Exposición. Neoinformalismo Zen
Curaduría: Florencia Morel. Artistes: Mateo Valbuena, Florencia Bruno, Renata Di Paolo y Juan Tarraf

Sábado 22.08.26
18:00h
Sala C

 

En 1959, Rafael Squirru publica “Sobre el informalismo”, uno de los textos centrales para la difusión del movimiento en la Argentina. En este, el entonces director del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires se aleja de las explicaciones meramente políticas para dotar al informalismo de una dimensión marcadamente espiritual y establecer un puente con el budismo zen.

Lejos de la nostalgia que lo encasilla como un fenómeno de los años sesenta, esta exposición reúne obras de cuatro jóvenes artistas que reactivan uno de sus motores fundamentales: la fe en la intuición y la renuncia a la figuración. No es casualidad que sean amigos. Entre ellos comparten desde salidas y charlas hasta talleres y galerías, como si todo operara desde una lógica de contagio visual.

Las producciones de Florencia, Mateo y Juan se relacionan con un proceso de abstracción conectado al ritmo vital. En ellas está presente el movimiento, la pausa cuidadosa y, por momentos, la velocidad. La obra de Renata, en cambio, trae consigo un contrapunto matérico, a partir de una desfiguración de la forma. Aquello conocido se presenta despojado de su apariencia cotidiana.

En este conjunto, el gesto y el signo reemplazan por completo a la figura tradicional, eludiendo la representación de lo cotidiano. El abandono de una forma deliberada para dar lugar al azar plantea una pregunta inevitable: ¿de dónde proviene aquello que no tiene forma? Desde una perspectiva mística, los artistas actúan como jóvenes médiums que materializan impulsos psíquicos e invisibles a través de la magia del automatismo psíquico.

Neo informalismo Zen propone una reinterpretación contemporánea, ya no centrada en la vertiente destructiva del informalismo, sino en su dimensión gestual y rítmica, vinculada a los principios de la espiritualidad zen. En este sentido, la obra informalista puede convertirse en el testimonio de un proceso de iluminación y de comunión del artista con el entorno. Se suscita así una poética fundada en lo irracional y en la improvisación. Las obras son expresión de actividades vitales, de lo extraño en lo familiar, de una creación instintiva y de una espontaneidad indeterminada. La abstracción opera aquí como un método de indagación intuitivo: un espacio de suspensión donde el intelecto se disuelve para dar paso a la manifestación sensible de la conciencia.

 

Mateo Valbuena. Se formó en el Programa de Artistas Universidad Torcuato Di Tella y en la Universidad Nacional de las Artes (UNA). Licenciado en Artes Visuales, orientación en Pintura. Realizó clínica de obra con Pablo Siquier en el año 2023, también participó del Seminario de arte contemporáneo y contexto con Gabriel Baggio. En 2022 participó en los Premios-Fundación Itaú, categoría Artes Visuales 2022; Primer Salón de Artistas Laboyanos, Pitalito, Colombia. En 2017 realizó la Residencia la Rural, Racó, Tucúman. En marzo de 2024 realizó las exposiciones individuales Magnolia en Galería Bac, con texto de Magui Testoni, Salta, Salta; en marzo 2026 de Tanteo, Casa Brandon, producción de Melina Chaldú, texto de Elías Leiro, Buenos Aires. Participó de las exposiciones colectivas 8, Galería La Mesa, Las Deudas, CABA; Charco bajo el agua, Ciclo “Contactos Estrechos”, ideado por Laura Ojeda Bär y Gimena Macri, CABA; Otros lugares, Centro Cultural San Martín, Curaduría de Juan Reos, CABA (2024); Todo x 9999, Galería Komuna, CABA (2024); De mis quince, Casa Brandon, CABA (2023); Principio, Taller Palpa, CABA (2023); Cementerio, Centro Munar, CABA (2023); entre otros. En fue co-fundador de Forner Materiales y asistente de los talleres de Pablo Siquier y de Luciana Lamothe           

Renata Di Paolo (Buenos Aires, 1988). Es diseñadora de indumentaria recibida en la Facultad de Arquitectura Diseño y Urbanismo (UBA). Participó de talleres de dibujo y pintura con diferentes artistas como Roberta Di Paolo, Maruki Nowacki, Fátima Pecci Carou, Ariel Cusnir y Renata Molinari. Durante el 2022 fue parte del programa de formación Manglar en Acéfala Galería coordinado por Andrés Labaké. En el 2023 realizó una residencia en LAR (Local de Artes Recientes) en dupla con Aniela Condori. Participó en las siguientes muestras colectivas: Creo en el romance (Casa Proyecto, 2021), Self Portrait Gallery III (Laboratorio de Festival, 2022), Afuera hay libélulas que muerden (Acéfala Galería, 2022), ¿Qué era esto antes? (LAR, 2023) y & (Casa Proyecto, 2023).

Juan Tarraf (Buenos Aires, 1995). Se formó en el Instituto Vocacional de Arte (IVA) y en la Universidad Nacional de Artes (UNA), es licenciado en Artes Visuales con orientación en Pintura. Realizó la cátedra de Carlos Bissolino y clínica de obra con Ernesto Ballesteros. Participó de “Taller Compartido” coordinado por Eduardo Basualdo y otros artistas en Galería Crudo (2018, Rosario) y también en la residencia para artistas de LAR (Local de Artes Recientes) coordinada por Belén Coluccio (2021). Entre sus exhibiciones más importantes se encuentran Jungla negra , Centro Cultural San Martín (2021), Creo en el romance, Florencia Bruno casa-proyecto (2021), La primavera también es linda, AxA (2021), Eterna sea nuestra piel, Sala Siberia, Las Heras (2019) y su primera exposición individual Hado de plata con curaduría de Desiree De Stefano en Observatorio Atelier (2021). Durante el 2021 realizó, además, el programa de formación Artistas x Artistas, coordinado por Florencia Rodriguez Giles y Juan Tessi en Fundación El Mirador.

Florencia Bruno (Buenos Aires, 1996). Estudió la licenciatura en Artes Visuales y el profesorado en Artes visuales de la Universidad Nacional de las Artes de Buenos Aires. Se formó como guía de Museo en el Museo Sívori, y trabajó en diversas instituciones, como Casa Rosada y Museo MACBA. Realizó talleres y clínicas con Leila Tschopp, Pablo Siquier, Mauro Koliva y Diana Aisenberg, entre otres. En 2019 formó parte de taller Compartido, Rosario (Galería CRUDO) y fue beneficiaria de una beca de formación del Fondo Nacional de las Artes. Asistió a talleres de dibujo con Florencia Rodriguez Giles, Verónica Gomez y Lux Lidner, y de escritura con Carolina Sborovsky y Claudio Iglesias. En 2021 fue residente en LAR (Local de Artes Recientes, Buenos Aires). Durante el 2022 cursó el programa de formación Artistas x Artistas, y publicó su primer fanzine Lazos. Desde el 2021 es fundadora y directora de Casa Proyecto, galería de arte en San Telmo. Participó en la 1er Bienal Nacional de Dibujo, Museo Franklin Rawson (San Juan, 2019), Perdedores hermoses (Centro Cultural San Martín, 2021), Oficina abierta. Merienda de saberes (LAR, Buenos Aires), Todo está escondido en la memoria (Pasaje 17, 2020), El viaje extraordinario (Centro Cultural Borges, 2019), Pasos perlados (Palacio México, 2020), Creo en el romance (Casa Proyecto, Buenos Aires, 2021).

 

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Instalación. Soportar la representación
José Luis Landet

Sábado 22.08.26
18:00 h
V200

 

“Son mis materiales”, insiste José Luis Landet al referirse a los paisajes y a las naturalezas muertas que busca, compra y colecciona desde hace años.
El material condensa de manera mediada los problemas de la sociedad y plantea al artista exigencias y demandas concretas, insiste también Adorno. Allí comienza el tironeo: una tensión entre lo que el artista propone y las resistencias que el material impone. La materia, desde el materialismo dialéctico, es una realidad dinámica y en ella se acumulan conocimientos, usos, hábitos, creencias. Contiene la potencia de su propio movimiento.
¿Qué implica, entonces, trabajar con una materia organizada?
Los lotes de pinturas son mucho más que una imagen. Llegan al estudio de Landet como una forma ya articulada, un artefacto constituido, casi indivisible. Persiste, en ellas, un modo de hacer: un soporte, unas técnicas, unas herramientas, una forma de mirar, un modo de representar, unas cuantas firmas. Hay mucho de receta; de composiciones aprendidas: una manera de disponer el paisaje, de construir un cielo, de componer una mesa, de distribuir los objetos. En definitiva, conservan las convenciones y las relaciones de clase que forman parte de las condiciones de su producción.
El artista trabaja sobre esa carga. Limpia, corta, separa, da vuelta, golpea. En Soportar la representación, presentada en el Centro de Arte de la UNLP, estas operaciones ponen en curso una dialéctica de desmontaje y nueva conformación. La retícula de bastidores hace visibles los formatos superpuestos de la representación; los reversos de los lienzos arman un catálogo de moldes, siluetas, patrones; y los bordes de las pinturas cuelgan como lonjas de cuero al sol.
Landet desarma el centro de ficción, poblado de códigos y de gestos, lo desplaza a sus márgenes, lo divide en secciones, lo despieza dejando, a pesar de ello, un rastro que revela su referencia. Lo hecho vuelve a ser material, forma, totalidad, sin dejar de ser lo que fue.

Natalia Giglietti

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Exposición. Las pasiones de las historias del arte
Curaduría: Guille Mongan

Artistes: Mariana de Matteis, Juana Simona, Paula Landoni, Regina Igarzabal, Mariela Scafati, Pablo Rosales, Manuel Molina, Nicolás Martella, Javier Villa, Juan Reos, Santiago Villanueva, Juan Cruz Pedroni y Vic Musotto

Sábado 22.08.26
18.00h
Sala B

 

Las pasiones de las historias del arte

A mi madre, Graciela A. Di María quien me regaló la pasión por las historias del arte.

Esta exposición es una puesta en espacio de una investigación más amplia —y de largo aliento— que tiene como motor la pregunta por los modos de narrar las historias del arte, haciendo hincapié en la materialidad de dichas narraciones y en cómo las prácticas artísticas contemporáneas tensionan, reversionan y ponen en acción los pliegues y repliegues del ejercicio histórico.

Con las pasiones como horizonte, la muestra profundiza en las fuerzas que mueven a artistas e historiadores a preguntarse por los humores, los tonos, las huellas, los trazos y las retóricas que se ponen en juego al narrar. Sin abandonar el vínculo con el pasado ni la reactualización del concepto mismo de tiempo, la escritura con imágenes, el texto escrito y la relación con las fuentes devienen en herramientas poéticas donde la pregunta por la dimensión material de la historia se transforma en prácticas imaginarias.

Siguiendo estos movimientos —energías vitales— se presenta un conjunto de artistas cuyas búsquedas atraviesan distintos momentos de la historia del arte argentino, de la historiografía y de la teoría del arte o, directamente, la indagación sobre las herramientas utilizadas en la investigación histórica. En tal sentido, el historiador y crítico Juan Cruz Pedroni, abre la intimidad de las notas de sus conferencias dictadas en museos nacionales y sus apuntes de clase, develando los entretejidos latentes de la oralidad y la organización íntima que atesoran las hojas sueltas sin renglón. Diagramas vulnerables, dibujos e insistencias de lecturas reescritas con bolígrafo dejan a la intemperie el oficio silencioso del investigador, quien alguna vez supo ser un estudiante de historia que leyó a Vasari  de un libro fotocopiado y subrayado por muchas manos.

Capas de tiempo y de trazos son las que también realiza con birome Vic Musotto en sus Dibujos aprendizajes. En ellos, la artista repite palabras, fechas y conceptos de sus lecturas, construyendo desde la reiteración y la insistencia de sus manos un procedimiento de aprendizaje que hace reverberar la pregunta: ¿será que las ideas son dibujos? O bien, ¿cómo será acostarse con las ideas? Si las pasiones se condensan en acciones y disposiciones, Manuel Molina hace de ellas un campamento con luces de artificio: una “cita” —o varias— en una playa. Como deriva de sus Investigaciones Adornianas, en la serie que parafrasea a Tracey Emin (Everyone I Have Ever Slept With 1963–1995), la cita se presenta como un recurso retórico lo suficientemente versátil como para devenir pez inflable. Con la elasticidad contemporánea de la referencia y la erudición, Todas las ideas con las que me he acostado hace estallar —en un encuentro amoroso con fuegos artificiales— las preguntas por las obras de arte, los objetos industriales y la experiencia estética.

Como quien va de cita en cita —de desamor en desamor— o quien se pregunta por su relación íntima con la historia del arte, las obras de Pablo Rosales y Regina Igarzabal acercan humores que están lejos de la melancolía; más bien se aproximan a gestos desviados que reactualizan, de manera caprichosa y desprejuiciada, el vínculo con el documento, el archivo y el dato histórico. Egresados CIA, Museo Bailable, Pettoruti, catálogos de arte argentino: hacen de las fuentes una fiesta y de la pintura un documento vivo.

Como una oda al pasado técnico con aguafuertes y aguatintas, Juan Reos convierte la inquietud por la documentación en un destino poético. Antes, un mundo sin reliquias recupera, bajo el efecto de la hipnosis, happenings, acontecimientos y producciones artísticas de los años sesenta argentinos que se guardan en relatos de artistas e historiadores Sin necesariamente hablar de historia oral o de poner en cuestión la importancia del registro sobre el cual el arte contemporáneo basa muchas de sus propuestas, el artista parece ensoñar el concepto de desmaterialización de la obra para ponerlo a jugar con el de la historia.

¿Cómo registra una artista su relación silenciosa con la reserva de un museo? ¿Hasta dónde las técnicas de restauración tocan el tiempo presente? Mariana De Matteis es una artista investigadora, una artífice sensible del procedimiento que lleva la tarea de estar en contacto con la colección de un museo al ejercicio sublime de la fantasía. La cobertura de una escultura que roza el mármol para protegerla del polvo puede, en sus manos, devenir en superficie plástica donde realizar un frottage y transformarse así en sudario escultórico. Los barnices e hisopos que se utilizan para restaurar se convierten en herramientas para echar luz sobre las emociones que esconden las pinturas que esperan, expectantes, a ser compradas en el mercado paralelo. Con delicadeza, en silencio y sin la luz del sol, la reserva resguarda secretos; Mariana los saca un rato de su intimidad, como aquel beso que se dieron Julio Vanzo y Antonio Berni en la oscuridad del Castagnino.

En un silencio similar (aunque ya no de una reserva, sino el de las bibliotecas), se encuentran las pinacotecas, la revistas de tirada masiva sobre museos del mundo o los fascículos de artistas -europeos blancos y mayoritariamente hombres- que ocupan los anaqueles de la biblioteca doméstica. Con estos materiales, tijeras y con el procedimiento de la clasificación y desclasificación, Juana Simona escudriña las pinacotecas que circulaban a finales de los años noventa en la Revista Noticias. Con reproducciones laminadas de Paul Signac, Childe Hassam, Toulouse Lautrec, Edgar Degas, Piero della Francesca y Giotto di Bondone, la artista realiza una colorimetría exhaustiva. Contemplando la curva como dirección, propone ejercicios de abstracción a través del collage, transformando las imágenes impresas en imágenes por venir. En el mismo sentido, pero contemplando la representación floral, Paula Landoni recorta flores que encuentra en pinturas reproducidas y acopia sus epígrafes, para en un ejercicio evocativo, a través del contorno y de la palabra dislocada, recomponer las ausencias y presencias que trazan los grandes relatos de la (H)istoria.

Ramona, la revista de arte sin imágenes que fue publicada del año 2000 al 2010 fue uno de los espacios de circulación de la escritura sobre arte que más motivaron a la generación de artistas argentinos de esa época. Mariela Scafati fue una de ellas. A través de la lectura de una entrevista que la artista Carla Bertone le realiza a Lidy Prati en un bar de Buenos Aires en el 2004, Scafati realiza ¡Teléfono! Un diálogo con Lidy Prati, una instalación que pone en acto las preguntas sobre el arte concreto, su internacionalización y las inquietudes que atravesaban a les artistas en aquellos años cuarenta de la Revista Arturo. ¿Hasta dónde puede una revista?¿Qué formas puede tomar la voz?

Siguiendo los meandros de las reescrituras de las historias, el curador y artista Javier Villa trabaja en torno a la figura del crítico Pierre Restany, quien junto a Frans Krajcberg y Sepp Baendereck “encontrarán en el Río Negro la oportunidad de ponerle nombre a una nueva corriente estética: el Naturalismo integral, que se sumará a la lista de invenciones lingüísticas hechas por el crítico francés en territorio latinoamericano, como el pop lunfardo o el arte guarango”. Con una reescritura ficcional y teatral, Villa recupera las concepciones cíclicas del tiempo prehispánico poniendo en primer plano la cronocolonialidad.

Cuando fui estudiante de Historia de las Artes Visuales en la Facultad de Bellas Artes de la UNLP, el programa de estudio de aquellos años incluía el paso por los talleres complementarios de plástica. Uno de ellos fue el de Pintura, en el cual habitan los atriles construidos con maderas y puertas que acogen los desbordes de las pinceladas y que Nicolás Martella retrata y enaltece en sus fotografías. Esos mismos años los contenidos de nuestras cursadas apenas estaban atravesados por una perspectiva decolonial, y aún así se insinuaban intenciones de repensar la Historia del Arte.

Ese repensar, reescribir, resituar, me acompaña hasta el presente y esta muestra es de alguna manera un homenaje -y una invitación-  a todes aquelles que se sientan convocades a seguir la provocadora propuesta que hace diez y siete años promovió como consigna Santiago Villanueva: “Hoy voy a cambiar la historia del arte”, vamos.

 

Guille Mongan. Historiadore del arte, investigadore independiente, curadore, docente y artista.  Investiga y produce, tanto individual como colectivamente, en torno a las metodologías, narraciones y performatividades de la investigación artística;  las prácticas artístico políticas; y el archivo como espacio de experimentación de relatos y memorias. Estudió su carrera de grado en Historia de las Artes Visuales en la Facultad de Artes de la UNLP, La Plata, Argentina y su Magíster en Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual en el Museo Nacional Reina Sofía/Universidad Autónoma de Madrid (UAM), Madrid, España. Actualmente se encuentra haciendo su Doctorado en Historia en la Escuela Interdisciplinaria de Altos Estudios Sociales (IDAES), UNSAM, Argentina. Es miembre de la Plataforma de investigación, discusión y toma de posición colectiva RedCSur donde actualmente se desempeña como coordinadore.

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Exposición. Materialidades de la memoria. Archivo Romero por/venir y Javier del Olmo
Curaduría: Fernando Davis

Sábado 22.08.26
18:00h
Vidriera y Sala A

 

Gramáticas materiales de la memoria

La memoria no constituye un depósito estable de imágenes y relatos sobre el pasado, sino un territorio en disputa, una práctica que se activa en el presente y requiere una serie de  operaciones y disposiciones materiales para circular, hacerse visible e intervenir sobre lo sensible. En el conjunto de obras que integran esta exposición, fotocopias, impresos tipográficos, carteles, volantes, espejos, textos mecanografiados y sellos de goma componen un repertorio material heterogéneo. Pero más que designar una variedad de soportes, Materialidades de la memoria propone interrogar cómo estas obras configuran modos de existencia y de actuación de la memoria e intervienen críticamente en las modulaciones sensibles, economías de aparición y montajes consensuales que organizan las políticas de administración de lo visible y lo pensable en el presente. La memoria no opera únicamente en el nivel de los discursos o las representaciones, sino en la organización material de la vida sensible, ocurre materialmente.

En estas obras, los materiales componen una gramática común de operaciones. Sus posibilidades de agencia se juegan en la capacidad de multiplicar y hacer circular imágenes, llevarlas de mano en mano, fijarlas en una pared o hacerlas irrumpir en el espacio de la calle. Estas operaciones se inscriben en una trama de prácticas vinculadas con las redes editoriales experimentales de la poesía visual y el arte correo, los conceptualismos latinoamericanos y las plataformas de la gráfica militante. Tecnologías como la máquina de escribir, la fotocopia o la impresión tipográfica acarrean la memoria de sus usos, reactivan repertorios gráficos que atraviesan diferentes experiencias de intervención política y conectan luchas, imágenes y modos de hacer separados en el tiempo, sin reducirlos a una genealogía lineal ni borrar sus diferencias históricas. Su bajo costo y disponibilidad se inscriben en una economía material asociada, en ocasiones, con la urgencia de actuar y con la posibilidad de ampliar sus espacios de circulación. Pero el tiempo de estas prácticas excede la respuesta a la coyuntura, que convive en ellas con la espera o la atención sostenida. Esos otros ritmos desajustan la urgencia e impiden que esta se vuelva el único tiempo posible de la acción política.

En la serie de obras que Javier del Olmo realiza a partir de la segunda desaparición de Jorge Julio López (ocurrida el 18 de septiembre de 2006 luego de que López declarara como testigo clave en el juicio contra el genocida Miguel Etchecolatz), la aparición y la desaparición dejan de funcionar únicamente como temas representados para convertirse en operaciones materiales de la imagen. En los murales con fotocopias que el artista viene realizando desde 2008, la repetición del rostro de López diagrama una trama ortogonal que remite, en su disposición seriada, a las serigrafías pop de Andy Warhol. Pero en del Olmo, la imagen fotocopiada se ve alterada progresivamente en su coordenada horizontal hasta el umbral de lo ilegible, por exceso o por falta de tinta. En los dibujos de siluetas que el artista realiza con máquina de escribir, la figura del cuerpo desaparecido es construida mediante la repetición de consignas como “Derechos humanos ya” o “Aparición con vida”. Con las siluetas, del Olmo recupera un signo central de las luchas de los organismos de derechos humanos desde el Siluetazo de 1983, una imagen sedimentada en la memoria política argentina que actualiza mediante nuevas operaciones materiales en respuesta a otras desapariciones y formas de violencia. También recurre a la máquina de escribir para dibujar los rostros de López, Marita Verón y Luciano Arruga.

En las acciones con espejos pintados con el rostro de López, la imagen aparece de manera intermitente, a medida que el espejo captura la luz y la proyecta sobre un muro. En la impresión por fotocopia, un sistema óptico de espejos conduce la luz reflejada por la imagen original hacia una superficie fotosensible, donde produce una imagen electrostática latente, una inscripción fantasmal que se vuelve visible cuando las partículas de tóner se adhieren a ella. En ambos casos, la luz actúa como una materia relacional. El reflejo no preexiste al encuentro contingente entre la fuente luminosa, el cuerpo que sostiene el dispositivo, la superficie reflectante y el muro sobre el cual se proyecta. La fotocopia, a su vez, hace reaparecer la imagen al tiempo que cada nueva reproducción la expone al exceso de tinta, la pérdida de definición y la borradura. La fotocopia y el espejo funcionan así como tecnologías de aparición, capaces de dar consistencia visible, siempre provisoria, a una imagen que insiste entre la latencia, la huella y el reflejo impermanente. La imagen reaparece sin recomponer una presencia plena ni cancelar la ausencia a la que responde.

Volver a imprimir es volver a nombrar. En el afiche tipográfico Que no vuelva a desaparecer Julio López, realizado por el grupo Artistas Solidarios -que del Olmo integró con Ana Maldonado, Cristina Piffer, Juan Carlos Romero y Hugo Vidal- en 2016, a diez años de la segunda desaparición de López, la repetición del nombre impide relegar el acontecimiento a un pasado cerrado. Cada nueva impresión lo trae otra vez al presente y renueva una demanda todavía abierta. Repetir el nombre, volver a imprimirlo y hacerlo circular, junto con exigir el esclarecimiento de la desaparición de López, denuncia también el riesgo de una segunda desaparición simbólica, producida por el olvido, la pérdida de visibilidad pública y la naturalización de la impunidad. La reiteración gráfica adquiere así la fuerza de una invocación colectiva. Hugo Vidal extiende esta apuesta en las ediciones de Calendarios con la pregunta “¿Cuántos días sin Julio López?” o en el uso de sellos de goma para imprimir la consigna “Aparición con vida de Julio”, sobre la etiqueta de botellas de vino López, convirtiendo así un objeto cotidiano en superficie de inscripción de la demanda.

Las prácticas aquí reunidas movilizan una agencia distribuida entre materiales, cuerpos, procedimientos y contextos. Las obras y acciones que las componen habilitan nuevas configuraciones sensibles espaciotemporales, dan forma a escenas de disenso. Al intervenir muros y espacios de publicidad callejera o al desplegarse en el marco de movilizaciones, desvían las funciones habituales de esos soportes, alteran los ritmos y usos normados del espacio urbano y abren una brecha en el continuo sensible de la vida cotidiana. Su politicidad no se agota en las consignas que enuncian; reside también en la construcción de otras duraciones, escalas y formas de atención, en la posibilidad de perforar un orden de visibilidad que decide qué imágenes importan, cuáles son invisibilizadas y qué nombres dejan de pronunciarse. Es posible hablar de una iconomía material, noción que retoma el título de la serie de Hugo Vidal Una iconomía política y permite pensar una distribución de soportes, gestos, intensidades y potencias de aparición en la que la economía de los recursos, los procedimientos, los costos y la circulación resulta inseparable de una política de las imágenes. Imprimir, hacer circular, pegar afiches o activar reflejos son procedimientos técnicos y, al mismo tiempo, modos de reorganizar lo sensible. Estas prácticas participan de una iconomía existente a la vez que introducen en ella una brecha, desvían o interrumpen circuitos de visibilidad y legibilidad ya organizados.

La memoria es también una práctica colectiva de transmisión. Las obras que integran esta exposición trazan una red de técnicas, experiencias, afectos y acciones comunes. El archivo forma parte de ese proceso, no como reservorio quieto de aquello que ha dejado de actuar, sino como un espacio desde el cual sus materiales pueden ser interrogados y puestos nuevamente en circulación. Al exponerse a nuevas miradas y disponerse en ensamblajes inéditos, las imágenes reunidas en el archivo disputan las condiciones bajo las cuales el pasado puede reaparecer e interpelar el presente. Al reabrir aquello que la historia no ha saldado, esa interpelación hace pulsar otros porvenires. El nombre mismo del Archivo Romero por/venir, impulsado por la Red Conceptualismos del Sur, condensa esta apuesta. Como tecnología afectiva sostenida por redes de amistad, colaboración y cuidado que el propio Juan Carlos Romero contribuyó a movilizar, el archivo no custodia solamente lo que fue, sino que abre lo recibido hacia aquello que todavía puede acontecer, hacia la apertura de posibilidades por inventar. A cincuenta años del golpe de Estado, desde una universidad pública, activar estas memorias supone también abrir la imaginación hacia formas de vida más justas y habitables.

Fernando Davis

 

 

El Centro de Arte UNLP y su Archivo de Arte agradecen especialmente a Elvio Romero, Elga Romero y César Espeche la donación de la obra de Juan Carlos Romero Los muertos no han callado nunca (2010), que contribuye a enriquecer el patrimonio de esta universidad pública. El Archivo Romero por/venir no hubiera sido posible sin el trabajo comprometido y amoroso de Lucía Bianchi, Lucía Cañada y Ana Longoni y las colaboraciones de muches otres que aportaron a este proyecto valiosos materiales de sus archivos personales.

/por

Insistencias diagonales. Escenas, cuerpos y objetos desde el Archivo de Arte del Centro de Arte UNLP

Viernes 28.08.26, sábado 29.08.26 y domingo 30.08.26
De 13:00 a 21:00h

Teatro Argentino Centro Provincial de las Artes
Av. 51 702

 

Insistencias diagonales. Escenas, cuerpos y objetos desde el Archivo de Arte del Centro de Arte UNLP

Las insistencias diagonales que dan título a esta exposición nombran formas de contacto entre tiempos, escenas, cuerpos y objetos. Los documentos reunidos pertenecen al Archivo de Arte del Centro de Arte UNLP y forman un conjunto atravesado por persistencias y discontinuidades, en el que cada pieza opera como punto de condensación de una trama más amplia. Revistas, catálogos, afiches, fotografías y objetos múltiples no fueron simples registros exteriores a las obras. En muchos casos constituyeron sus soportes, sus dispositivos de circulación o la condición misma de su existencia pública.

En el curso de la década de 1960, el ritmo vertiginoso de renovación y sustitución de los lenguajes expresivos auspiciado por la vanguardia experimental fue inseparable de la exploración de nuevos soportes y materiales y de sucesivos desbordamientos de lo artístico fuera de sus cauces institucionales. En La Plata, estas transformaciones tuvieron algunas de sus primeras manifestaciones en los experimentos poéticos, objetuales y editoriales iniciados por Edgardo Antonio Vigo desde fines de la década de 1950 y en la irrupción del informalismo en 1960, con la primera exposición del grupo SI. Entre sus integrantes, César Paternosto y Alejandro Puente se desplazaron muy pronto desde las experiencias informalistas hacia investigaciones en el campo de la abstracción geométrica, en las que exploraron la materia, el color y la condición física del soporte. La renovación de los salones provinciales y municipales y la actividad de espacios como la Pequeña Galería de Radio Universidad, el Bar Universitario, la Biblioteca Benito Lynch y las galerías Austral y Federico V acompañaron la emergencia de una escena en la que artistas, poetas y diseñadores comenzaron a cuestionar las divisiones establecidas entre disciplinas y a disputar los modos habituales de producción, circulación y recepción del arte. En la Escuela Superior de Bellas Artes (actual Facultad de Artes) de la Universidad Nacional de La Plata, la creación de la carrera de Cine en 1955, de la orientación Pintura Mural en 1961 y de las carreras de Diseño en Comunicación Visual y Diseño Industrial en 1962, formaron parte de una amplia renovación pedagógica, disciplinar y política. En 1973 la institución adquirió rango de facultad y pasó a denominarse Facultad de Artes y Medios Audiovisuales.

Los artistas intervinieron como organizadores de exposiciones, editores e impulsores de proyectos colectivos, al tiempo que participaron en la producción de una escritura crítica indisociable de sus obras y de su voluntad de incidir en el presente. Desde la revista experimental Diagonal Cero, que editó entre 1962 y 1969, Vigo articuló una doble apuesta por dar visibilidad a las producciones de avanzada de la escena platense y por vincularlas con una red internacional de revistas, artistas y poetas que encontró en el intercambio postal uno de sus principales medios de circulación.  Alrededor de la revista se formó en 1966 el Movimiento Diagonal Cero, integrado inicialmente por Jorge de Luján Gutiérrez, Omar Gancedo, Luis Pazos y Vigo, y desde 1967 por Carlos Ginzburg. En el horizonte de la “novísima poesía”, sus integrantes articularon poesía visual y fonética, xilografías-poema, libros-objetos y objetos poéticos, junto con acciones y proyectos participativos. Por Alquimia, “revista comprometida en actividades poéticas” publicada en 1966 por Mario “Quico” García, quien escribía poesía con el seudónimo Claudio Román, participó de un circuito de publicaciones e intercambios próximo al de Diagonal Cero. Así, revistas, carpetas de xilografías, arte correo y otras iniciativas gráficas experimentales fueron organizando una trama múltiple de colaboraciones, intercambios y contagios entre proyectos.

En estas iniciativas, el grabado dejó de ser solamente una disciplina o un procedimiento técnico para convertirse en una práctica colectiva capaz de desbordar el campo especializado del arte y disputar otras formas públicas de circulación e intervención de la imagen. Concebido como medio “popular”, movilizó iniciativas pedagógicas y estéticas destinadas a socializar sus prácticas y modos de hacer. Vigo fundó en 1967 el Museo de la Xilografía de La Plata, un museo ambulante cuyas exposiciones fueron acompañadas por la enseñanza de la técnica xilográfica. En 1970, Juan Carlos Romero impulsó junto a otros grabadores Arte Gráfico-Grupo Buenos Aires, colectivo que realizó demostraciones públicas de grabado en plazas, centros comunitarios y fábricas. También en 1970, Mario Casas, Raúl Mazzoni, Jorge Pereira, Roberto Rollié y Romero fundaron el Centro de Experimentación Visual (CEV), cuyas primeras propuestas consistieron en el diseño de múltiples y de sistemas compuestos por módulos intercambiables. Más tarde, con la incorporación de María Arana Segura, Andrés Giménez, Eduardo Leonetti, Raúl Pane y Ramón Pereira, el grupo avanzó en la experimentación con medios fotográficos.

La ESBA fue uno de los espacios de cruce de algunas de las iniciativas de quienes habían estudiado en la institución y ejercían allí la docencia. Romero había estudiado Grabado y se desempeñaba como profesor de esa disciplina y de Teoría del Arte, asignatura dependiente del Departamento de Cinematografía. Mazzoni, Jorge Pereira y Rollié eran entonces docentes de la cátedra de Comunicación Visual del Departamento de Diseño. Desde comienzos de la década de 1970, Graciela Gutiérrez Marx, egresada de la carrera de Escultura de la ESBA, participó también de algunas de estas prácticas objetuales, gráficas y editoriales. Mantuvo un sostenido intercambio con Vigo, con quien trabajó entre fines de la década de 1970 y comienzos de la siguiente, bajo la firma conjunta G. E. Marx-Vigo, y fue una de las principales impulsoras de las plataformas editoriales y colaborativas del arte correo. En un texto publicado por la Revista de la Universidad en 1972 y retomado al año siguiente en la colección Transformaciones del Centro Editor de América Latina con el título “Vanguardias artísticas y cultura popular”, Néstor García Canclini, profesor de Estética de la ESBA, analizó los cruces entre experimentación vanguardista, cultura popular y socialización del arte. Más que aplicar desde afuera una interpretación a las experiencias de la vanguardia, acompañó las investigaciones estético-críticas y participó en la elaboración contemporánea de los problemas y categorías mediante los cuales la propia escena buscaba comprender sus desplazamientos.

Antes que una sucesión ordenada de grupos y lenguajes, estas prácticas configuraron una constelación movediza en la que es posible reconocer la persistencia de dos coordenadas, menos como vertientes separadas que como insistencias diagonales que, en muchos casos, se cruzan y se superponen. La primera articula las prácticas editoriales vinculadas a la poesía visual y el arte correo con el grabado y el diseño, y encuentra en la multiplicación y la circulación expandida de imágenes y objetos una estrategia de socialización y popularización del arte. En la segunda, esas operaciones se desplazan hacia el cuerpo, la acción callejera, la participación del público y la intervención en paisajes naturales. Esta expansión, sin embargo, no supuso el abandono de los soportes gráficos, que continuaron interviniendo como instrucciones, registros y dispositivos de circulación de las acciones. Carlos Ginzburg inició en 1969 una serie de proyectos de “arte ecológico” y “señalamientos” —-denominación acuñada por Vigo en 1968— en los que intervino diferentes espacios mediante gestos efímeros que oscilan entre el resto y la huella y atienden a procesos y materialidades que exceden el control del artista. Algunas de estas acciones tuvieron una circulación posterior en sobres con textos y fotografías, como en el caso del “paisaje naturalista” El árbol humano, señalamiento de un árbol en el Parque Pereyra Iraola en abril de 1970. Un artefacto editorial múltiple, utilizado en esos años en las prácticas del arte correo, operaba como vehículo portátil de los paisajes señalados o intervenidos por el artista. En 1971, bajo el sello editorial La Flaca Grabada, creado por Vigo, Ginzburg publicó 10 ideas de arte pobre y, un año más tarde, invitado a la Tercera Bienal Coltejer, en Medellín, hizo escribir la palabra “PIEDRA” sobre la piedra del Peñol, un monolito de 220 metros de altura situado en el municipio de Guatapé.

Tras el golpe cívico-militar del 24 de marzo de 1976, la dictadura impuso un régimen de terrorismo de Estado que transformó profundamente las condiciones que sostenían esta escena artística. En la UNLP, la persecución, el secuestro y la desaparición forzada de docentes y estudiantes, junto con las cesantías por motivos políticos, el cierre de las carreras de Cine y Pintura Mural y el desmantelamiento de espacios de trabajo, fracturaron redes pedagógicas, artísticas y políticas e interrumpieron o dispersaron numerosas experiencias y proyectos.

Con la recuperación democrática, la Facultad de Bellas Artes comenzó a reconstruir su vida académica e institucional bajo el decanato de Roberto Rollié, designado en 1984. En ese escenario cultural, la Fundación Centro de Artes Visuales inició sus actividades en julio de 1986, bajo el impulso de Ana María Gualtieri y Pipo Santamaría, y contribuyó a recomponer las tramas de producción y circulación artística de la ciudad. En diciembre de 1994, la Fundación presentó la exposición 1954-1994. Edgardo-Antonio Vigo, una revisión de cuarenta años de sus “(in)obras de arte”. Un año antes de esta exposición, durante la presentación de Templo de Marcela Cabutti, Ana María Gualtieri propició el encuentro entre la artista y Vigo. Desde comienzos de la década, Cabutti venía investigando las estructuras neumáticas de la naturaleza como punto de partida para la producción de esculturas, indumentaria y espacios inflables. En 1995 realizó Poesías inflables en la playa de Boca Cerrada, en Punta Lara. Según recuerda Cabutti, la acción consistió en disponer sobre el agua mil piezas transparentes de PVC con textos impresos por serigrafía y elementos en su interior asociados con la sonoridad, la fiesta y el juego, como plumas, lentejuelas, brillantina, cascabeles e hilos de colores. La creciente del Río de la Plata terminó por desarmar esa superficie flotante, esa “alfombra-texto-poesía” en palabras de la artista. La superposición territorial con los señalamientos realizados por Vigo en Boca Cerrada entre 1971 y 1974 permite pensar Poesías inflables como una insistencia diagonal especialmente potente. No se trata de una cita ni de una derivación directa de sus trabajos, sino de la reactivación de la poesía experimental y de la intervención paisajística en un territorio atravesado previamente por las experiencias de Vigo. La poesía vuelve allí bajo otra forma material, expuesta a la acción del agua y transformada por otras condiciones históricas, otros procedimientos y otros cuerpos.

Los documentos del Grupo Escombros permiten reconocer cómo algunos de los modos colectivos de intervención ensayados por las vanguardias adquieren nuevas inflexiones. Fundado en 1988 e integrado en diferentes momentos por Angélica Converti, Horacio D’Alessandro, David Edward, Raúl García Luna, Pazos, Héctor “Rayo” Puppo, Mónica Rajneri, Romero y Teresa Volco, entre otros artistas, Escombros condensó en su nombre una toma de posición ante los restos materiales y simbólicos de una sociedad atravesada por los efectos de la dictadura, al tiempo que eligió el espacio urbano y los márgenes de la ciudad como territorios para la acción. Volvió a interrogar la autoría individual, los límites institucionales del arte y la participación del público, articulando esos problemas con el avance neoliberal y las urgencias sociales, políticas y ambientales de su propio tiempo. En noviembre de 1989, Escombros publicó su primer manifiesto, La estética de lo roto. Dos semanas después, organizó La Ciudad del Arte en una cantera abandonada de Hernández, un paisaje residual producido por la extracción de suelo que durante una jornada se convirtió en un espacio abierto a la intervención colectiva de artistas de diferentes disciplinas. Allí, Sutura, un tajo de treinta metros abierto en la tierra y “cosido” con una soga de barco, hacía visible la tensión entre la herida y el gesto de repararla. En 1991, El gran sueño argentino trasladó esta voluntad de intervención a un objeto múltiple y portátil, que el grupo denominó “objeto de conciencia”. La pieza contiene un fragmento de los escombros del Albergue Warnes, conjunto edilicio iniciado durante el primer peronismo para albergar un hospital pediátrico de gran escala, cuya construcción quedó inconclusa tras el golpe cívico-militar de 1955 y que, luego de ser habitado durante décadas por cientos de familias, fue demolido en 1991. Encerrado en una pequeña caja de cartón ceñida por una cinta con los colores de la bandera argentina, el resto material del edificio condensa la promesa política y social de aquel proyecto y una historia posterior marcada por sucesivas interrupciones del orden democrático y por el abandono estatal.

Una modulación diferente de estas insistencias se produce en el terreno de las prácticas editoriales y postales. Susana Lombardo se vinculó a las plataformas de intercambio del arte correo desde 1982, a partir del contacto con Vigo y Gutiérrez Marx. En 1984 participó, junto con Gutiérrez Marx y otros artistas, de la creación en Rosario de la Asociación Latinoamericana y del Caribe de Artistascorreo. Por esos mismos años integró la Compañía de la Tierra Malamada. En Repertorio, libro de artista de Lombardo publicado en 2017 por Fa Editora, esta trama se reactualiza a través de la persistencia transformada del libro, la edición y el intercambio como espacios de experimentación artística. Desde Bernal, Hilda Paz participó también de esas redes. Tras integrar algunas acciones de Arte Gráfico-Grupo Buenos Aires, se volcó a la poesía visual experimental y al arte correo. Con Gutiérrez Marx editó entre 1985 y 1992 el “periódico marginal” de arte correo Hoje Hoja Hoy. Junto a Romero, con quien integró diversos colectivos, dirigió desde 1997 la revista 2 de Oro, dedicada a la poesía visual y experimental.

Estas insistencias no restituyen el repertorio formal de la vanguardia como una herencia disponible para ser citada o repetida. Movilizan, en cambio, un reservorio de estrategias críticas y pedagogías de intervención capaces de incidir en otro presente. Así, lo que insiste vuelve desplazado diagonalmente bajo otras condiciones históricas. Los objetos y los espacios acumulan tiempos y guardan formas de acción distantes, y la exposición activa entre ellos contactos que atraviesan la cronología y permiten que momentos separados se pongan en relación. En esa posibilidad resuena la idea vigiana de un arte tocable. En las conexiones que esta exposición ensaya entre escenas, materialidades, cuerpos y objetos se reconoce una preocupación por abrir el arte a las coordenadas de su tiempo y por incomodar categorías y territorios estabilizados, mediante desplazamientos entre el objeto artístico y sus desmarques institucionales, entre la poesía y la calle, entre el arte y la política, entre los futuros imaginados por la vanguardia y las trayectorias interrumpidas que vuelven a pulsar en nuestro presente.

Fernando Davis

 

Documentos

1.
Arte Argentino Actual
Catálogo de exposición
Museo Municipal de Bellas Artes de Bahía Blanca, 1966
Fondo Carlos Ginzburg

2.
Edgardo Antonio Vigo, Jorge de Luján Gutiérrez y Omar Gancedo
Fotografía, c. 1966
Fondo Luis Pazos

3.
Primer Salón Nacional de Arte Joven
Folleto de exposición con Pirámide, poesía fonética de Luis Pazos
Colegio de Farmacéuticos de la Provincia de Buenos Aires, La Plata, 1966
Fondo Carlos Ginzburg

4.
Edgardo Antonio Vigo
Poemas (in) sonoros, un disco para mirar, 1969
Papel impreso, 17,5 x 17,6 cm
Fondo Carlos Ginzburg

5.
Por Alquimia. Revista comprometida en actividades poéticas
Año I, n° 2, abril-junio de 1966
Dirección: Claudio Román [seudónimo de Mario “Quico” García]
Tapa: grabado de Lucio Loubet

6.
Novísima Poesía / 69
Catálogo de exposición
Museo Provincial de Bellas Artes, La Plata, 1969

7.
Luis Pazos
El arte no es una teoría; es un acto de libertad, 1969
Volante. Impresión tipográfica sobre papel
12 x 18 cm

8.
Graciela Gutiérrez Marx y Luis Pazos junto a la escultura Centauromaquia de la artista
Fotografía, c. 1973
Fondo Luis Pazos

9.
Néstor García Canclini, “Vanguardias artísticas y cultura popular”
Transformaciones n° 90
Centro Editor de América Latina, 1973

10.
Centro de Experimentación Visual (CEV)
María Arana Segura, Andrés Giménez, Eduardo Leonetti, Raúl Pane, Jorge Pereira, Ramón Pereira, Roberto Rollié y Juan Carlos Romero
Colaboración en a.e.d.g.i., revista de la Asociación de Empleados de la Dirección General Impositiva, n° 8, julio-septiembre de 1971

11.
César Paternosto, Alejandro Puente, N. Jorge Povarché y Alan Bowness
Fotografía, 1965
Fondo César Paternosto

12.
Arte Gráfico-Grupo Buenos Aires
Horacio Beccaría, César Ariel Fioravanti, Julio Leonelo Muñeza, Marcos Paley, Juan Carlos Romero y Ricardo Tau
Grabados en el mar
Afiche de exposición, 41,8 x 33,5 cm
Mar del Plata, 1971
Fondo Archivo Romero por/venir

13.
Carlos Ginzburg
10 ideas de arte pobre, 1971
Edición La Flaca Grabada, La Plata
Carpeta de cartón, papel impreso e hilo
Fondo Carlos Ginzburg

14.
Carlos Ginzburg
El árbol humano (Paisaje Naturalista), 1970
Fotografía, 14 x 9,6 cm; papel impreso, 9,6 x 17,5 cm
Fondo Carlos Ginzburg

15.
Carlos Ginzburg
Pedo, 1971
Fotografía, 12,1 x 9 cm
Fondo Carlos Ginzburg

16.
Grupo Escombros
Horacio D’Alessandro, David Edward, Luis Pazos, Héctor Puppo, Juan Carlos Romero y Teresa Volco
El Gran Sueño Argentino, 1991
Objeto múltiple n° 2, Ediciones Grupo Escombros
Caja de cartón, escombro, papel impreso y cinta textil, 5,7 x 12 x 9 cm
Fondo Grupo Escombros

17.
César Paternosto
Piedra abstracta. La escultura inca: una visión contemporánea
Fondo de Cultura Económica, Buenos Aires, 1989
Fondo César Paternosto

18.
Edgardo Antonio Vigo
Latinoamericano culto. Versión europea, 1973
Edición del Centro de Arte y Comunicación (CAyC), Buenos Aires

19.
Carlos Ginzburg
Piedra, 1972
Señalamiento realizado por el artista en Guatapé, Colombia, en el marco de la III Bienal Coltejer de Medellín
Fotografías, 18 x 23,8 cm
Fondo Carlos Ginzburg

20.
Grupo Escombros
La Ciudad del Arte
Horacio D’Alessandro, David Edward, Luis Pazos, Héctor Puppo y Juan Carlos Romero
Edición del grupo, La Plata, 1989
Fondo Grupo Escombros

21.
Edgardo Antonio Vigo
Autobiografía y Neoliberalismo, 1996
Dos postales de arte correo enviadas a Marcela Cabutti
Cartón, papel, tinta e impresiones
Archivo Marcela Cabutti

22.
1954-1994. Edgardo-Antonio Vigo
Catálogo de exposición
Fundación Centro de Artes Visuales, La Plata, 1994

23.
2 de Oro. Revista de Poesía Visual Experimental
Año 1, n° 1, Centro de Arte Moderno, Quilmes, noviembre de 1997
Directores: Hilda Paz y Juan Carlos Romero
Fondo Archivo Romero por/venir

24.
Susana Lombardo
Repertorio, 2017
Libro de artista, Fa Editora
Colección de Publicaciones de Arte Impreso

25.
Marcela Cabutti
Poesías inflables, 1995
Intervención en la playa de Boca Cerrada, Punta Lara, Ensenada
Objetos realizados en PVC, materiales diversos y serigrafía, 300 x 100 x 3 cm
Archivo Marcela Cabutti

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Una conferencia invertida

Sábado 29.08.26
18:00h
Auditorio

Rodrigo Barcos recorre once años de trabajo propio —obra, curaduría y escritura— buscando la única técnica que los atraviesa: la inversión. Y como se trata de una técnica que consiste en dar vuelta las cosas, la conferencia replicará este modelo culminando en la presentación de su libro.

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Performance. Con el arte en el cuerpo
Regina Igarzabal

Sábado 22.08.26
19:30h
Sala B

 

Regina Igarzabal, junto a un grupo de performers de distintas regiones de Argentina, amuchades en la ciudad de La Plata por distintas circunstancias, proponen para esta exposición una cita a la cuarta edición del «Museo Bailable» curado por Roberto Jacoby en 1988. Aquella experiencia colectiva de body art inspira hoy una revisión situada de las acciones escénicas en La Plata, 38 años después, para abrir una pregunta: ¿cómo continúa el cuerpo siendo territorio de producción artística, política y afectiva? Este recorrido performático pone en valor prácticas escénicas contemporáneas y abre un espacio para las voces y expresiones de la cultura cuir que habita hoy la ciudad.

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Vacaciones en el Centro

Del 23.07.26 al 2.08.26
De jueves a domingos de 15:00 a 19:00h
ENTRADA LIBRE Y GRATUITA

 

Jueves 23.07.26 – 16:00h – Auditorio
Los cuadernos de André Andrazur
Duración: 45 min – A partir de 5 años

En un mundo post-apocalíptico dividido por las Montañas Insuperables, Olita Bosco viaja en su singular vehículo «Cacharro» y su amigo el Zorro Pitágoras en busca de sus raíces en la misteriosa Ciudad Diagonal. Guiada por las coordenadas halladas en unos misteriosos cuadernos se embarca en una travesía repleta de encuentros fantásticos a través de juegos de palabras, refranes, y situaciones absurdas y poéticas.

Dramaturgia: Julián Poncetta
Actúan: Maximiliano Ezequiel Lopez, Ariel Fernández, Daniela Stange
Producción: Rocío Passarelli
Colaboración Técnica: Jorge Fernández, Micaela Soledad Santos
Realización: Galpón Momo Teatro
Dirección: Julián Poncetta

 

Viernes 24.07.26 – 16:00h – Auditorio
Cosas que pasan en el barrio
Duración: 40 min – A partir de 3 años

Canciones y juegos se hilvanan e invitan a reencontrarse con la vida cotidiana del barrio; un barrio cualquiera o el barrio de cada quien, un barrio que alberga a las niñeces, les ofrece experiencias, aventuras y recuerdos. «Cosas que pasan» invita a conectar con las emociones y los sentidos, descubrir la música en los sonidos cotidianos, jugar con todo el cuerpo y bailar, crear y ser creativxs, e inventar personajes, transformarse en superheroínas, superhéroes, astronautas y más.

Músicxs: Martina Centurión y Nicolás Soares Netto
Director escénico: Emilio Guevara
Idea y producción general: Cosas que pasan

 

Sábado 25.07.26 – 16:00h – Auditorio
Sapo en Buenos Aires
Duración: 40 min – A partir de 3 años
Basada en el cuento de Gustavo Roldán

Esta es la verdadera historia del Sapo que llegó a Buenos Aires.  La miró con ojos de sapo, la olió con nariz de sapo, tocó las suavidades y las asperezas con patas de sapo y después se volvió a sus pagos.  Pero antes, en el instante de zambullirse en el río para volver, le sacó la lengua a la ciudad. Cuando volvió al monte contó todo lo que sabía, y lo contó con boca de sapo. Pero lo que nunca dijo, y sólo yo lo sé, es que después de sacarle la lengua a la ciudad se le piantó un lagrimón que si no hubiera sido un sapo nadador ahí mismo se queda ahogado para toda la vida.

Dirección: María de los Ángeles Fernández
Interpretación: Valeria Andrinolo
Asistencia y Escenografía: Olivia Grioni
Compañía La ópera encandilada

 

Domingo 26.07.26 – 16:00h – Vidriera Bicentenario
Taller de amuletos
Duración: 90 min – A partir de 10 años

A partir del sentido de lo «hechizo» —lo artesanal, intuitivo y colectivo— que propone la exhibición Intuiciones hechizas te invitamos a formar parte de un «club» efímero por un día mediante acciones compartidas. Vas a confeccionar un amuleto —personal o para regalar— que funcione como objeto protector y acompañante en la vida cotidiana. Exploraremos el sentido de lo «hechizo» y la manera en que el espacio se construye como identidad compartida del Club de la Pintura.

 

Jueves 30.07.26 – 16:00h – Vidriera Bicentenario
Taller de amuletos
Duración: 90 min – A partir de 10 años

A partir del sentido de lo «hechizo» —lo artesanal, intuitivo y colectivo— que propone la exhibición Intuiciones hechizas te invitamos a formar parte de un «club» efímero por un día mediante acciones compartidas. Vas a confeccionar un amuleto —personal o para regalar— que funcione como objeto protector y acompañante en la vida cotidiana. Exploraremos el sentido de lo «hechizo» y la manera en que el espacio se construye como identidad compartida del Club de la Pintura.

 

Viernes 31.07.26 – 16:00 h – Auditorio
Hugo Figueras y “Las estaciones con Melisa”
Duración: 50 min – A partir de 3 años

Hugo Figueras te invita a descubrir una aventura llena de música, juegos, ciencia y colores en «Las Estaciones con Melisa». Un espectáculo para disfrutar en familia. 

 

Sábado 1.08.26 – 16:00h – Auditorio
Los cuadernos de André Andrazur
Duración: 45 min – A partir de 5 años

En un mundo post-apocalíptico dividido por las Montañas Insuperables, Olita Bosco viaja en su singular vehículo «Cacharro» y su amigo el Zorro Pitágoras en busca de sus raíces en la misteriosa Ciudad Diagonal. Guiada por las coordenadas halladas en unos misteriosos cuadernos se embarca en una travesía repleta de encuentros fantásticos a través de juegos de palabras, refranes, y situaciones absurdas y poéticas.

Dramaturgia: Julián Poncetta
Actúan: Maximiliano Ezequiel Lopez, Ariel Fernández, Daniela Stange
Producción: Rocío Passarelli
Colaboración Técnica: Jorge Fernández, Micaela Soledad Santos
Realización: Galpón Momo Teatro
Dirección: Julián Poncetta

 

Domingo 2.08.26 – 16:00h – Auditorio
Cosas que pasa en el barrio
Duración: 40 min – A partir de 3 años

Canciones y juegos se hilvanan e invitan a reencontrarse con la vida cotidiana del barrio; un barrio cualquiera o el barrio de cada quien, un barrio que alberga a las niñeces, les ofrece experiencias, aventuras y recuerdos. «Cosas Que Pasan» invita a conectar con las emociones y los sentidos, descubrir la música en los sonidos cotidianos, jugar con todo el cuerpo y bailar, crear y ser creativxs, e inventar personajes, transformarse en superheroínas, superhéroes, astronautas y más.

Músicxs: Martina Centurión y Nicolás Soares Netto
Director escénico: Emilio Guevara
Idea y producción general: Cosas que pasan

 

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Taller de amuletos

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Domingo 26.07.26
16:00h
Vidriera Bicentenario

Duración: 90 min – A partir de 10 años

A partir del sentido de lo «hechizo» —lo artesanal, intuitivo y colectivo— que propone la exhibición Intuiciones hechizas te invitamos a formar parte de un «club» efímero por un día mediante acciones compartidas. Vas a confeccionar un amuleto —personal o para regalar— que funcione como objeto protector y acompañante en la vida cotidiana. Exploraremos el sentido de lo «hechizo» y la manera en que el espacio se construye como identidad compartida del Club de la Pintura.

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Laboratorio de producción y creación de experiencias inmersivas

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Docente: Agustín Scurzi

Fechas: 11, 18 y 25 de agosto y 1 de septiembre
Horario: de 13:00 a 16:00h
Modalidad: Presencial, gratuita, con cupos limitados en el Centro de Arte UNLP (calle 48 entre 6 y 7, La Plata)

INSCRIPCIÓN: https://forms.gle/aRSdoQRbSYmbBvjr9

 

El Laboratorio propone un espacio de formación, experimentación y producción artística colectiva enfocado en la creación de obras inmersivas que integren diseño espacial, sonoro, visual e interactividad. El aprendizaje técnico y conceptual se articula directamente con la práctica, culminando en la realización de una instalación inmersiva colectiva.

En un contexto atravesado por lo digital, el laboratorio propone un desplazamiento: pensar la tecnología no como un sistema dominante, sino como un medio expresivo y crítico, capaz de ser apropiado creativamente. Frente a la estandarización de las experiencias, la práctica artística se plantea como un espacio de reconfiguración sensible, donde la tecnología se vuelve materia de experimentación y producción estética. El programa explora el cruce entre arte y tecnología a través de las prácticas inmersivas, reflexionando sobre la construcción de atmósferas y situaciones perceptivas que transforman al espectador en un participante activo de la obra.

 

Objetivo general

Propiciar un espacio intensivo de formación, experimentación y producción artística para la creación colectiva de una instalación inmersiva, promoviendo un uso crítico y expresivo de las tecnologías digitales.

 

Objetivos específicos

  • Explorar la relación entre arte y tecnología articulando pensamiento conceptual y experimentación técnica.
  • Introducir a los participantes en herramientas de creación audiovisual interactiva en tiempo real (como TouchDesigner, Resolume Arena, Arduino, Ableton Live, etc).
  • Analizar referentes artísticos que aborden la tecnología como lenguaje estético y campo de reflexión.
  • Promover el trabajo colaborativo interdisciplinario para enriquecer los procesos de creación.
  • Investigar las posibilidades perceptivas y espaciales del arte inmersivo, integrando sonido, imagen y entorno.
  • Desarrollar procesos de creación colectiva que culminen en una obra abierta al público.

 

Módulos de trabajo

El primer módulo estará dedicado a la introducción conceptual y al análisis de obras que abordan la relación entre arte y tecnología, con el objetivo de reconocer estrategias estéticas, técnicas y espaciales propias de las prácticas inmersivas. En esta instancia se realizará también una aproximación inicial a las herramientas tecnológicas a utilizar, mediante demostraciones prácticas que permitan visualizar sus posibilidades de integración.

El segundo módulo se centrará en el diseño de experiencias inmersivas a partir del diálogo entre disciplinas. Contará con la participación de especialistas invitados en diseño espacial, diseño visual y diseño sonoro, quienes compartirán herramientas conceptuales y metodológicas vinculadas a la construcción de entornos perceptivos, narrativas espaciales y sistemas audiovisuales.

El tercer módulo estará orientado a la experimentación práctica y al desarrollo de pruebas técnicas, explorando la relación entre imagen, sonido, espacio e interactividad. En esta etapa se trabajará en la articulación de los distintos lenguajes y dispositivos, así como en la definición conceptual y formal de la obra colectiva.

El cuarto módulo se destinará a la producción y montaje de la instalación inmersiva, integrando los materiales desarrollados durante el proceso. Esta instancia incluirá la organización del espacio, ajustes técnicos, puesta en funcionamiento del sistema interactivo y preparación de la activación pública de la obra.

 

Destinatarixs

El laboratorio está dirigido a artistas, estudiantes y creadores provenientes de disciplinas vinculadas a las artes visuales, audiovisuales, escénicas, sonoras, multimediales y tecnológicas, así como a personas interesadas en explorar procesos de creación interdisciplinarios.

Se priorizará la participación de perfiles diversos, con el fin de favorecer el intercambio de saberes y la construcción colectiva desde perspectivas disciplinares distintas. No se requieren conocimientos técnicos avanzados, aunque se valorará la experiencia previa en prácticas artísticas, audiovisuales, performáticas o tecnológicas.

El laboratorio se desarrollará en modalidad intensiva presencial, estructurada en cuatro encuentros de tres horas cada uno. La cursada es secuencial: cada sesión combinará análisis, práctica y producción, retomando lo trabajado anteriormente para consolidar un proceso continuo de aprendizaje y creación.

 

Docente
Agustín Scurzi (@coiron_electronico). Licenciado en Diseño Multimedial por la UNLP y se especializa en el diseño y desarrollo de experiencias inmersivas, instalaciones interactivas y tecnologías aplicadas al arte, la cultura y museos. Actualmente se desempeña como coordinador y especialista tecnológico en la Dirección de Innovación y Tecnologías Culturales del Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires, donde desarrolla proyectos de cultura digital, domos inmersivos, videomapping, instalaciones en museos provinciales y municipales, entre otros. También trabaja como asesor tecnológico para distintas galerías y como docente ayudante diplomado en la Facultad de Artes de la UNLP, en el seminario Prácticas Multimediales y Electrónicas en el Ámbito Artístico.

 

Seleccionades

Camila Adorno
Dana Svetliza
Elena Migliore
Fermin Filiberto
Francisca Recalde
Lucas Bozzi
Luna De Rito
Maite Graciana Llamas
Marcos Juárez Agüero
María Valentina Wiehl
Mariela Vita
Mercedes Agustina Oliva
Milagros Martinez Pintos
Narda Tundidor
Nicolás Daniele Vega
Nicolás Maximiliano Barragán
Pedro Augusto Robinet
Rocío Burgos Gómez
Rocío Malena Gómez

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Programa de formación en arte, curaduría y teorías contemporáneas

Coordinación: Fernando Davis
Docentes: Florencia Battiti, María Teresa Constantin, Cecilia Nisembaum, Elena Sedán, Nayla Luz Vacarezza

 

De agosto a octubre de 2026
Modalidad virtual sincrónica
Actividad no arancelada

Inscripción: https://forms.gle/zxc7Shyi3nu8u8FY8

 Cronograma
Inicio inscripción: 17 de junio
Cierre de la inscripción: 3 de julio
Resultados: 17 de julio

 

El Programa de formación en arte, curaduría y teorías contemporáneas del Centro de Arte UNLP constituye un espacio de encuentro, reflexión y producción crítica y situada en torno a las prácticas artísticas y curatoriales contemporáneas y los debates que las atraviesan. Su objetivo es promover la construcción de herramientas teóricas y metodológicas para la formación, la investigación y el intercambio entre artistas, curadorxs, investigadorxs, estudiantes y trabajadorxs de la cultura. En su edición 2026, el Programa se desarrolla a cincuenta años del golpe cívico-militar, conmemoración que reclama renovar el compromiso con las consignas de Memoria, Verdad y Justicia, así como reafirmar el valor de la educación pública, gratuita y de calidad como una conquista colectiva indispensable para la construcción democrática.

El conjunto de seminarios que integran el Programa aborda las relaciones entre arte, curaduría, memoria y archivo, atendiendo a las formas en que las prácticas artísticas participan en los modos de recordar, narrar e interpretar la historia. Al mismo tiempo, exploran la capacidad del arte para interrogar los relatos establecidos, movilizar la imaginación política y ensayar otras formas de vincular pasado, presente y futuro. Desde esta perspectiva, la memoria no se concibe como un mero ejercicio retrospectivo, sino como una práctica de futuro, una fuerza crítica capaz de intervenir en el presente y de contribuir a la invención de mundos todavía no realizados. El arte aparece como un espacio comprometido con lo por/venir, capaz de reactivar experiencias, imágenes y luchas que continúan operando en el presente, no como una herencia fija sino como una reserva de posibilidades todavía abiertas para imaginar otros modos de vida compartida. En el marco de los cincuenta años del golpe, la defensa de la universidad pública, del arte y de la cultura forma parte de una apuesta colectiva por ampliar los horizontes de lo común y fortalecer las condiciones para la construcción de futuros más justos y democráticos.

 

Destinatarias/os/es
Estudiantes, docentes, investigadores de arte, literatura, ciencias sociales y comunicación. Artistas, diseñadores y realizadores.

 

Requisitos para la inscripción
– Disponibilidad horaria para cursar el programa de manera completa.
– Se otorgará un certificado de asistencia por el programa completo a aquelles que cumplan con el 80% de la cursada de cada seminario.

 

Documentación a presentar
– Curriculum Vitae: formato abreviado de no más de una carilla, donde conste la formación profesional y disciplinar y los antecedentes más relevantes de los últimos cinco años, priorizando aquellos que considere afines a la propuesta de este programa.
– Carta de motivación dirigida a las autoridades del Centro de Arte, de no más de una carilla, explicitando en qué sentido el conjunto de seminarios se vincula con su propia trayectoria, producción artística y/o líneas de investigación, contribuyendo a ampliarlas o posibilitando nuevas indagaciones y preguntas teóricas.

 

Consultas: formacioncentrodearteunlp@gmail.com
Asunto: Inscripción 2026

 

Evaluación
Un comité integrado por la Dra. Mariel Ciafardo (Secretaria de Arte y Cultura de la UNLP), la Dra. Natalia Giglietti (Directora del Centro de Arte de la UNLP) y el Lic. Fernando Davis (Coordinador del Programa) seleccionarán a les postulantes para cursar los seminarios, sobre una vacante aproximada de 45 personas.

 

Seminario
Criticar una exposición. Cuerpo y materia. Arte argentino entre 1976 y 1985
María Teresa Constantin
Martes 4, 11, 18 y 25 de agosto, de 18:00 a 20:00h

A 50 años del golpe de Estado y a 20 años de la realización de la exposición que abordó el arte bajo la última dictadura, proponemos analizarla críticamente. Cuerpo y materia. Arte argentino entre 1976 y 1985 se propuso contribuir a una historia de esos años y señalar aspectos que permitieran analizar de qué manera reaccionó el campo artístico frente a una situación política signada por la represión que desató el terrorismo de Estado. Exhibida en el Espacio Imago de Fundación OSDE entre el 18 de abril y el 9 de junio de 2006, reunió 168 obras realizadas durante esos años y abundante documentación de la época. Este seminario abordará conceptos básicos de curaduría y crítica de arte, así como cuestiones vinculadas con la historia, la memoria y el giro subjetivo.

María Teresa Constantin. Historiadora, crítica de arte y curadora. Egresada de la Escuela del Museo del Louvre, París. Ha trabajado en museos de Francia, España y Argentina. Tiene publicados libros y numerosos ensayos y artículos especializados. Ha realizado la curaduría de Cuerpo y materia. Arte argentino entre 1975 y 1985 (Fundación OSDE, 2006), Juan Pablo Renzi (1940-1992). La razón compleja, (Fundación OSDE, 2009 y Centro Cultural Parque de España, Rosario, 2010), Paraná Ra´anga (Centro Cultural de España, Asunción, Paraguay, 2011; con itinerancia durante 2012-2013 en las ciudades de Corrientes, Santa Fe, Rosario y Buenos Aires), entre otras exposiciones. En 2014 fue curadora del MAF/Mes de Arte Fueguino, Bienal de Arte Contemporáneo (Tierra del Fuego) y, en 2015, del Pabellón Argentino en la Bienal de Venecia con la obra de Juan Carlos Distéfano. En 2016 fue convocada por el Ministerio de Innovación y Cultura de la provincia de Santa Fe para la co-curaduría, con Martín Prieto, de la exposición Conexión Saer, inaugurada en el Museo Rosa Galisteo de Rodríguez de Santa Fe, para itinerar luego por diferentes ciudades hasta el año 2018. Ha sido jurado en diversos premios a las artes visuales, entre otros: UADE, Banco Nación, Banco Central y Salón Nacional. Es miembro de AACA (Asociación Argentina de Críticos de Arte). Fue Directora Artística de la Fundación OSDE entre 2007 y 2020 y del centro de creación contemporánea ArtHaus entre 2020 y 2025.

 

Seminario
Memorias en escena: prácticas artístico-políticas contemporáneas en el Parque de la Memoria
Florencia Battiti y Cecilia Nisembaum
Martes 1, 8, 15 y 22 de septiembre, de 18:00 a 20:00h

En el marco de la conmemoración de los 50 años del golpe de Estado, este seminario se propone analizar las complejas articulaciones entre las prácticas artísticas contemporáneas, la construcción de la memoria colectiva y el accionar político. A través de un recorrido de cuatro clases, nos enfocaremos en el análisis crítico de diversas exposiciones y dispositivos visuales que han tenido lugar en el Parque de la Memoria, entendiendo este espacio como un laboratorio de experimentación donde la estética dialoga directamente con la demanda de justicia y la elaboración del pasado reciente.

Nuestro objetivo es intentar desentrañar cómo el arte contemporáneo interviene en la esfera pública para disputar sentidos sobre la historia, utilizando estudios de casos específicos. Se indagará en las estrategias visuales que desafían los relatos oficiales y en cómo la curaduría en sitios de memoria funciona como una herramienta de activismo que mantiene vigente las preguntas por la identidad y la desaparición forzada. De este modo, el seminario busca profundizar en la capacidad del arte para configurar nuevas formas de visibilidad política y resistencia crítica a medio siglo del quiebre democrático y ante los nuevos desafíos de un presente de sesgos autoritarios y fuerte disputa sobre el sentido público de la memoria del terrorismo de Estado.

Florencia Battiti. Curadora, crítica de arte y docente de arte contemporáneo. Actualmente se desempeña como Directora Ejecutiva del Parque de la Memoria – Monumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado, donde se desempeñó como Curadora en Jefe desde 2011. En 2013, obtuvo la Beca Trabucco con un proyecto de investigación sobre la irrupción de la memoria política en el arte argentino durante los años noventa. En 2016 obtuvo el Premio Radio France Internationale y Radio Cultura al Fomento de las Artes por el Programa Curatorial del Parque de la Memoria. Fue curadora del envío argentino a la Bienal Internacional de Arte de Venecia en 2019. Fue Presidenta de la Asociación Argentina de Críticos de Arte (AACA) desde 2022 a 2026, es Profesora de la Maestría de Curaduría de la Universidad Nacional de Tres de Febrero e integra el equipo curatorial de Bienalsur desde su primera edición.

Cecilia Nisembaum. Curadora, licenciada en Artes por la Universidad de Buenos Aires (UBA) y docente de Artes Visuales. Actualmente se desempeña como curadora en el Parque de la Memoria – Monumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado, donde tiene a su cargo la curaduría de la sala PAyS, de exposiciones temporarias y el Programa de Arte Público. Trabaja de forma independiente en proyectos artísticos y educativos relacionados con la temática de Arte y Memoria. Durante 2024 formó parte del proceso de investigación y curaduría de la sala Encuentros en el Museo de la Memoria de Rosario, exposición permanente sobre infancias, inaugurada en 2025, que a través del arte contemporáneo propone un diálogo intergeneracional sobre memoria, verdad y justicia. Recientemente curó, junto a Fernando Farina, la exposición Errázuriz – Lestido, de las fotógrafas Paz Errázuriz y Adriana Lestido en el Centro Cultural Matta de la Embajada de Chile, como parte de la progamación de Bienalsur.

 

Seminario
Archivo y después: prácticas curatoriales, activaciones, memorias y disputas en el arte contemporáneo
Elena Sedán
Martes 6, 13, 20 y 27 de octubre, de 18:00 a 20:00h

La actualidad del concepto de archivo, así como su creciente circulación en las producciones artísticas contemporáneas, en las prácticas museográficas y curatoriales y en los programas destinados a la conservación e incorporación institucional de materiales documentales, provoca, sin lugar a dudas, un renovado estatuto de los archivos de arte -y de los artistas- y habilita nuevas preguntas en torno a las políticas y poéticas del conocimiento, así como también tensiones y disputas. ¿Cómo se establecen las políticas de administración de la memoria en el trabajo con archivos? ¿Cuáles son los principios básicos y las estrategias para asegurar el acceso público? (Cristina Freire). Desde esta perspectiva, los archivos encierran nociones de espacio, tiempo, formas de ver, de mostrar y de coleccionar; diferentes y conflictivos puntos de vista que van más allá de las preguntas ¿por qué preservar?, ¿qué preservar? o ¿de quién preservar?

En el campo del arte, los archivos se constituyen no sólo como repositorios de documentos, sino como dispositivos críticos capaces de interrogar las narrativas históricas dominantes, la gestión de lo visible y las relaciones entre arte y política. En este sentido, el archivo puede ser entendido como un espacio de activación donde cuerpos, objetos e imágenes se transforman en agentes de memoria que permiten indagar experiencias históricas, afectivas y políticas que exceden los relatos oficiales.

Este seminario propone reflexionar sobre la identidad propia de los archivos de arte y recorrer diversas estrategias de reunión, activación y exhibición que pretenden intervenir en las genealogías establecidas; visibilizar historias silenciadas o poco estudiadas y ponerlas en valor. A partir del análisis de casos provenientes del arte contemporáneo argentino y latinoamericano, se abordarán los modos en que los archivos traccionan la irrupción de un pasado que concierne al mañana y su promesa porvenir (Andrés Maximiliano Tello).

Elena Sedán. Docente e investigadora. Profesora Titular de la cátedra Teoría de la Historia de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata (FDA-UNLP). Investigadora radicada en el Instituto de Investigación en Producción y Enseñanza del Arte Argentino y Latinoamericano (IPEAL, FDA-UNLP). Sus últimas publicaciones e investigaciones trabajan en torno a los archivos de arte y a los archivos personales de artistas, en la recuperación, reunión y puesta en valor de la vanguardia experimental platense y del arte ecológico en experiencias específicas desde 1970 a la actualidad. Codirigió NIMIO. Revista de la cátedra Teoría de la Historia, publicación especializada en arte y archivos. Desde 2023, codirige el proyecto de investigación “Archivos de arte, de artistas y de colectivos artísticos en la ciudad de La Plata desde 1970 a la actualidad: Aportes teóricos, metodológicos y estrategias de acceso público” (I+D-UNLP). Actualmente realiza tareas de investigación en el Archivo de Arte del Centro de Arte de la UNLP, coordina la Diplomatura de Posgrado en Conservación y Restauración del Patrimonio (FDA-UNLP) y es Directora del Departamento de Estudios Históricos y Sociales de la Facultad de Artes (UNLP).

 

Seminario
Performatividad y protesta: la política sensible de la revuelta feminista
Nayla Luz Vacarezza
Martes 3, 10, 17 y 24 de noviembre, de 18:00 a 20:00h

En la última década, un extraordinario ciclo de protestas feministas sacudió las agendas políticas latinoamericanas. Acontecimientos con alcance regional como el Ni Una Menos, los Paros Internacionales de Mujeres y la Marea Verde se entramaron con otros estallidos como las Alertas Feministas en Uruguay, la Primavera Violeta en México, el Mayo Feminista en Chile y el Ele Não en Brasil. Estas protestas se caracterizaron por un extraordinario despliegue de lenguajes expresivos y creativos que cuestionaron tanto el orden cis-hetero-patriarcal como sus enlaces con el capitalismo, el racismo, el colonialismo y los autoritarismos. Acciones que utilizaron la quietud, el movimiento concertado y el baile, el silencio y el canto, la desnudez y la vestimenta, el cartel y la bandera, los grafitis, los murales, las performances, el teatro callejero, la radio popular y la poesía brotaron en las calles y se viralizaron en internet. Reflexionar sobre la performatividad de estas protestas y sus apuestas poético-expresivas implica dar cuenta de su capacidad para crear y transformar sujetos políticos, discursos, cuerpos y afectos a través de la acción colectiva coordinada. Más que representar algo que se proclama como dado, estas acciones abrieron campos de experimentación para re-imaginar críticamente el género, la sexualidad, el placer y la violencia. También, invitaron a habitar las dimensiones procesuales de una transformación social que aspira a alcanzar las zonas más sutiles de lo social. Así, las formas en que vemos, sentimos y percibimos se convierten en terrenos de disputa y se abren a nuevas posibilidades. En un tiempo donde las fuerzas conservadoras despliegan políticas de odio, crueldad y terror contra lo que llaman “ideología de género”, proponemos recuperar la fuerza performativa de la revuelta y sus formas de imaginación política en clave feminista y sexo-disidente.

Luz Nayla Vacarezza. Docente e investigadora feminista. Doctora en Ciencias Sociales por la Universidad de Buenos Aires e Investigadora Adjunta del CONICET. También enseña teorías feministas y estudios de género en la Carrera de Sociología de la UBA. Actualmente es Visiting Fellow de Gonville & Caius College, Universidad de Cambridge. Su trabajo analiza, con una mirada transnacional, los aspectos culturales, visuales y afectivos de las luchas por el derecho al aborto en el Cono Sur de Latinoamérica. En ese proceso, busca crear espacios híbridos de diálogo, colaboración y alianza entre la investigación, el activismo y el arte. Es co-autora, con July Chaneton, del libro La intemperie y lo intempestivo. Experiencias del aborto voluntario en el relato de mujeres y varones (Marea, 2011). Co-editó, junto con Cecilia Macón y Mariela Solana, el libro Affect, Gender and Sexuality in Latin America (Palgrave Macmillan, 2021) y, junto con Barbara Sutton, el libro Abortion and Democracy. Contentious Body Politics in Argentina, Chile, and Uruguay (Routledge, 2021). Su libro monográfico Las pasiones alegres del feminismo. O cómo agitar la imaginación política contemporánea se publicó en 2025 por Siglo Veintiuno Editores. Actualmente prepara, junto con Barbara Sutton, el libro De Gruyter Handbook of Abortion Politics in Global Perspective (De Gruyter).

 

Coordinador
Fernando Davis. Profesor Titular de la cátedra Teoría de la Práctica Artística / Teoría del Arte de la Facultad de Artes de la UNLP. Actualmente dirige el proyecto de I+D “Escenas de disenso y agencia política en el arte contemporáneo. Ensamblajes sensibles, ficciones performativas y torsiones de la imagen”, radicado en el Instituto de Investigación en Producción y Enseñanza del Arte Argentino y Latinoamericano (IPEAL) de la Facultad de Artes de la UNLP. Desde junio de 2026 dirige el Archivo de Arte del Centro de Arte UNLP. Sus investigaciones se centran en las prácticas crítico-políticas de los conceptualismos en América Latina desde 1960, las redes experimentales de artistas y las poéticas queer. Entre las últimas exposiciones en las que se ha desempeñado como curador, se encuentran Inventar a la intemperie. Desobediencias sexuales e imaginación política en el arte contemporáneo (Parque de la Memoria – Monumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado, 2021), Cristina Piffer. Archivos pulsantes, imágenes intempestivas, supervivencias espectrales (Centro de Arte UNLP, 2022), Luis Pazos. Poesía vital (ArtHaus y Centro de Arte UNLP, 2024 y 2025), Martha Peluffo. Estados suspensivos (Colección AMALITA, 2025) y Alberto Greco. Viva el arte vivo (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, 2026).

 

Evaluadoras
Mariel Ciafardo. Doctora en Artes y Profesora en Historia de las Artes Visuales de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata (FDA-UNLP). Investigadora, docente y artista visual. Profesora Titular Ordinaria de las cátedras de Lenguaje Visual 1 y 2 B en la FDA. Docente-Investigadora Categoría 1. Actualmente dirige el proyecto de investigación “Artes visuales contemporáneas latinoamericanas. Los vestigios formales del pasado en el presente”. Directora de tesis de posgrado y de becarios de investigación. Ha dictado cursos de posgrado en distintas universidades nacionales. Miembro del Comité Académico del Instituto de Investigación en Producción y Enseñanza del Arte Argentino y Latinoamericano (IPEAL). Autora de libros, capítulos de libro y de artículos en revistas especializadas. En 2020, publicó el libro La enseñanza del Lenguaje Visual. Bases para la construcción de una propuesta alternativa. Evaluadora de proyectos de Investigación y de becas e integrante de jurados de certámenes, salones, concursos y tribunales de tesis de grado y posgrado. Secretaría de Arte y Cultura de la UNLP durante el período 2022-2026 y 2026-2030.

Natalia Giglietti. Doctora en Artes, Licenciada y Profesora en Historia de las Artes Visuales de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata (FDA-UNLP) y Especialista en Crítica de Artes (UNA). Se desempeña como Titular en la cátedra Análisis y Escritura de la Imagen Visual. Fue becaria de investigación tipo A y B de la UNLP. Dirigió los diez números de NIMIO. Revista de la cátedra Teoría de la Historia, publicación especializada en arte y archivos, y el Proyecto de Investigación ”Archivos de arte, de artistas y de colectivos artísticos en la ciudad de La Plata desde 1970 a la actualidad: Aportes teóricos, metodológicos y estrategias de acceso público” (I+D-UNLP). En el período, 2022 y 2025, fue Prosecretaria de Arte de la UNLP y entre 2025 y 2026, Coordinadora del Departamento de Curaduría del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. Actualmente es Prosecretaria de Arte y tiene a su cargo el Centro de Arte de la UNLP.

 

Seleccionades

Julián Aguilar
Mariana Alonso
Tábata Milena Argüello
Lucas Nahuel Arriondo Adzemain
Miranda Barcia Salvatori
Daiana Beliz
Aime Lara Bossio
Julieta Bulletich
María de los Ángeles Ciré
Serena Coria
Guadalupe Cuomo
Paolo Delgado Alama
Renata Di Leo
Lucila Dimola
Belén Espinosa
Candela Fernández Marco
Gabriela Flores
Fermín Filiberto
Cecilia Raquel Gómez
Alejandra Soledad González
Eliana Luján Grilotti
Rubén Guayquinao
Juan Manuel Fiuza
Juan Florenciañez
Micaela Heredia
Carolina Hurtado
Carolina Illescas
Ayesha Jacobi
Elizabeth Lazcano Ñancupil
Iara López
Sofía Manrique
Marisa Mansilla
Mariel Matoz
María Nazarena Mazzarini
Hugo Mendieta Cuevas
Agustín Míguez
Jessica Morillo
Felipe Murdolo
Pavel Nateras
María Carolina Ochoa
Iván Olivares Laferte
Ana Isabel Orozco Aguilarte
Gabriela Raquel Oxalde
Bárbara Paolocá
Maitena Pérez Alonso
Nadia Pissano
María Florencia Pumilla
Ana Raggio
Sofía Raier
Rocío Richetti
Antonella Milagros Rivoira
Mariana Rodríguez Avila
Maximiliano Romero Almenar
Jessica Salgado
Marina Sarmiento
María Fernanda Siciliano
Rocío Taiel Surace
Natalia Tealdi
Jazmín Tesone
Abril Carolina Vargas Hinojosa
Valeria Vargas Nocetti
María Elena Ventura Liriano
Laura Verón
Clara Viera
Ana Volonté

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