarse desde Europa. De allí surge una hipótesis decisiva: en la retícula textil, la estructura del tejido, se encuentra el origen de una geometría que es especialmente sensible y táctil, hecha con el cuerpo y con la materia. Como un diagrama, la retícula reúne técnica, concepto y forma. Ese modelo conceptual eminente, en palabras del artista, no es mimético ni representativo, sino que configura un modo propio de hacer, de percibir, de habitar y de producir realidad.

En lugar de un recorrido lineal, la exposición propone una lectura por núcleos: un modo de organizar el tiempo que no avanza solo hacia adelante, sino que vuelve sobre sí. En este retorno a su ciudad, a los 94 años, la UNLP celebra la trayectoria de un artista inagotable, que no cesa de reinventar con el mismo rigor y con la misma intensidad, siempre atento a las preocupaciones del presente.

Curaduría: Natalia Giglietti

/por

Exposición. Club de la Pintura. Intuiciones hechizas
Agustín Poletti, Bautista Miranda, Eva Costello, Herbi, Juan Téllez, Julia Oliva Torre, Manuela Villanueva Fernández, M. Eugenia Bifaretti, Pilar Cuevas, Tori Ferlan y Victoria Macioci

Desde el 21.03.26 al 11.07.26
V200

 

Los intentos de reencantar las cosas pertenecen a una imaginación compartida; la manufactura obstinada nos invade. Se trata de querer hacer que lo incierto se reconfigure, de modelar un prisma con el que irradiar otros accesos hacia aquello que permanece suspendido en la intuición.

En los repintes ensayamos un secreto: hacemos otros mundos con las manos. Es un punto entre lo que existe y lo que insiste en hacerlo; donde formamos moños sobre la madera y buscamos llegar al color escondido en la baba de un caracol. Es un trabajo que va por los bordes del deseo.

La pintura nos pica, se nos adhiere, aferra y abraza: no podemos borrar sus rastros; como el moho sobre la superficie que se infiltra por sitios inesperados y hace brotar otros tonos. Aunque lo pintemos entero de rosa aparece igual una mancha que llega sin anunciarse, ingobernable, rosa con moho. Ante la obstinación por encontrarlo todo, ese rosa mohosa desborda y redefine lo que toca, se vuelve condición y entonces lo hacemos práctica y modo de ver el mundo.

Desde ese fin lo trabajamos, dejándonos atravesar por la posibilidad que configuran nuestras manos. Lo que ellas traman es algo hechizo. Un hacer torcido donde aparecen recorridos inusitados, mientras revolotean animales y bicharracos escurridizos. En esta sala exploramos tres formas de practicar el tiempo, mientras crecemos tres veces de tamaño, nos alejamos tres veces de la belleza y nos acercamos una vez más a nuestras intuiciones. Al final, llegamos a una forma imposible de terminar a solas: una imagen en común.

 

El Club de la Pintura (2019, La Plata) es un colectivo integrado por pintoras, poetas, escultoras, bricolajistas e historiadoras del arte. La amistad, la mesa de trabajo compartida, el despliegue y rescate de materiales, el diálogo entre pintura y poesía, y los encuentros abiertos en el taller —con su vidriera a la calle en el Barrio del Mondongo— se fueron constituyendo como los pilares que definen la identidad del Club.

Como señala Claudia del Río: “más de dos hacen un club”. En ese espíritu, el Club de la Pintura se configura como un punto de encuentro, un espacio de pensamiento y de acción, donde lo colectivo se vuelve un lugar desde el cual imaginar y construir un presente y un porvenir más amables de habitar. Sus integrantes pintan juntxs para discurrir en un estado permanente de arte, buscando que la vida sea amiga del arte.

El colectivo está integrado por Agustín Poletti, Bautista Miranda, Eva Costello, Herbi, Juan Téllez, Julia Oliva Torre, Manuela Villanueva Fernández, M. Eugenia Bifaretti, Pilar Cuevas, Tori Ferlan y Victoria Macioci.

/por

Exposición. Juliana García Bello. Vestir
Curaduría: Francisco Pourtalé

Sábado 21.03.26
18:00h
Sala C

 

¿Y si vestir fuera, también, un modo diferente de cuidar? ¿Qué sucede cuando un objeto, un fragmento, una materia del territorio es envuelto como una joya, como si reclamara presencia, dignidad y atención? Vestir cuerpos, vestir piedras, vestir objetos: en ese procedimiento la prenda desborda su valor de uso y se vuelve acción, escena, renovada metáfora.

Una frase de la artista sella, desde el nacimiento de la marca GARCÍA BELLO en 2019, la singularidad de su proyecto: “Esta prenda está conectada con mi historia”. Cada pieza no es solo una etiqueta; es una toma de posición. Un modo de afirmar que vestir no se reduce a cubrir el cuerpo: también es narrar, recordar, portar afectos y decidir de qué manera queremos habitar.

Esta primera muestra individual —en un contexto dedicado al arte contemporáneo y en La Plata, ciudad familiar que supo habitar y a la que regresa desde una región distante— despliega el universo creativo de Juliana García Bello a través de prendas de distintas colecciones ,registros de procesos y bitácoras que abren la trastienda del hacer. Lejos de la lógica de la tendencia, aquí la indumentaria se manifiesta como memoria material: cada costura, cada unión y cada resto recuperado conserva la persistencia de un vínculo.

Vestir desarma la frontera entre arte, diseño y artesanía. En América Latina, las prácticas textiles, presentes desde tiempos prehispánicos, fueron durante siglos leídas como artes “menores”, relegadas a la categoría de artesanía por no ajustarse a los cánones de las bellas artes. Aquí, esa historia se invierte: lo textil, con sus alianzas matéricas, se afirma como lenguaje, archivo y potencia de las formas. Reparar una prenda para seguir usándola no es solo una solución práctica: es también una decisión estética y política, un modo de componer. La huella del remiendo no se oculta, se evidencia. Tampoco se oculta la marca GARCÍA BELLO: la etiqueta ampliada, expuesta, legible funciona como un señalamiento cosido, un reverso que se revela y se lee. Indica que algo estuvo, que algo entró en desuso y que regresa de otra manera.

Nacida en la isla de Tierra del Fuego, Juliana cruza los saberes heredados del tejido y la cestería con la urgencia contemporánea de la sostenibilidad y la economía circular. Sus piezas no son pensadas para el consumo efímero, son objetos que, al extender su vida útil, reactivan lo propio y lo comunitario. Un trabajo paciente sobre los materiales que se define como una forma de pensamiento hecha materia.

 

Videos Auditorio

A través del viento y el agua (2025)
Video y edición:Victoria Miquelestorena
Bailarina: Agustina Valdez
Música: Qoa

Encounter (2021)
Director: Juan Borgognoni
Performer: Manuel Ligero Cera
Primera camera: Jorge Jaldon
Asistente de arte: Laura del Castillo
Voz en off: Kira Kupfersberger
Asistente de edición: Andrea Escandon

 

Juliana García Bello (Río Grande, 1989). Diseñadora de Indumentaria y Textil, graduada con honores en la FADU-UBA. Es la fundadora de GARCÍA BELLO (2019), una firma pionera en upcycling y economía circular que conecta diseño, memoria territorial y sostenibilidad. Su trabajo ha alcanzado una notable proyección internacional, siendo galardonada con el Redress Design Award (Hong Kong), el premio Fashion Makes Sense (Festival Fashion Clash, Países Bajos) y el reconocimiento Autores de Moda en BAFWEEK (Argentina). Sus piezas y metodologías de diseño han formado parte de exhibiciones en instituciones de prestigio global, tales como el Victoria and Albert Museum (Londres), el Museo de Arnhem (Países Bajos), el MALBA y el Museo Nacional de Arte Decorativo. Actualmente, su práctica artística profundiza en el cruce entre la artesanía y el diseño contemporáneo, rescatando el valor de los objetos.

Curaduría: Francisco Pourtalé
Producción y montaje: Florencia Murace
Modelos performers: Ailén y Lucía Guevara

Agradecimientos: A mi familia, amigos y vecinos, profesores y colegas de la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la UBA, Carlos Ríos, a mi maestra Jimena Ríos y compañeras de Taller Eloi y Casa Berelsonas.

 

 

/por

Acto Entrega del Título Doctor Honoris Causa a César Paternosto

Viernes 20.03.26 a las 14:00h
Sede Central de la Facultad de Artes
Diagonal 78 nº 680, La Plata

 

La Universidad Nacional de La Plata, a través de la Facultad de Artes, otorgará al artista César Paternosto el título de Doctor Honoris Causa, en reconocimiento a su extraordinaria trayectoria y a su aporte decisivo al arte argentino y latinoamericano. La distinción reviste, además, un sentido especial para la UNLP, ya que Paternosto nació en La Plata y realizó en esta casa de estudios una parte fundamental de su formación: cursó allí sus estudios y encontró algunas de las experiencias formativas decisivas para el desarrollo de su obra y de su pensamiento. Figura central de la abstracción contemporánea, Paternosto renovó la tradición geométrica a partir de una profunda reflexión sobre el color, la forma y el espacio, en diálogo con las tradiciones visuales de la América antigua. Su obra, su producción teórica y su labor curatorial han alcanzado una amplia proyección internacional, consolidando un legado fundamental para el pensamiento artístico de la región.

/por

Exposición. Un zumbido debajo del aire. Muestra de Banda MANGLAR
Curaduría: Andrés Labaké

Inauguración: jueves 11.12.2025
19:00h
Sala A

 

Artistas participantes: Agustino Mercado / Antonio Zucherino / Carina López Winschel / Delfina Ezkenazi / Glenda Areco / Inés Felici / Josefo Vazquez / Marianela Fidalgo / Marina Ercole / Roberto Bernasconi / Santiago Crespo / Sofia Abt / Surai Campo.

Curaduría: Andrés Labaké. Coordinador del Programa MANGLAR de análisis y producción en artes visuales.

 

MANGLAR es un espacio de análisis, investigación y producción en arte contemporáneo. Un laboratorio experimental de construcción crítica de pensamiento, poética, ética, discurso y subjetividades alternativas, que puedan potenciar y enriquecer los procesos y prácticas; diversificarlos, articular fugas y desplazamientos. Realiza Programas de formación y muestras

Coordinación general: Andrés Labaké.

Exposiciones realizadas y presentadas por MANGLAR Artes Visuales en los últimos tres años, de 2022 a 2024:

– Nada privado. Curador Andrés Labaké. Muestra colectiva, artistas participantes: Agustina Puricelli / Agustino Mercado / Ailín Moreno Azul van Peborgh / Carolina Kindsvater / Hans Petersen Cristiani / Joaquín Harris / Roberto Bernasconi / Victoria Boulay – Acéfala Galería, Buenos Aires, noviembre 2024.

– Atmósfera eléctrica. Curadores Andrés Labaké y Micaela Tártara. Muestra colectiva, artistas participantes: Carelyn Mejías / Celina Huergo / Freya Gomez Bosch / Lala Lumi / Laura Zingariello / Marianela Fidalgo / Paloma Demasi / Pola Amengual / Santiago Crespo / Guido Romero. Acéfala Galería, Buenos Aires, diciembre 2024.

– Nada de todo eso. Curador Andrés Labaké. Muestra colectiva, artistas participantes: cali salleras / Delfina Eskenazi / Ezequiel Chiodi / Felipe Ballarena / Joaquín Wall / Sofía Gallinal Cassarotti. Galería Ramos Generales, La Plata. Argentina, noviembre 2024.

– Beso todo lo que encuentro. Curadores Andrés Labaké y Guadalupe Baliño. Muestra colectiva, artistas participantes: Agustina Perelló (Guxta) / Elizabeth Débora Domínguez (Ely DD) / Leandro Mosco / Lucila Sancineti / Matías Quintana / Pablo Pérez Torres / Paloma Catalá del Río. Galería Jacques Martínez, San Isidro, Argentina, octubre 2024.

– Al ritmo de una mirada asfixiada. Curador Andrés Labaké. Muestra colectiva, artistas participantes: Luana Cabra / Pola Cadenas / Regina Igarzabal / Rodrigo Barrionuevo / Surai Campo. Galería Ramos Generales, La Plata, Argentina, noviembre-diciembre 2024.

– Algo muerde mi cara. Curador Andrés Labaké. Muestra colectiva, artistas participantes: Ezequiel Herrera / Florapa / Giselle Pissoni / Lupita Baliño / Mariana Sanguinetti / Nayla Zarba / Sofía Canteli. Galería Jacques Martínez, San Isidro, Argentina, noviembre 2024.

– Hay algo del otro lado. Curadores Bárbara Echeverría y Andrés Labaké. Muestra colectiva, artistas participantes: Cata Vega / Delia Hou / Diana Grieco / Foguel / Franca Barone/ Leo Sánchez / Natheim / Nayla Zarba / Paula Teller / Roma Vaquero Díaz. Acéfala Galería, Buenos Aires, diciembre 2023.

– Aquello que no debería estar aquí. Curadores Bárbara Echeverría y Andrés Labaké. Muestra colectiva, artistas participantes: Abril Benítez / Agus Chalupowicz / Agustina Fuster / Guxta / Glenda Areco / Ivana Salemi / Mariano Goto / Pablo Pérez Torres / Paula Proaño Mesías / Sofía Abt. Acéfala Galería, Buenos Aires, diciembre 2023.

– Alguna extraña razón. Curador Andrés Labaké. Muestra colectiva, artistas participantes: Bárbara De Cicco / Gilda Lorenti / Juan Manuel Lara / Julia Oliva Torre / Leandro Mosco / Paloma Catalá Del Río / Victoria Loos. Galería Ramos Generales, La Plata, Argentina, noviembre 2023.

– Eso que me seduce está en otro lugar. Curador Andrés Labaké. Muestra colectiva, artistas participantes: Ezequiel Herrera / Lucila Ortega / Matías Quintana / Pilar Cuevas / Sofía Zaslascky / Solange Urrels. Galería Ramos Generales, La Plata, Argentina, diciembre 2023.

– Afuera hay libélulas que muerden. Curadores: Bárbara Echevarría, Andrés Labaké y Lupita Baliño.  Muestra colectiva, artistas participantes: Agostina Gris / Caro Linera / Ceci Villafagne / Diana Teira / Lucía Carrera / Mía Zavalia / Renata Di Paolo / Sofía Canteli. Acéfala Galería, Buenos Aires, noviembre 2022.

– Suspensiones y otros absurdos esfuerzos. Curadores: Bárbara Echevarría, Andrés Labaké y Lupita Baliño.  Muestra colectiva, artistas participantes: Camila Pozner / Faktor – Facundo Suasnabar / florapa / Lucila Cribari / Magdalena Mignone / Mariela Paz Izurieta / Pamela Kasman. Acéfala Galería, Buenos Aires, noviembre 2022.

– Pasar entre la gente que baila también es bailar. Curador Andrés Labaké y Lu Polcowñuk. Muestra colectiva, artistas participantes: Juliana Celle / Leticia Barbeito / Mariana Rodríguez Ávila / Mariana Sanguinetti / Marina Villanueva / Valentina Rivas Robles / Valentín Asprella. Galería Ramos Generales, La Plata, Argentina, noviembre 2022.

– En una línea punteada. Curadores Andrés Labaké y Lu Polcowñuk. Muestra colectiva, artistas participantes:  Anuk / Florencia Sanguineti / Laura Pires / Maite Uribarri / Mariana Colli / Nicolás Pérez / Paula Alonso. Galería Ramos Generales, La Plata, Argentina, diciembre 2022.

 

Programas anuales de análisis y producción en Artes Visuales realizados:

– MANGLAR en Acéfala, presencial en Buenos Aires, 2020, 2021, 2022, 2023, 2024 y 2025
– MANGLAR en Ramos, presencial en La Plata, 2022, 2023 y 2024
– MANGLAR EN Ruda, presencial en La Plata, 2018,2019, 2020 y 2021
– MANGLAR Virtual, programa online. 2020, 2021, 2022, 2023, 2024 y 2025
– Banda MANGLAR, programa presencial 2° nivel, en Buenos Aires, 2024 y 2025

 

 

/por

Exposición. La piel del color. Ana Casanova
Curaduría: Lucía Delfino

Del 15.11.25 al 20.12.25
Vidriera Bicentenario

 

Ana se posiciona principalmente como pintora, pero considero que sería igual de correcto llamarla investigadora. Bajo los efectos de poder que ejerce un color sobre un cuerpo, Ana pareciera preguntarse cuántas superficies pueden adoptarlo y de qué manera lo hacen. Si en su definición más ínfima la pintura se reduce a formas y colores sobre una superficie, ¿cuál es el gesto mínimo que la habilita? Sus pinturas son algunas respuestas. La unión de diferentes colores impresos, plenos, como una piel uniforme y prolija en el bastidor, son marcados sutilmente con trazos de óleo pastel, como huellas o firma de quien trabaja minuciosamente sobre ellos. Otros papeles pintados abrazan el leve gesto de la pincelada depositada en ellos. Bolsas de arpillera de plástico pintadas al óleo se ensamblan como módulos de otra piel, como en un zoom puedo ver los poros, la trama, donde no hay pincelada y el color se desparrama en una densidad distinta.
En una repetición rectangular las pinturas parecieran rimar periféricamente con la arquitectura de la sala, pero con una calidez desconocida para el espacio. Suspendidas del techo vamos recorriendo las preguntas, las investigaciones, que como un eco se repiten pero se escuchan siempre distinto.

Lucia Delfino

 

Las pinceladas de Ana

“Una gota de agua poderosa basta para crear un mundo y para disolver la noche” dice Gastón Bachelard. Pienso en esta frase cada vez que Ana Casanova me muestra su obra y me hace testigo de su pincelada insistente cargada de líquido, tendiendo siempre hacia el horizonte, como el agua.
El pincel acaricia el papel como si fuera el lomo de un animal querido. El pastel da puntadas y toma apuntes sobre los campos de color y va dejando escritas pistas asémicas, recordatorios del encuentro entre el papel y la tela. Las bolsas de rafia no contienen, por el contrario, se sueltan, se desnudan y dejan ver que ya son tela y pintura al mismo tiempo, como una piel expuesta a la luz del sol: la piel del color.
Un paisaje de sol cuadrado, una danza de restos de papeles flotantes, el equilibrio inestable de las formas apenas sostenidas en su lugar por el trazo del pastel, horizontes aprendidos de memoria. Caricias, rasgaduras, movimiento, cortes. Papeles que parecieran estar en búsqueda de un equilibrio que saben que es efímero. Colores que al tocarse parecen emitir sonidos y con su vibración sostienen delicadamente la materia en frente de nuestros ojos sin dejarla caer. Todas formas de mundos que emergen de la intensa tarea diplomática que Ana practica diariamente en su taller para que papeles, telas, agua, óleos, rafia y pigmentos conversen entre sí y se dejen tocar por nuestra mirada.
Ana reconoce una especie de correspondencia ontológica entre esos papeles pintados que vuelan bajo sus tijeras y el sonido que emiten las copas de los árboles rozadas por el viento que la acompañan desde la ventana del taller; entre las bolsas pintadas y el paisaje rural del sur de la Provincia de Buenos Aires. Una correspondencia que ella no busca sino a la que más bien se entrega como destino. Este es el origen de sus pinceladas. Gracias a sus obras, sabemos dónde comienzan, vemos dónde se van posando, pero –por suerte– no nos dejan ver dónde terminan y así nos invitan a seguirlas.

Claudia Fontes
Brighton, Octubre de 2025

 

Agradecimientos: Claudia Fontes, Elba Bairon, Mónica Millan, Jorge Sarsale, María López, Ricardo Eliçabe y Lucia Delfino.

 

Curaduría: Lucía Delfino
Coordinación de producción y montaje: Santiago Martínez
Montajistas: Florencia Murace, Vanina Policano y Fermín Filiberto
Diseño y comunicación: Diego Ibañez Roka, Pablo Tesone e Inés Ward

 

Ana Casanova vive y trabaja en Buenos Aires. Su práctica artística se centra en la pintura como campo de experimentación, explorando la abstracción a través del gesto, el color y la fragilidad, en una búsqueda de experiencias sensibles que se despliegan en el tiempo. Se formó en la Escuela de Bellas Artes y en la Universidad Nacional de las Artes (UNA), y amplió su formación en talleres con Tulio de Sagastizábal, Diana Aisemberg, Eduardo Stupía, Fabián Burgos y María Gainza. En 2013 realizó una residencia en Le 19 CRAC, Centro Regional de Arte Contemporáneo de Montbeliard, Francia. Obtuvo becas del Fondo Nacional de las Artes en 2000, 2021 y 2022, y entre 2006 y 2011 coordinó el proyecto Mediomundo junto a Irene Banchero y Rocío Pérez Armendáriz. Expuso en espacios como Galería Alejandro Bustillo, Casa Bolívar, El Cultural San Martín, Galería Van Riel, CC Borges y el Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca, entre otros. Participó además en muestras colectivas en Argentina y Francia, con curadurías de Philippe Cyroulnik, Sonia Becce y C. Schiavi. Sus obras integran colecciones públicas y privadas en ambos países. Fue distinguida en el Salón Nacional de Tucumán (Premio Estímulo, 2024), el Salón Félix Amador, el Salón Manuel Belgrano, el Museo Caraffa, el Banco Central (MNBA) y otros certámenes nacionales.

 

/por

Exposición. Una casa es una casa. Elena Blasco
Curaduría: Natalia Giglietti

Del 15.11.25 al 6.12.25
Sala C y D

 

“¿A quién le importa tu pintura? ¿A quién le importa tu placer?”, le dijo un crítico hace años, en su taller.
El comentario quedó suspendido, mientras conversaban, preocupadas por los toallones que no se secaban.

Si a nadie le importaba su pintura ni su placer, a ella sí.
Pintar se reafirmó como un acto político:
una manera de sostener el deseo en un sistema que lo desestima.

En cada capa de óleo
Elena encontró un gesto que habita un tiempo propio,
que resiste al del rendimiento.

Su pintura simula transparencia, pero es opaca;
no traduce un referente: devuelve la pregunta.

Una casa es una casa no habla de una casa.
La casa es un ser poético.
No representa: acontece.
No describe: produce una totalidad intermitente.

Elena no pinta con óleo: pinta al óleo.
Se deja llevar por su espesor, por su lentitud, por su brillo opaco.
Pinta al material, reconociendo su agencia.

Parte de mediaciones y convicciones:
el celular como herramienta, la toma fotográfica como boceto,
la pintura como forma de desfigurar.

Las más de veinte pinturas que componen la instalación, realizadas entre 2017 y 2025,
configuran un universo doméstico entre el sueño y la vigilia.
Las escenas despobladas titilan entre la certeza y el enigma.
Elena trabaja en esa atmósfera, con esa sutileza.

En el espacio, las pinturas se expanden,
se imbrican, se prolongan más allá de sus límites físicos.
El recorrido no es lineal:
como el deseo, necesita circular.

En Una casa es una casa, los detalles importan.
Más que evidenciar cómo se forma una casa,
invitan a vivenciar su artificio:
cómo crece, cómo sueña,
de qué está hecha,
quiénes la habitan.

 

Curaduría: Natalia Giglietti
Diseño de iluminación: Francisco Pourtalé
Coordinación de producción y montaje: Santiago Martínez
Montajistas: Florencia Murace, Vanina Policano y Fermín Filiberto
Diseño y comunicación: Diego Ibañez Roka, Pablo Tesone e Inés Ward

 

Elena Blasco (Rosario, 1964) es artista visual y docente. Estudió en las escuelas Nacionales de Arte Pueyrredón y Cárcova y se formó en arte contemporáneo con referentes como Graciela Sacco, Jorge López Anaya, Claudia Laudanno y Lucas Fragasso. Realizó clínica de obra en Clínica Vecino–Burgos y Proyecto PAC. Actualmente coordina su taller en Buenos Aires y codirige la editorial de poesía visual independiente 1de1 Editora. Fue residente en La Rural (Tucumán, 2018) y obtuvo becas del Fondo Nacional de las Artes (FNA) en 2020, 2021 y 2022. En 2024 integró jurados del Salón Provincial de La Pampa y de las Becas a la Creación del FNA. Exhibió en el Salón Manuel Belgrano, UADE, Salón Nacional de Tucumán, OSDE, SNAV, entre otros. Participó en exposiciones en Museo Sívori, Fundación OSDE, CCK, Museo Rosa Galisteo, Museo T. Navarro, Museo Caraffa. En 2018 ganó el Primer Premio Nacional de Pintura, en 2021 el segundo premio en UADE y en 2024 el 2do premio del salón Manuel Belgrano. Ha sido parte de muestras colectivas e individuales en museos, premios y fundaciones del país desde 1992. Su obra se inscribe en el cruce entre paisaje contemporáneo, autobiografía y lo simbólico.

/por