Inauguración: jueves 11.12.2025
19:00h
Sala A
Artistas participantes: Agustino Mercado / Antonio Zucherino / Carina López Winschel / Delfina Ezkenazi / Glenda Areco / Inés Felici / Josefo Vazquez / Marianela Fidalgo / Marina Ercole / Roberto Bernasconi / Santiago Crespo / Sofia Abt / Surai Campo.
Curaduría: Andrés Labaké. Coordinador del Programa MANGLAR de análisis y producción en artes visuales.
MANGLAR es un espacio de análisis, investigación y producción en arte contemporáneo. Un laboratorio experimental de construcción crítica de pensamiento, poética, ética, discurso y subjetividades alternativas, que puedan potenciar y enriquecer los procesos y prácticas; diversificarlos, articular fugas y desplazamientos. Realiza Programas de formación y muestras
Coordinación general: Andrés Labaké.
Exposiciones realizadas y presentadas por MANGLAR Artes Visuales en los últimos tres años, de 2022 a 2024:
– Nada privado. Curador Andrés Labaké. Muestra colectiva, artistas participantes: Agustina Puricelli / Agustino Mercado / Ailín Moreno Azul van Peborgh / Carolina Kindsvater / Hans Petersen Cristiani / Joaquín Harris / Roberto Bernasconi / Victoria Boulay – Acéfala Galería, Buenos Aires, noviembre 2024.
– Atmósfera eléctrica. Curadores Andrés Labaké y Micaela Tártara. Muestra colectiva, artistas participantes: Carelyn Mejías / Celina Huergo / Freya Gomez Bosch / Lala Lumi / Laura Zingariello / Marianela Fidalgo / Paloma Demasi / Pola Amengual / Santiago Crespo / Guido Romero. Acéfala Galería, Buenos Aires, diciembre 2024.
– Nada de todo eso. Curador Andrés Labaké. Muestra colectiva, artistas participantes: cali salleras / Delfina Eskenazi / Ezequiel Chiodi / Felipe Ballarena / Joaquín Wall / Sofía Gallinal Cassarotti. Galería Ramos Generales, La Plata. Argentina, noviembre 2024.
– Beso todo lo que encuentro. Curadores Andrés Labaké y Guadalupe Baliño. Muestra colectiva, artistas participantes: Agustina Perelló (Guxta) / Elizabeth Débora Domínguez (Ely DD) / Leandro Mosco / Lucila Sancineti / Matías Quintana / Pablo Pérez Torres / Paloma Catalá del Río. Galería Jacques Martínez, San Isidro, Argentina, octubre 2024.
– Al ritmo de una mirada asfixiada. Curador Andrés Labaké. Muestra colectiva, artistas participantes: Luana Cabra / Pola Cadenas / Regina Igarzabal / Rodrigo Barrionuevo / Surai Campo. Galería Ramos Generales, La Plata, Argentina, noviembre-diciembre 2024.
– Algo muerde mi cara. Curador Andrés Labaké. Muestra colectiva, artistas participantes: Ezequiel Herrera / Florapa / Giselle Pissoni / Lupita Baliño / Mariana Sanguinetti / Nayla Zarba / Sofía Canteli. Galería Jacques Martínez, San Isidro, Argentina, noviembre 2024.
– Hay algo del otro lado. Curadores Bárbara Echeverría y Andrés Labaké. Muestra colectiva, artistas participantes: Cata Vega / Delia Hou / Diana Grieco / Foguel / Franca Barone/ Leo Sánchez / Natheim / Nayla Zarba / Paula Teller / Roma Vaquero Díaz. Acéfala Galería, Buenos Aires, diciembre 2023.
– Aquello que no debería estar aquí. Curadores Bárbara Echeverría y Andrés Labaké. Muestra colectiva, artistas participantes: Abril Benítez / Agus Chalupowicz / Agustina Fuster / Guxta / Glenda Areco / Ivana Salemi / Mariano Goto / Pablo Pérez Torres / Paula Proaño Mesías / Sofía Abt. Acéfala Galería, Buenos Aires, diciembre 2023.
– Alguna extraña razón. Curador Andrés Labaké. Muestra colectiva, artistas participantes: Bárbara De Cicco / Gilda Lorenti / Juan Manuel Lara / Julia Oliva Torre / Leandro Mosco / Paloma Catalá Del Río / Victoria Loos. Galería Ramos Generales, La Plata, Argentina, noviembre 2023.
– Eso que me seduce está en otro lugar. Curador Andrés Labaké. Muestra colectiva, artistas participantes: Ezequiel Herrera / Lucila Ortega / Matías Quintana / Pilar Cuevas / Sofía Zaslascky / Solange Urrels. Galería Ramos Generales, La Plata, Argentina, diciembre 2023.
– Afuera hay libélulas que muerden. Curadores: Bárbara Echevarría, Andrés Labaké y Lupita Baliño. Muestra colectiva, artistas participantes: Agostina Gris / Caro Linera / Ceci Villafagne / Diana Teira / Lucía Carrera / Mía Zavalia / Renata Di Paolo / Sofía Canteli. Acéfala Galería, Buenos Aires, noviembre 2022.
– Suspensiones y otros absurdos esfuerzos. Curadores: Bárbara Echevarría, Andrés Labaké y Lupita Baliño. Muestra colectiva, artistas participantes: Camila Pozner / Faktor – Facundo Suasnabar / florapa / Lucila Cribari / Magdalena Mignone / Mariela Paz Izurieta / Pamela Kasman. Acéfala Galería, Buenos Aires, noviembre 2022.
– Pasar entre la gente que baila también es bailar. Curador Andrés Labaké y Lu Polcowñuk. Muestra colectiva, artistas participantes: Juliana Celle / Leticia Barbeito / Mariana Rodríguez Ávila / Mariana Sanguinetti / Marina Villanueva / Valentina Rivas Robles / Valentín Asprella. Galería Ramos Generales, La Plata, Argentina, noviembre 2022.
– En una línea punteada. Curadores Andrés Labaké y Lu Polcowñuk. Muestra colectiva, artistas participantes: Anuk / Florencia Sanguineti / Laura Pires / Maite Uribarri / Mariana Colli / Nicolás Pérez / Paula Alonso. Galería Ramos Generales, La Plata, Argentina, diciembre 2022.
Programas anuales de análisis y producción en Artes Visuales realizados:
– MANGLAR en Acéfala, presencial en Buenos Aires, 2020, 2021, 2022, 2023, 2024 y 2025
– MANGLAR en Ramos, presencial en La Plata, 2022, 2023 y 2024
– MANGLAR EN Ruda, presencial en La Plata, 2018,2019, 2020 y 2021
– MANGLAR Virtual, programa online. 2020, 2021, 2022, 2023, 2024 y 2025
– Banda MANGLAR, programa presencial 2° nivel, en Buenos Aires, 2024 y 2025
Curaduría: Andrés Labaké
Del 15.11.25 al 20.12.25
Vidriera Bicentenario
Ana se posiciona principalmente como pintora, pero considero que sería igual de correcto llamarla investigadora. Bajo los efectos de poder que ejerce un color sobre un cuerpo, Ana pareciera preguntarse cuántas superficies pueden adoptarlo y de qué manera lo hacen. Si en su definición más ínfima la pintura se reduce a formas y colores sobre una superficie, ¿cuál es el gesto mínimo que la habilita? Sus pinturas son algunas respuestas. La unión de diferentes colores impresos, plenos, como una piel uniforme y prolija en el bastidor, son marcados sutilmente con trazos de óleo pastel, como huellas o firma de quien trabaja minuciosamente sobre ellos. Otros papeles pintados abrazan el leve gesto de la pincelada depositada en ellos. Bolsas de arpillera de plástico pintadas al óleo se ensamblan como módulos de otra piel, como en un zoom puedo ver los poros, la trama, donde no hay pincelada y el color se desparrama en una densidad distinta.
En una repetición rectangular las pinturas parecieran rimar periféricamente con la arquitectura de la sala, pero con una calidez desconocida para el espacio. Suspendidas del techo vamos recorriendo las preguntas, las investigaciones, que como un eco se repiten pero se escuchan siempre distinto.
Lucia Delfino
Las pinceladas de Ana
“Una gota de agua poderosa basta para crear un mundo y para disolver la noche” dice Gastón Bachelard. Pienso en esta frase cada vez que Ana Casanova me muestra su obra y me hace testigo de su pincelada insistente cargada de líquido, tendiendo siempre hacia el horizonte, como el agua.
El pincel acaricia el papel como si fuera el lomo de un animal querido. El pastel da puntadas y toma apuntes sobre los campos de color y va dejando escritas pistas asémicas, recordatorios del encuentro entre el papel y la tela. Las bolsas de rafia no contienen, por el contrario, se sueltan, se desnudan y dejan ver que ya son tela y pintura al mismo tiempo, como una piel expuesta a la luz del sol: la piel del color.
Un paisaje de sol cuadrado, una danza de restos de papeles flotantes, el equilibrio inestable de las formas apenas sostenidas en su lugar por el trazo del pastel, horizontes aprendidos de memoria. Caricias, rasgaduras, movimiento, cortes. Papeles que parecieran estar en búsqueda de un equilibrio que saben que es efímero. Colores que al tocarse parecen emitir sonidos y con su vibración sostienen delicadamente la materia en frente de nuestros ojos sin dejarla caer. Todas formas de mundos que emergen de la intensa tarea diplomática que Ana practica diariamente en su taller para que papeles, telas, agua, óleos, rafia y pigmentos conversen entre sí y se dejen tocar por nuestra mirada.
Ana reconoce una especie de correspondencia ontológica entre esos papeles pintados que vuelan bajo sus tijeras y el sonido que emiten las copas de los árboles rozadas por el viento que la acompañan desde la ventana del taller; entre las bolsas pintadas y el paisaje rural del sur de la Provincia de Buenos Aires. Una correspondencia que ella no busca sino a la que más bien se entrega como destino. Este es el origen de sus pinceladas. Gracias a sus obras, sabemos dónde comienzan, vemos dónde se van posando, pero –por suerte– no nos dejan ver dónde terminan y así nos invitan a seguirlas.
Claudia Fontes
Brighton, Octubre de 2025
Agradecimientos: Claudia Fontes, Elba Bairon, Mónica Millan, Jorge Sarsale, María López, Ricardo Eliçabe y Lucia Delfino.
Curaduría: Lucía Delfino
Coordinación de producción y montaje: Santiago Martínez
Montajistas: Florencia Murace, Vanina Policano y Fermín Filiberto
Diseño y comunicación: Diego Ibañez Roka, Pablo Tesone e Inés Ward
Ana Casanova vive y trabaja en Buenos Aires. Su práctica artística se centra en la pintura como campo de experimentación, explorando la abstracción a través del gesto, el color y la fragilidad, en una búsqueda de experiencias sensibles que se despliegan en el tiempo. Se formó en la Escuela de Bellas Artes y en la Universidad Nacional de las Artes (UNA), y amplió su formación en talleres con Tulio de Sagastizábal, Diana Aisemberg, Eduardo Stupía, Fabián Burgos y María Gainza. En 2013 realizó una residencia en Le 19 CRAC, Centro Regional de Arte Contemporáneo de Montbeliard, Francia. Obtuvo becas del Fondo Nacional de las Artes en 2000, 2021 y 2022, y entre 2006 y 2011 coordinó el proyecto Mediomundo junto a Irene Banchero y Rocío Pérez Armendáriz. Expuso en espacios como Galería Alejandro Bustillo, Casa Bolívar, El Cultural San Martín, Galería Van Riel, CC Borges y el Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca, entre otros. Participó además en muestras colectivas en Argentina y Francia, con curadurías de Philippe Cyroulnik, Sonia Becce y C. Schiavi. Sus obras integran colecciones públicas y privadas en ambos países. Fue distinguida en el Salón Nacional de Tucumán (Premio Estímulo, 2024), el Salón Félix Amador, el Salón Manuel Belgrano, el Museo Caraffa, el Banco Central (MNBA) y otros certámenes nacionales.
Curaduría: Lucía Delfino
Del 15.11.25 al 6.12.25
Sala C y D
“¿A quién le importa tu pintura? ¿A quién le importa tu placer?”, le dijo un crítico hace años, en su taller.
El comentario quedó suspendido, mientras conversaban, preocupadas por los toallones que no se secaban.
Si a nadie le importaba su pintura ni su placer, a ella sí.
Pintar se reafirmó como un acto político:
una manera de sostener el deseo en un sistema que lo desestima.
En cada capa de óleo
Elena encontró un gesto que habita un tiempo propio,
que resiste al del rendimiento.
Su pintura simula transparencia, pero es opaca;
no traduce un referente: devuelve la pregunta.
Una casa es una casa no habla de una casa.
La casa es un ser poético.
No representa: acontece.
No describe: produce una totalidad intermitente.
Elena no pinta con óleo: pinta al óleo.
Se deja llevar por su espesor, por su lentitud, por su brillo opaco.
Pinta al material, reconociendo su agencia.
Parte de mediaciones y convicciones:
el celular como herramienta, la toma fotográfica como boceto,
la pintura como forma de desfigurar.
Las más de veinte pinturas que componen la instalación, realizadas entre 2017 y 2025,
configuran un universo doméstico entre el sueño y la vigilia.
Las escenas despobladas titilan entre la certeza y el enigma.
Elena trabaja en esa atmósfera, con esa sutileza.
En el espacio, las pinturas se expanden,
se imbrican, se prolongan más allá de sus límites físicos.
El recorrido no es lineal:
como el deseo, necesita circular.
En Una casa es una casa, los detalles importan.
Más que evidenciar cómo se forma una casa,
invitan a vivenciar su artificio:
cómo crece, cómo sueña,
de qué está hecha,
quiénes la habitan.
Curaduría: Natalia Giglietti
Diseño de iluminación: Francisco Pourtalé
Coordinación de producción y montaje: Santiago Martínez
Montajistas: Florencia Murace, Vanina Policano y Fermín Filiberto
Diseño y comunicación: Diego Ibañez Roka, Pablo Tesone e Inés Ward
Elena Blasco (Rosario, 1964) es artista visual y docente. Estudió en las escuelas Nacionales de Arte Pueyrredón y Cárcova y se formó en arte contemporáneo con referentes como Graciela Sacco, Jorge López Anaya, Claudia Laudanno y Lucas Fragasso. Realizó clínica de obra en Clínica Vecino–Burgos y Proyecto PAC. Actualmente coordina su taller en Buenos Aires y codirige la editorial de poesía visual independiente 1de1 Editora. Fue residente en La Rural (Tucumán, 2018) y obtuvo becas del Fondo Nacional de las Artes (FNA) en 2020, 2021 y 2022. En 2024 integró jurados del Salón Provincial de La Pampa y de las Becas a la Creación del FNA. Exhibió en el Salón Manuel Belgrano, UADE, Salón Nacional de Tucumán, OSDE, SNAV, entre otros. Participó en exposiciones en Museo Sívori, Fundación OSDE, CCK, Museo Rosa Galisteo, Museo T. Navarro, Museo Caraffa. En 2018 ganó el Primer Premio Nacional de Pintura, en 2021 el segundo premio en UADE y en 2024 el 2do premio del salón Manuel Belgrano. Ha sido parte de muestras colectivas e individuales en museos, premios y fundaciones del país desde 1992. Su obra se inscribe en el cruce entre paisaje contemporáneo, autobiografía y lo simbólico.
Curaduría: Natalia Giglietti
Del 15.11.25 al 20.12.25
Inauguración: Sábado 15.11.25 a las 18:00h
Sala B y vidriera
“La poesía es un hecho que sucede en el mundo exterior […] porque el arte no es un elemento discursivo sino una manera de vivir”. En 1966, desde La Plata, en un breve manifiesto que acompañó la circulación de sus poemas fonéticos pop en la revista experimental Diagonal Cero, Luis Pazos ponía en funcionamiento una máquina performativa que sacudía a la poesía de sus formatos y circuitos institucionalizados y anunciaba su desbordamiento en modos de acción múltiples que la (des)ubicaban en los cuerpos y en la calle. Para Pazos, no se trataba solo de acercar el arte a la vida mediante la mera extensión de sus límites, sino de invadir el espacio del arte con la vida, en un gesto que llamaba a confundir ambos territorios, hasta volverlos indistinguibles. Arlequín pop, fabricante de modos de vida, coleccionista de ruidos y onomatopeyas, integrante e impulsor de colectivos como el Movimiento Diagonal Cero, el Grupo de Experiencias Estéticas y Escombros, Pazos mezcló revoltosamente el ready-made y el supermercado, la cultura popular y el happening, la ciudad y sus márgenes. Fueron sostenidos sus intercambios con Juan José “Chispa” Esteves, Jorge de Luján Gutiérrez, Mario “Quico” García, Héctor “Rayo” Puppo, Juan Carlos Romero y Edgardo Antonio Vigo. Su poesía vital, callejera y plebeya, fue una forma de mirar e interpelar el mundo para transformarlo desde la invención colectiva de nuevos espacios creativos, una posición estratégica para afectarlo (y afectarse), un modo de reinventar lo común en la alegre inconformidad del disparate, un arte del acontecimiento.
Fernando Davis
Curaduría: Fernando Davis
Sábados 22 y 29 de noviembre y 6 de diciembre
De 17:00 a 19:30h
Inscripción: https://forms.gle/qEg9Qf1hwE47KYTb7
Duración: 3 encuentros de 2h 30m.
Orientado a estudiantes de arte, artistas y exploradores
No se requiere ningún nivel ni experiencia para participar
Entre la terapia y la creación, entre lo vivido y lo imaginado, entre el sueño y la vigilia, entre mis yoes y los tuyos: ahí, en esa maraña de percepciones y expresiones, tiraremos el ancla para abordar nuestra exploración.
A lo largo de tres encuentros ensayaremos ejercicios de imaginación, escucha, telepatía y personificación, dando cuerpo a fuerzas, entidades y aspectos invisibles que habitan nuestro entorno. Las prácticas serán tanto individuales como colectivas y buscarán abrir otras versiones de lo conocido, invocar presencias y ensayar ficciones.
Tomaremos como guía las lecturas de James Hillman, que despiertan la imaginación del alma; las ideas de Alexis Pauline Gumbs, que invitan a identificarse con formas de existencia no-humanas; y los ejercicios corporales inspirados en Lisa Nelson, donde el movimiento surge de la escucha atenta y de la relación con los cuerpos y el espacio compartido. Estas referencias acompañarán nuestra práctica a través del dibujo, la meditación, el movimiento físico y la deriva por el barrio, convirtiéndose en guía y sostén para la navegación.
Florencia Rodríguez Giles (Buenos Aires) es artista visual y codirectora del club CAOs, espacio dedicado a la investigación artística, pedagógica y comunitaria en torno al arte y la salud mental en La Plata, Buenos Aires, Argentina. Su trabajo explora los vínculos entre el arte contemporáneo y los procesos terapéuticos a través del dibujo, la instalación, el video, la performance y experiencias pedagógicas experimentales. Sus obras proponen nuevas formas de convivencia y de percepción sensible, tanto en instituciones de arte como en contextos no convencionales vinculados a la salud, la educación y la comunidad. Egresada de la Universidad Nacional de las Artes, se formó también con Nicola Costantino, en la clínica de Diana Aisenberg y en la Beca Kuitca / Universidad Torcuato Di Tella. Ha realizado residencias en instituciones como Cité Internationale des Arts (París), Le Magasin (Grenoble), Frac Lorraine (Metz), Arcus Project y AIT Arts Initiative Tokyo (Japón), Palm Heights (Islas Caimán) y Hablar en Arte (Madrid). Entre sus exposiciones y performances recientes se destacan Hipnofilia (Ruth Benzacar, 2024), Caoides (Galerie Bendana-Pinel, París, 2024), Sintomario (Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, 2022), EsquizoPicnic (Museo Reina Sofía, Madrid, 2018) y Séance Liminoïde (Palais de Tokyo, París, 2016). Su obra ha sido parte de exhibiciones colectivas en instituciones como la Bienal de Berlín, el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, el El Museo d’Arte Contemporanea Donnaregina (MADRE) de Napoles, el Instituto Tomie Ohtake de São Paulo y el Drawing Center de Nueva York. Fue reconocida con el Primer Premio Braque (2015) y el Primer Premio Federico Klemm (2019), y su trabajo forma parte de colecciones públicas y privadas en Argentina y el extranjero.
Viernes 28.11.25
18:00h
En el marco de la exposición Luis Pazos. Poesía vital, te invitamos a participar de una visita guiada a cargo del curador de la muestra, Fernando Davis.
«La poesía es un hecho que sucede en el mundo exterior […] porque el arte no es un elemento discursivo sino una manera de vivir».
No te pierdas esta oportunidad de descubrir más sobre la vida y la obra de Luis Pazos. Duración estimada: 45 min.
Imagen: Tansy Xiao, The Linguistic Errantry, 2022
BIENALSUR – Fragmentos de un presente a la deriva
Desde el 16.08.2025 hasta el 08.11.2025
Inauguración: Sábado 16 de agosto a las 17:00h
En 1932, Aldous Huxley publica Un mundо feliz, una novela de ficción que imagina una distopía donde cada persona acepta su lugar en una sociedad de castas y de alta tecnología, en la que las emociones se regulan mediante drogas.
Para alcanzar ese “mundo feliz” se elimina la familia, la diversidad cultural, el arte, la literatura, la religión, la filosofía y el amor.
Irónica y descarnadamente Huxley construye un horizonte contrario a la utopía, que anticipa otras representaciones de futuros indeseables, como 1984 de George Orwell, Fahrenheit 451 de Ray Bradbury o, la más reciente, Blade Runner de Ridley Scott.
Deshumanización, gobiernos tiránicos, desastres ambientales y guerras brutales se suceden en estos relatos de ficción que, curiosamente, hoy nos parecen menos lejanos. Es que esos imaginarios contaminan lo cotidiano y nos sitúan en la paradoja de tener que defender principios y valores que hasta hace poco parecían indiscutibles.
En este contexto, el arte se convierte en un reservorio. A veces para denunciar, otras para volver a imaginar. Frente al desconcierto, el arte insiste en la pregunta por la utopía: ¿cómo sostener el deseo de un mundo por venir?
BIENALSUR – Km: 52
Centro de Arte de la Universidad de La Plata
Calle 48 Nº 575 entre 6 y 7
La Plata, Argentina
Artista(s):
José Luis Miralles (ARG)
Tina Willgren (SWE)
Florencia Levy (ARG)
Alejandro Argüelles (ARG)
Tansy Xiao (USA-CHN)
Facundo Belén (ARG)
Marcelo Burgos (ARG-ESP)
Eva Moro Cafiero (ARG)
Yaya Firpo (ARG)
Mariano Giraud (ARG)
Indira Montoya (ARG)
Andrés Pasinovich (ARG)
Curaduría:
BIENALSUR, Florencia Battiti (ARG)
BIENALSUR, Fernando Farina (ARG)
Eje: Distopías Utopías
Tipo(s): Exposición
Sábado 11.10.25
18:00h
Ágape es una propuesta performática de XLX que transforma el espacio escénico en un territorio de tensión, identidad y gestualidad, rompiendo con el estándar procesional de la moda. A diferencia de los desfiles tradicionales, aquí el vestuario cobra vida, integrándose en una experiencia inmersiva donde los cuerpos interactúan en un constante estado de permanencia y huida, evocando conflictos sociales y familiares.
A partir de los restos de colecciones previas, se gesta una nueva fusión textil que da origen a figuras híbridas, seres que responden a un tópico específico a través de un acto performático. Estas entidades atraviesan acciones cotidianas desde una perspectiva no convencional, sumergidas en una puesta en escena diseñada según las necesidades del proyecto. El espacio es afectado por su presencia, estableciendo un diálogo inevitable con el público.
El vestuario, elaborado con materiales reciclados, se convierte en una extensión del cuerpo y la memoria, explorando la tensión entre lo heredado y lo mutable. Cada personaje cuenta con biografía, coreografía y maquillaje, encarnando un proceso de metamorfosis continua donde la piel muta con la narrativa de la obra.
El sonido es parte esencial de la experiencia: un músico en escena genera un clima que amplifica los gestos y silencios, construyendo una atmósfera de tensión y transformación. La dirección guía la acción con una estructura flexible, permitiendo la improvisación y adaptación a la energía del momento, mientras que el registro fotográfico y audiovisual resignifica cada función como una pieza única en constante evolución.
En un contexto donde las identidades queer son cuestionadas, Ágape se erige como un acto de resistencia y reconstrucción, explorando la relación entre cuerpo, vestuario y sonido como un espacio de mutación, reapropiación y expresión colectiva.
Musicaliza Braulio Urbano
Inscripción
Para participar, completar el formulario disponible en la web del festival: https://festival.freezer.com.
La participación es gratuita
Cierre de la convocatoria: 17 de octubre de 2025
¿Quiénes pueden participar?
Editoriales independientes.
Colectivos y sellos fotográficos.
Artistas con publicaciones de autor.
Instituciones con proyectos editoriales vinculados a la fotografía.
Modalidad de participación
Cada participante contará con un espacio asignado de media tabla.
El Festival Internacional de Fotografía Freezer 2025 abre su convocatoria para participar en la Feria Editorial, que tendrá lugar los días 7 y 8 de noviembre en el Centro de Arte de la Universidad Nacional de La Plata (La Plata, Argentina), en el marco de la segunda edición del festival bajo el tema “Lo imposible”.
La Feria Editorial es un espacio de encuentro, visibilización y circulación de publicaciones vinculadas a la fotografía y la imagen impresa, reuniendo a fotógrafxs, artistas, editoriales independientes, colectivos fotográficos, proyectos autogestivos e instituciones. Durante dos jornadas, la feria busca consolidarse como un lugar de intercambio entre creadorxs y públicos, fomentando redes en el campo editorial y expandiendo las formas de pensar y producir imágenes en la región.
La feria se desarrollará durante ambas jornadas del festival, en simultáneo con charlas, exposiciones y talleres, favoreciendo la circulación de públicos, el 7 y 8 de noviembre de 15:00 a 19:00h.
La participación como feriante es libre y gratuita, con selección de proyectos por parte del festival debido a los cupos limitados.
7 y 8 de noviembre de 2025
Todas las charlas, exposiciones y la feria editorial son gratuitas.
Programación: ver aquí
EXPOSICIONES
Centro de Arte UNLP – Sala A
• Alephs — Juan Manuel Lara (Argentina) y Sheung Yiu (Hong Kong/Finlandia). Curaduría: Luciana Demichelis. Centro de Arte UNLP, con apoyo de la beca PAR.
• Fútbol — Rocío Ruscelli
• Lo imposible. I will stand your ground on days you can’t, de Shirin Abedi (Iran) — Exposición principal con un proyecto autoral seleccionada
En diferentes puntos de La Plata, espacios culturales, espacios de barrio y lugares públicos expondremos una fotografía de los proyectos fotográficos seleccionados de lxs autorxs Angelo Del Negro, Alfredo Esparza Cárdenas, Alfonso Carrera, Alnis Stakle, Charlotte Béja, Jose Ignacio Correa Belino, Carlos Silva Troncoso, Ilias Lois Jerônimo de Moraes, Maite Mérida, Martín Acosta, Manuel Berisso, Maria Siorba, Melin Vazquez, Rafael París, Pablo Puente, Rafael Junior Gonzáles Pinchi, Rafael Roncato Yiding Chen y Yun Ping Li.
FERIA EDITORIAL
Centro de Arte UNLP – Sala A
Viernes 7 y sábado 8 de noviembre de 15:00 a 19:00
• Coordinación: Ayelén Ruiz de Infante.
• Publicaciones de artistas, colectivos fotográficos y editoriales independientes, participación gratuita con convocatoria abierta. Entrada libre y gratuita.
CHARLAS Y CONVERSATORIOS
Centro de Arte UNLP – Auditorio
Viernes 7 de noviembre
• 15.15 – Conversatorio Intercarreras de Fotografía Regionales (Martin Barrios, de la Cátedra de Fotografía UNLP, Vanesa Martín, Directora de IMDAFTA (Avellaneda), Martín Olivares CEPEAC 1 de La Plata).
• 16:00 – Presentación del fotolibro Wacho – a cargo de Diego Defeo.
• 17:00 – Presentación del fotolibro Partículas – a cargo de Soledad Aznarez.
• 18:00 – Proyección documental Julia se revela – Dir. Claudia Holgado Chacón y Andrea Quiroz Linares (Perú).
Sábado 8 de noviembre
• 15:00 – Proyección documental Julia se revela – Dir. Claudia Holgado Chacón y Andrea Quiroz Linares (Perú).
• 16:00 – Charla “5 libros de fotografía latinoamericanos contemporáneos” – coordina Martín Bollati.
• 17:00 – Vengo a proponerles un sueño: Conversatorio con la fotógrafa María Eugenia Cerutti sobre su trabajo junto a Néstor Kirchner y su fotolibro Con toda la muerte al aire
• 18:00 – Un manifiesto fotográfico: ideas, imaginarios y propuestas para nuestro festival de fotografía 2026
TALLERES
En espacios culturales autogestivos de La Plata
Viernes 7 de noviembre
• 12:00 a 16:00 — Guión fotográfico para proyectos — Erica Voget– Espacio Sputnik Var
• 12:00 a 16:00 — Conservación de archivos fotográficos — Lucía Ledesma Espacio Guarida
Sábado 8 de noviembre
• Colectivos fotográficos — Luciana Demichelis (Online, taller personal)
• 12:00 a 16:00 — Taller de fotolibros — Jerónimo Rivero – Planta Alta
• 12:00 a 16:00 — Revisión de portfolios — Nicolás Janowski – Planta Alta
• 12:00 a 18:00 — Cianotipia — Celica Véliz – Espacio Sputnik
CIERRE – Navegar lo imposible
Domingo 9 de noviembre
Embarcadero de Berisso
• 18:00 a 22:00 – Cierre de Festival 2025 navegando el Río Santiago
Una despedida colectiva y onírica a bordo. Nos encontramos en el embarcadero de Berisso para zarpar juntos y celebrar el final del festival navegando por el río al atardecer.
Imaginación política, escenas de disenso y ficciones performativas en el arte
Por Fernando Davis
Sábado 27 y domingo 28 de septiembre
De 10.00 a 14.00h
Enlace de inscripción: click aquí
– La presente inscripción implica disponibilidad para cursar ambos días.
– Destinatarixs: Estudiantes, docentes e investigadores de arte, humanidades y ciencias sociales. Artistas, diseñadores, realizadores, curadores y gestores culturales.
Este seminario se pregunta por los modos a través de los cuales el arte compone ensamblajes disensuales, ficciones performativas y contra-escenas de aparición que introducen intervalos, torsiones y pliegues en las economías de lo sensible que organizan las políticas de producción de lo visible en el presente, en las modulaciones y montajes que diagraman y administran los marcos de inteligibilidad dominantes. Entendemos que los procesos artísticos constituyen espacios de experimentación sensible e imaginación política y social que interrogan las condiciones de lo posible y contribuyen a dar forma a otras configuraciones de lo existente, levantan narrativas y memorias que perforan o interrumpen la estabilidad de las construcciones hegemónicas, componen relaciones entre cuerpos, objetos, inflexiones estéticas, políticas de la mirada, espacios, tiempos, etc. Así, la pregunta por lo político en el arte se juega -más que en la adscripción de lo artístico a un programa político-crítico que lo antecede y enmarca- en las operaciones y relaciones que las obras componen en acto y en situación (Nelly Richard), en la capacidad del arte para encender modos de la imaginación crítica que apuestan no solo a empujar y reconfigurar sus fronteras institucionales y sus trayectorias estabilizadas, sino también las mismas formas de lo político y los contornos de lo común. En su misma activación performativa, las obras hacen pulsar el desacuerdo y la diferencia, el desvío respecto de sus marcos de inscripción disciplinarios y la apertura a otras posibilidades de invención imaginante.
Sostenemos que el encuentro con una obra supone un estremecimiento del cuerpo que se ve desplazado. Se trata del contacto con una alteridad que desorienta el cuerpo -con la que hacemos cuerpo- y lo con-mueve. Así, las posibilidades de agencia que el arte habilita y los porvenires de sentido que torna posibles e imaginables -no solo comprometidos con aquello que la obra exhibe o hace visible como sentido constatable o transmisible, sino también con lo que en ella se resiste a la clausura de sus significados- tienen menos que ver con el trabajo intencionado de un sujeto autocentrado, que con las formas de experimentación y afectación múltiples a través de las cuales las imágenes del arte nos (des)hacen.
Fernando Davis. Profesor Titular ordinario de la cátedra Teoría de la Práctica Artística de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata (FDA-UNLP). Dirige el proyecto de investigación “Escenas de disenso y agencia política en el arte contemporáneo. Ensamblajes sensibles, ficciones performativas y torsiones de la imagen”, radicado en el Instituto de Investigación en Producción y Enseñanza del Arte Latinoamericano (IPEAL, FDA-UNLP) y la Cátedra Libre Prácticas Artísticas y Políticas Sexuales (UNLP). Sus investigaciones se centran en las prácticas crítico-políticas de los conceptualismos en América Latina desde 1960 y las poéticas queer en el arte contemporáneo. Sus últimas exposiciones como curador son Inventar a la intemperie. Desobediencias sexuales e imaginación política en el arte contemporáneo (Parque de la Memoria – Monumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado, 2021), Cristina Piffer. Archivos pulsantes, imágenes intempestivas, supervivencias espectrales (Centro de Arte UNLP, 2022), Luis Pazos. Poesía vital (ArtHaus y Centro de Arte UNLP, 2024-2025) y Martha Peluffo. Estados suspensivos (Colección AMALITA, 2025). Integra desde 2007 la Red Conceptualismos del Sur (RedCSur) y desde 2023 la Universidad de la Imaginación.