Inauguración: 21.03.26 de 18:00 a 21:30h
Desde el 21.03.26 al 24.04.26
Lunes a viernes de 8:00 a 20:00h
Sala B y V48

La imaginación geométrica es un proyecto del Centro de Arte de la UNLP en colaboración con César Paternosto. Se compone de tres partes, distribuidas en distintas sedes de la UNLP.

El título retoma una idea clave en la obra de Paternosto: la imaginación geométrica como esa capacidad humana de inventar; una potencia específica que se reconoce desde tiempos remotos en el universo andino.

1. En la vidriera y en la sala B del Centro de Arte tiene lugar la retrospectiva del artista que, curada por Natalia Giglietti, reúne más de seis décadas de producción y propone una lectura situada de la abstracción en América Latina.

Inauguración: 21.03.26 de 18:00 a 21.30h
Del 21.03.26 al 11.07.26
De miércoles a viernes de 11 a 18h y sábados de 15:00 a 20:00h
48 entre 6 y 7
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2. En el patio Julieta Lanteri del edificio de Presidencia de la UNLP se presenta Investigaciones tectónicas (2026), una instalación de sitio específico, producida por el artista.

Inauguración: 21.03.26 de 18:00 a 21:30h
Desde el 21.03.26 al 24.04.26
Lunes a viernes de 8:00 a 20:00h
Avenida 7 entre 47 y 48
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3. En el Museo de La Plata obras de Paternosto se exhiben en diálogo con piezas de la colección, planteando un recorrido por el hall de ingreso, la Biblioteca y la Sala de Arqueología Latinoamericana.

Desde el 22.03.26 al 10.05.26
De miércoles a domingos de 10:00 a 18:00h
Paseo del Bosque
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4. Acto de entrega del título doctor Honoris Causa la UNLP a través de la Facultad de Artes le hará entrega del reconocimiento.

20.03.26
14:00h
Facultad de Artes de la UNLP
Diagonal 78 nº 680

A comienzos de los años sesenta, César Paternosto era un visitante asiduo del Museo de La Plata, motivado por su curiosidad ante los textiles y las cerámicas. Tiempo antes había conocido a Jorge Mieri y, en sus clases de pintura, una consigna le quedó grabada para siempre: “Jugá con las sombras”. La indicación —atender a lo que se desplaza, a lo que no ocupa el centro— y los encuentros en el museo dieron forma a un modo de percepción que atravesaría toda su obra.

Esta exposición, primera retrospectiva en el Centro de Arte de la UNLP, recorre más de seis décadas de producción unificadas por una búsqueda incansable y una convicción: que el mundo puede ordenarse de otro modo. La imaginación geométrica nombra esa capacidad humana de inventar; una potencia específica que se reconoce desde tiempos remotos en el universo andino.

Esa convicción adquirió presencia material en sus primeras pinturas-objeto, en bastidores con formas que conversan con los marcos recortados de Madí, las maderas constructivas de Torres García y los movimientos internacionales de la abstracción moderna. En 1969, pintó con ceritas el borde de una hoja escolar. Ese gesto fija lo que estaba flotando: una primera inscripción, con lo que tenía a mano, de su conocida visión oblicua o lateral. Allí, la pintura sucede en los bordes del bastidor, y el frente, espacio privilegiado en la historia del arte occidental, queda en blanco, en silencio. Ver, entonces, implica moverse: la pintura ocurre en el desplazamiento.

Entre 1977 y 1979, en sus viajes a Cusco, Paternosto experimentó lo que llama una epifanía: verificó su intuición. Estudió, dibujó, fotografió, tomó apuntes que configuraron la materia prima de Piedra abstracta, su libro clave, donde postula que la abstracción tiene una historia más larga en América que la que suele contarse desde Europa. De allí surge una hipótesis decisiva: en la retícula textil, la estructura del tejido, se encuentra el origen de una geometría que es especialmente sensible y táctil, hecha con el cuerpo y con la materia. Como un diagrama, la retícula reúne técnica, concepto y forma. Ese modelo conceptual eminente, en palabras del artista, no es mimético ni representativo, sino que configura un modo propio de hacer, de percibir, de habitar y de producir realidad.

En lugar de un recorrido lineal, la exposición propone una lectura por núcleos: un modo de organizar el tiempo que no avanza solo hacia adelante, sino que vuelve sobre sí. En este retorno a su ciudad, a los 94 años, la UNLP celebra la trayectoria de un artista inagotable, que no cesa de reinventar con el mismo rigor y con la misma intensidad, siempre atento a las preocupaciones del presente.

Curaduría: Natalia Giglietti

Sábado 21.03.26
V200

Los intentos de reencantar las cosas pertenecen a una imaginación compartida; la manufactura obstinada nos invade. Se trata de querer hacer que lo incierto se reconfigure, de modelar un prisma con el que irradiar otros accesos hacia aquello que permanece suspendido en la intuición.

En los repintes ensayamos un secreto: hacemos otros mundos con las manos. Es un punto entre lo que existe y lo que insiste en hacerlo; donde formamos moños sobre la madera y buscamos llegar al color escondido en la baba de un caracol. Es un trabajo que va por los bordes del deseo.

La pintura nos pica, se nos adhiere, aferra y abraza: no podemos borrar sus rastros; como el moho sobre la superficie que se infiltra por sitios inesperados y hace brotar otros tonos. Aunque lo pintemos entero de rosa aparece igual una mancha que llega sin anunciarse, ingobernable, rosa con moho. Ante la obstinación por encontrarlo todo, ese rosa mohosa desborda y redefine lo que toca, se vuelve condición y entonces lo hacemos práctica y modo de ver el mundo.

Desde ese fin lo trabajamos, dejándonos atravesar por la posibilidad que configuran nuestras manos. Lo que ellas traman es algo hechizo. Un hacer torcido donde aparecen recorridos inusitados, mientras revolotean animales y bicharracos escurridizos. En esta sala exploramos tres formas de practicar el tiempo, mientras crecemos tres veces de tamaño, nos alejamos tres veces de la belleza y nos acercamos una vez más a nuestras intuiciones. Al final, llegamos a una forma imposible de terminar a solas: una imagen en común.

El Club de la Pintura (2019, La Plata) es un colectivo integrado por pintoras, poetas, escultoras, bricolajistas e historiadoras del arte. La amistad, la mesa de trabajo compartida, el despliegue y rescate de materiales, el diálogo entre pintura y poesía, y los encuentros abiertos en el taller —con su vidriera a la calle en el Barrio del Mondongo— se fueron constituyendo como los pilares que definen la identidad del Club.

Como señala Claudia del Río: “más de dos hacen un club”. En ese espíritu, el Club de la Pintura se configura como un punto de encuentro, un espacio de pensamiento y de acción, donde lo colectivo se vuelve un lugar desde el cual imaginar y construir un presente y un porvenir más amables de habitar. Sus integrantes pintan juntxs para discurrir en un estado permanente de arte, buscando que la vida sea amiga del arte.

El colectivo está integrado por Agustín Poletti, Bautista Miranda, Eva Costello, Herbi, Juan Téllez, Julia Oliva Torre, Manuela Villanueva Fernández, M. Eugenia Bifaretti, Pilar Cuevas, Tori Ferlan y Victoria Macioci.

Del 15.11.25 al 20.12.25
Vidriera Bicentenario

Ana se posiciona principalmente como pintora, pero considero que sería igual de correcto llamarla investigadora. Bajo los efectos de poder que ejerce un color sobre un cuerpo, Ana pareciera preguntarse cuántas superficies pueden adoptarlo y de qué manera lo hacen. Si en su definición más ínfima la pintura se reduce a formas y colores sobre una superficie, ¿cuál es el gesto mínimo que la habilita? Sus pinturas son algunas respuestas. La unión de diferentes colores impresos, plenos, como una piel uniforme y prolija en el bastidor, son marcados sutilmente con trazos de óleo pastel, como huellas o firma de quien trabaja minuciosamente sobre ellos. Otros papeles pintados abrazan el leve gesto de la pincelada depositada en ellos. Bolsas de arpillera de plástico pintadas al óleo se ensamblan como módulos de otra piel, como en un zoom puedo ver los poros, la trama, donde no hay pincelada y el color se desparrama en una densidad distinta.
En una repetición rectangular las pinturas parecieran rimar periféricamente con la arquitectura de la sala, pero con una calidez desconocida para el espacio. Suspendidas del techo vamos recorriendo las preguntas, las investigaciones, que como un eco se repiten pero se escuchan siempre distinto.

Lucia Delfino

Las pinceladas de Ana

“Una gota de agua poderosa basta para crear un mundo y para disolver la noche” dice Gastón Bachelard. Pienso en esta frase cada vez que Ana Casanova me muestra su obra y me hace testigo de su pincelada insistente cargada de líquido, tendiendo siempre hacia el horizonte, como el agua.
El pincel acaricia el papel como si fuera el lomo de un animal querido. El pastel da puntadas y toma apuntes sobre los campos de color y va dejando escritas pistas asémicas, recordatorios del encuentro entre el papel y la tela. Las bolsas de rafia no contienen, por el contrario, se sueltan, se desnudan y dejan ver que ya son tela y pintura al mismo tiempo, como una piel expuesta a la luz del sol: la piel del color.
Un paisaje de sol cuadrado, una danza de restos de papeles flotantes, el equilibrio inestable de las formas apenas sostenidas en su lugar por el trazo del pastel, horizontes aprendidos de memoria. Caricias, rasgaduras, movimiento, cortes. Papeles que parecieran estar en búsqueda de un equilibrio que saben que es efímero. Colores que al tocarse parecen emitir sonidos y con su vibración sostienen delicadamente la materia en frente de nuestros ojos sin dejarla caer. Todas formas de mundos que emergen de la intensa tarea diplomática que Ana practica diariamente en su taller para que papeles, telas, agua, óleos, rafia y pigmentos conversen entre sí y se dejen tocar por nuestra mirada.
Ana reconoce una especie de correspondencia ontológica entre esos papeles pintados que vuelan bajo sus tijeras y el sonido que emiten las copas de los árboles rozadas por el viento que la acompañan desde la ventana del taller; entre las bolsas pintadas y el paisaje rural del sur de la Provincia de Buenos Aires. Una correspondencia que ella no busca sino a la que más bien se entrega como destino. Este es el origen de sus pinceladas. Gracias a sus obras, sabemos dónde comienzan, vemos dónde se van posando, pero –por suerte– no nos dejan ver dónde terminan y así nos invitan a seguirlas.

Claudia Fontes
Brighton, Octubre de 2025

Agradecimientos: Claudia Fontes, Elba Bairon, Mónica Millan, Jorge Sarsale, María López, Ricardo Eliçabe y Lucia Delfino.

Curaduría: Lucía Delfino
Coordinación de producción y montaje: Santiago Martínez
Montajistas: Florencia Murace, Vanina Policano y Fermín Filiberto
Diseño y comunicación: Diego Ibañez Roka, Pablo Tesone e Inés Ward

Ana Casanova vive y trabaja en Buenos Aires. Su práctica artística se centra en la pintura como campo de experimentación, explorando la abstracción a través del gesto, el color y la fragilidad, en una búsqueda de experiencias sensibles que se despliegan en el tiempo. Se formó en la Escuela de Bellas Artes y en la Universidad Nacional de las Artes (UNA), y amplió su formación en talleres con Tulio de Sagastizábal, Diana Aisemberg, Eduardo Stupía, Fabián Burgos y María Gainza. En 2013 realizó una residencia en Le 19 CRAC, Centro Regional de Arte Contemporáneo de Montbeliard, Francia. Obtuvo becas del Fondo Nacional de las Artes en 2000, 2021 y 2022, y entre 2006 y 2011 coordinó el proyecto Mediomundo junto a Irene Banchero y Rocío Pérez Armendáriz. Expuso en espacios como Galería Alejandro Bustillo, Casa Bolívar, El Cultural San Martín, Galería Van Riel, CC Borges y el Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca, entre otros. Participó además en muestras colectivas en Argentina y Francia, con curadurías de Philippe Cyroulnik, Sonia Becce y C. Schiavi. Sus obras integran colecciones públicas y privadas en ambos países. Fue distinguida en el Salón Nacional de Tucumán (Premio Estímulo, 2024), el Salón Félix Amador, el Salón Manuel Belgrano, el Museo Caraffa, el Banco Central (MNBA) y otros certámenes nacionales.

Del 15.11.25 al 20.12.25
Inauguración: Sábado 15.11.25 a las 18:00h
Sala B y vidriera

“La poesía es un hecho que sucede en el mundo exterior […] porque el arte no es un elemento discursivo sino una manera de vivir”. En 1966, desde La Plata, en un breve manifiesto que acompañó la circulación de sus poemas fonéticos pop en la revista experimental Diagonal Cero, Luis Pazos ponía en funcionamiento una máquina performativa que sacudía a la poesía de sus formatos y circuitos institucionalizados y anunciaba su desbordamiento en modos de acción múltiples que la (des)ubicaban en los cuerpos y en la calle. Para Pazos, no se trataba solo de acercar el arte a la vida mediante la mera extensión de sus límites, sino de invadir el espacio del arte con la vida, en un gesto que llamaba a confundir ambos territorios, hasta volverlos indistinguibles. Arlequín pop, fabricante de modos de vida, coleccionista de ruidos y onomatopeyas, integrante e impulsor de colectivos como el Movimiento Diagonal Cero, el Grupo de Experiencias Estéticas y Escombros, Pazos mezcló revoltosamente el ready-made y el supermercado, la cultura popular y el happening, la ciudad y sus márgenes. Fueron sostenidos sus intercambios con Juan José “Chispa” Esteves, Jorge de Luján Gutiérrez, Mario “Quico” García, Héctor “Rayo” Puppo, Juan Carlos Romero y Edgardo Antonio Vigo. Su poesía vital, callejera y plebeya, fue una forma de mirar e interpelar el mundo para transformarlo desde la invención colectiva de nuevos espacios creativos, una posición estratégica para afectarlo (y afectarse), un modo de reinventar lo común en la alegre inconformidad del disparate, un arte del acontecimiento.

Fernando Davis

Viernes 28.11.25
18:00h

En el marco de la exposición Luis Pazos. Poesía vital, te invitamos a participar de una visita guiada a cargo del curador de la muestra, Fernando Davis.

«La poesía es un hecho que sucede en el mundo exterior […] porque el arte no es un elemento discursivo sino una manera de vivir».

No te pierdas esta oportunidad de descubrir más sobre la vida y la obra de Luis Pazos. Duración estimada: 45 min.