Coordinación: Fernando Davis
Docentes: Florencia Battiti, María Teresa Constantin, Cecilia Nisembaum, Elena Sedán, Nayla Luz Vacarezza

 

De agosto a octubre de 2026
Modalidad virtual sincrónica
Actividad no arancelada

Inscripción: https://forms.gle/zxc7Shyi3nu8u8FY8

 Cronograma
Inicio inscripción: 17 de junio
Cierre de la inscripción: 3 de julio
Resultados: 17 de julio

 

El Programa de formación en arte, curaduría y teorías contemporáneas del Centro de Arte UNLP constituye un espacio de encuentro, reflexión y producción crítica y situada en torno a las prácticas artísticas y curatoriales contemporáneas y los debates que las atraviesan. Su objetivo es promover la construcción de herramientas teóricas y metodológicas para la formación, la investigación y el intercambio entre artistas, curadorxs, investigadorxs, estudiantes y trabajadorxs de la cultura. En su edición 2026, el Programa se desarrolla a cincuenta años del golpe cívico-militar, conmemoración que reclama renovar el compromiso con las consignas de Memoria, Verdad y Justicia, así como reafirmar el valor de la educación pública, gratuita y de calidad como una conquista colectiva indispensable para la construcción democrática.

El conjunto de seminarios que integran el Programa aborda las relaciones entre arte, curaduría, memoria y archivo, atendiendo a las formas en que las prácticas artísticas participan en los modos de recordar, narrar e interpretar la historia. Al mismo tiempo, exploran la capacidad del arte para interrogar los relatos establecidos, movilizar la imaginación política y ensayar otras formas de vincular pasado, presente y futuro. Desde esta perspectiva, la memoria no se concibe como un mero ejercicio retrospectivo, sino como una práctica de futuro, una fuerza crítica capaz de intervenir en el presente y de contribuir a la invención de mundos todavía no realizados. El arte aparece como un espacio comprometido con lo por/venir, capaz de reactivar experiencias, imágenes y luchas que continúan operando en el presente, no como una herencia fija sino como una reserva de posibilidades todavía abiertas para imaginar otros modos de vida compartida. En el marco de los cincuenta años del golpe, la defensa de la universidad pública, del arte y de la cultura forma parte de una apuesta colectiva por ampliar los horizontes de lo común y fortalecer las condiciones para la construcción de futuros más justos y democráticos.

 

Destinatarias/os/es
Estudiantes, docentes, investigadores de arte, literatura, ciencias sociales y comunicación. Artistas, diseñadores y realizadores.

 

Requisitos para la inscripción
– Disponibilidad horaria para cursar el programa de manera completa.
– Se otorgará un certificado de asistencia por el programa completo a aquelles que cumplan con el 80% de la cursada de cada seminario.

 

Documentación a presentar
– Curriculum Vitae: formato abreviado de no más de una carilla, donde conste la formación profesional y disciplinar y los antecedentes más relevantes de los últimos cinco años, priorizando aquellos que considere afines a la propuesta de este programa.
– Carta de motivación dirigida a las autoridades del Centro de Arte, de no más de una carilla, explicitando en qué sentido el conjunto de seminarios se vincula con su propia trayectoria, producción artística y/o líneas de investigación, contribuyendo a ampliarlas o posibilitando nuevas indagaciones y preguntas teóricas.

 

Consultas: formacioncentrodearteunlp@gmail.com
Asunto: Inscripción 2026

 

Evaluación
Un comité integrado por la Dra. Mariel Ciafardo (Secretaria de Arte y Cultura de la UNLP), la Dra. Natalia Giglietti (Directora del Centro de Arte de la UNLP) y el Lic. Fernando Davis (Coordinador del Programa) seleccionarán a les postulantes para cursar los seminarios, sobre una vacante aproximada de 45 personas.

 

Seminario
Criticar una exposición. Cuerpo y materia. Arte argentino entre 1976 y 1985
María Teresa Constantin
Martes 4, 11, 18 y 25 de agosto, de 18:00 a 20:00h

A 50 años del golpe de Estado y a 20 años de la realización de la exposición que abordó el arte bajo la última dictadura, proponemos analizarla críticamente. Cuerpo y materia. Arte argentino entre 1976 y 1985 se propuso contribuir a una historia de esos años y señalar aspectos que permitieran analizar de qué manera reaccionó el campo artístico frente a una situación política signada por la represión que desató el terrorismo de Estado. Exhibida en el Espacio Imago de Fundación OSDE entre el 18 de abril y el 9 de junio de 2006, reunió 168 obras realizadas durante esos años y abundante documentación de la época. Este seminario abordará conceptos básicos de curaduría y crítica de arte, así como cuestiones vinculadas con la historia, la memoria y el giro subjetivo.

María Teresa Constantin. Historiadora, crítica de arte y curadora. Egresada de la Escuela del Museo del Louvre, París. Ha trabajado en museos de Francia, España y Argentina. Tiene publicados libros y numerosos ensayos y artículos especializados. Ha realizado la curaduría de Cuerpo y materia. Arte argentino entre 1975 y 1985 (Fundación OSDE, 2006), Juan Pablo Renzi (1940-1992). La razón compleja, (Fundación OSDE, 2009 y Centro Cultural Parque de España, Rosario, 2010), Paraná Ra´anga (Centro Cultural de España, Asunción, Paraguay, 2011; con itinerancia durante 2012-2013 en las ciudades de Corrientes, Santa Fe, Rosario y Buenos Aires), entre otras exposiciones. En 2014 fue curadora del MAF/Mes de Arte Fueguino, Bienal de Arte Contemporáneo (Tierra del Fuego) y, en 2015, del Pabellón Argentino en la Bienal de Venecia con la obra de Juan Carlos Distéfano. En 2016 fue convocada por el Ministerio de Innovación y Cultura de la provincia de Santa Fe para la co-curaduría, con Martín Prieto, de la exposición Conexión Saer, inaugurada en el Museo Rosa Galisteo de Rodríguez de Santa Fe, para itinerar luego por diferentes ciudades hasta el año 2018. Ha sido jurado en diversos premios a las artes visuales, entre otros: UADE, Banco Nación, Banco Central y Salón Nacional. Es miembro de AACA (Asociación Argentina de Críticos de Arte). Fue Directora Artística de la Fundación OSDE entre 2007 y 2020 y del centro de creación contemporánea ArtHaus entre 2020 y 2025.

 

Seminario
Memorias en escena: prácticas artístico-políticas contemporáneas en el Parque de la Memoria
Florencia Battiti y Cecilia Nisembaum
Martes 1, 8, 15 y 22 de septiembre, de 18:00 a 20:00h

En el marco de la conmemoración de los 50 años del golpe de Estado, este seminario se propone analizar las complejas articulaciones entre las prácticas artísticas contemporáneas, la construcción de la memoria colectiva y el accionar político. A través de un recorrido de cuatro clases, nos enfocaremos en el análisis crítico de diversas exposiciones y dispositivos visuales que han tenido lugar en el Parque de la Memoria, entendiendo este espacio como un laboratorio de experimentación donde la estética dialoga directamente con la demanda de justicia y la elaboración del pasado reciente.

Nuestro objetivo es intentar desentrañar cómo el arte contemporáneo interviene en la esfera pública para disputar sentidos sobre la historia, utilizando estudios de casos específicos. Se indagará en las estrategias visuales que desafían los relatos oficiales y en cómo la curaduría en sitios de memoria funciona como una herramienta de activismo que mantiene vigente las preguntas por la identidad y la desaparición forzada. De este modo, el seminario busca profundizar en la capacidad del arte para configurar nuevas formas de visibilidad política y resistencia crítica a medio siglo del quiebre democrático y ante los nuevos desafíos de un presente de sesgos autoritarios y fuerte disputa sobre el sentido público de la memoria del terrorismo de Estado.

Florencia Battiti. Curadora, crítica de arte y docente de arte contemporáneo. Actualmente se desempeña como Directora Ejecutiva del Parque de la Memoria – Monumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado, donde se desempeñó como Curadora en Jefe desde 2011. En 2013, obtuvo la Beca Trabucco con un proyecto de investigación sobre la irrupción de la memoria política en el arte argentino durante los años noventa. En 2016 obtuvo el Premio Radio France Internationale y Radio Cultura al Fomento de las Artes por el Programa Curatorial del Parque de la Memoria. Fue curadora del envío argentino a la Bienal Internacional de Arte de Venecia en 2019. Fue Presidenta de la Asociación Argentina de Críticos de Arte (AACA) desde 2022 a 2026, es Profesora de la Maestría de Curaduría de la Universidad Nacional de Tres de Febrero e integra el equipo curatorial de Bienalsur desde su primera edición.

Cecilia Nisembaum. Curadora, licenciada en Artes por la Universidad de Buenos Aires (UBA) y docente de Artes Visuales. Actualmente se desempeña como curadora en el Parque de la Memoria – Monumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado, donde tiene a su cargo la curaduría de la sala PAyS, de exposiciones temporarias y el Programa de Arte Público. Trabaja de forma independiente en proyectos artísticos y educativos relacionados con la temática de Arte y Memoria. Durante 2024 formó parte del proceso de investigación y curaduría de la sala Encuentros en el Museo de la Memoria de Rosario, exposición permanente sobre infancias, inaugurada en 2025, que a través del arte contemporáneo propone un diálogo intergeneracional sobre memoria, verdad y justicia. Recientemente curó, junto a Fernando Farina, la exposición Errázuriz – Lestido, de las fotógrafas Paz Errázuriz y Adriana Lestido en el Centro Cultural Matta de la Embajada de Chile, como parte de la progamación de Bienalsur.

 

Seminario
Archivo y después: prácticas curatoriales, activaciones, memorias y disputas en el arte contemporáneo
Elena Sedán
Martes 6, 13, 20 y 27 de octubre, de 18:00 a 20:00h

La actualidad del concepto de archivo, así como su creciente circulación en las producciones artísticas contemporáneas, en las prácticas museográficas y curatoriales y en los programas destinados a la conservación e incorporación institucional de materiales documentales, provoca, sin lugar a dudas, un renovado estatuto de los archivos de arte -y de los artistas- y habilita nuevas preguntas en torno a las políticas y poéticas del conocimiento, así como también tensiones y disputas. ¿Cómo se establecen las políticas de administración de la memoria en el trabajo con archivos? ¿Cuáles son los principios básicos y las estrategias para asegurar el acceso público? (Cristina Freire). Desde esta perspectiva, los archivos encierran nociones de espacio, tiempo, formas de ver, de mostrar y de coleccionar; diferentes y conflictivos puntos de vista que van más allá de las preguntas ¿por qué preservar?, ¿qué preservar? o ¿de quién preservar?

En el campo del arte, los archivos se constituyen no sólo como repositorios de documentos, sino como dispositivos críticos capaces de interrogar las narrativas históricas dominantes, la gestión de lo visible y las relaciones entre arte y política. En este sentido, el archivo puede ser entendido como un espacio de activación donde cuerpos, objetos e imágenes se transforman en agentes de memoria que permiten indagar experiencias históricas, afectivas y políticas que exceden los relatos oficiales.

Este seminario propone reflexionar sobre la identidad propia de los archivos de arte y recorrer diversas estrategias de reunión, activación y exhibición que pretenden intervenir en las genealogías establecidas; visibilizar historias silenciadas o poco estudiadas y ponerlas en valor. A partir del análisis de casos provenientes del arte contemporáneo argentino y latinoamericano, se abordarán los modos en que los archivos traccionan la irrupción de un pasado que concierne al mañana y su promesa porvenir (Andrés Maximiliano Tello).

Elena Sedán. Docente e investigadora. Profesora Titular de la cátedra Teoría de la Historia de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata (FDA-UNLP). Investigadora radicada en el Instituto de Investigación en Producción y Enseñanza del Arte Argentino y Latinoamericano (IPEAL, FDA-UNLP). Sus últimas publicaciones e investigaciones trabajan en torno a los archivos de arte y a los archivos personales de artistas, en la recuperación, reunión y puesta en valor de la vanguardia experimental platense y del arte ecológico en experiencias específicas desde 1970 a la actualidad. Codirigió NIMIO. Revista de la cátedra Teoría de la Historia, publicación especializada en arte y archivos. Desde 2023, codirige el proyecto de investigación “Archivos de arte, de artistas y de colectivos artísticos en la ciudad de La Plata desde 1970 a la actualidad: Aportes teóricos, metodológicos y estrategias de acceso público” (I+D-UNLP). Actualmente realiza tareas de investigación en el Archivo de Arte del Centro de Arte de la UNLP, coordina la Diplomatura de Posgrado en Conservación y Restauración del Patrimonio (FDA-UNLP) y es Directora del Departamento de Estudios Históricos y Sociales de la Facultad de Artes (UNLP).

 

Seminario
Performatividad y protesta: la política sensible de la revuelta feminista
Nayla Luz Vacarezza
Martes 3, 10, 17 y 24 de noviembre, de 18:00 a 20:00h

En la última década, un extraordinario ciclo de protestas feministas sacudió las agendas políticas latinoamericanas. Acontecimientos con alcance regional como el Ni Una Menos, los Paros Internacionales de Mujeres y la Marea Verde se entramaron con otros estallidos como las Alertas Feministas en Uruguay, la Primavera Violeta en México, el Mayo Feminista en Chile y el Ele Não en Brasil. Estas protestas se caracterizaron por un extraordinario despliegue de lenguajes expresivos y creativos que cuestionaron tanto el orden cis-hetero-patriarcal como sus enlaces con el capitalismo, el racismo, el colonialismo y los autoritarismos. Acciones que utilizaron la quietud, el movimiento concertado y el baile, el silencio y el canto, la desnudez y la vestimenta, el cartel y la bandera, los grafitis, los murales, las performances, el teatro callejero, la radio popular y la poesía brotaron en las calles y se viralizaron en internet. Reflexionar sobre la performatividad de estas protestas y sus apuestas poético-expresivas implica dar cuenta de su capacidad para crear y transformar sujetos políticos, discursos, cuerpos y afectos a través de la acción colectiva coordinada. Más que representar algo que se proclama como dado, estas acciones abrieron campos de experimentación para re-imaginar críticamente el género, la sexualidad, el placer y la violencia. También, invitaron a habitar las dimensiones procesuales de una transformación social que aspira a alcanzar las zonas más sutiles de lo social. Así, las formas en que vemos, sentimos y percibimos se convierten en terrenos de disputa y se abren a nuevas posibilidades. En un tiempo donde las fuerzas conservadoras despliegan políticas de odio, crueldad y terror contra lo que llaman “ideología de género”, proponemos recuperar la fuerza performativa de la revuelta y sus formas de imaginación política en clave feminista y sexo-disidente.

Luz Nayla Vacarezza. Docente e investigadora feminista. Doctora en Ciencias Sociales por la Universidad de Buenos Aires e Investigadora Adjunta del CONICET. También enseña teorías feministas y estudios de género en la Carrera de Sociología de la UBA. Actualmente es Visiting Fellow de Gonville & Caius College, Universidad de Cambridge. Su trabajo analiza, con una mirada transnacional, los aspectos culturales, visuales y afectivos de las luchas por el derecho al aborto en el Cono Sur de Latinoamérica. En ese proceso, busca crear espacios híbridos de diálogo, colaboración y alianza entre la investigación, el activismo y el arte. Es co-autora, con July Chaneton, del libro La intemperie y lo intempestivo. Experiencias del aborto voluntario en el relato de mujeres y varones (Marea, 2011). Co-editó, junto con Cecilia Macón y Mariela Solana, el libro Affect, Gender and Sexuality in Latin America (Palgrave Macmillan, 2021) y, junto con Barbara Sutton, el libro Abortion and Democracy. Contentious Body Politics in Argentina, Chile, and Uruguay (Routledge, 2021). Su libro monográfico Las pasiones alegres del feminismo. O cómo agitar la imaginación política contemporánea se publicó en 2025 por Siglo Veintiuno Editores. Actualmente prepara, junto con Barbara Sutton, el libro De Gruyter Handbook of Abortion Politics in Global Perspective (De Gruyter).

 

Coordinador
Fernando Davis. Profesor Titular de la cátedra Teoría de la Práctica Artística / Teoría del Arte de la Facultad de Artes de la UNLP. Actualmente dirige el proyecto de I+D “Escenas de disenso y agencia política en el arte contemporáneo. Ensamblajes sensibles, ficciones performativas y torsiones de la imagen”, radicado en el Instituto de Investigación en Producción y Enseñanza del Arte Argentino y Latinoamericano (IPEAL) de la Facultad de Artes de la UNLP. Desde junio de 2026 dirige el Archivo de Arte del Centro de Arte UNLP. Sus investigaciones se centran en las prácticas crítico-políticas de los conceptualismos en América Latina desde 1960, las redes experimentales de artistas y las poéticas queer. Entre las últimas exposiciones en las que se ha desempeñado como curador, se encuentran Inventar a la intemperie. Desobediencias sexuales e imaginación política en el arte contemporáneo (Parque de la Memoria – Monumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado, 2021), Cristina Piffer. Archivos pulsantes, imágenes intempestivas, supervivencias espectrales (Centro de Arte UNLP, 2022), Luis Pazos. Poesía vital (ArtHaus y Centro de Arte UNLP, 2024 y 2025), Martha Peluffo. Estados suspensivos (Colección AMALITA, 2025) y Alberto Greco. Viva el arte vivo (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, 2026).

 

Evaluadoras
Mariel Ciafardo. Doctora en Artes y Profesora en Historia de las Artes Visuales de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata (FDA-UNLP). Investigadora, docente y artista visual. Profesora Titular Ordinaria de las cátedras de Lenguaje Visual 1 y 2 B en la FDA. Docente-Investigadora Categoría 1. Actualmente dirige el proyecto de investigación “Artes visuales contemporáneas latinoamericanas. Los vestigios formales del pasado en el presente”. Directora de tesis de posgrado y de becarios de investigación. Ha dictado cursos de posgrado en distintas universidades nacionales. Miembro del Comité Académico del Instituto de Investigación en Producción y Enseñanza del Arte Argentino y Latinoamericano (IPEAL). Autora de libros, capítulos de libro y de artículos en revistas especializadas. En 2020, publicó el libro La enseñanza del Lenguaje Visual. Bases para la construcción de una propuesta alternativa. Evaluadora de proyectos de Investigación y de becas e integrante de jurados de certámenes, salones, concursos y tribunales de tesis de grado y posgrado. Secretaría de Arte y Cultura de la UNLP durante el período 2022-2026 y 2026-2030.

Natalia Giglietti. Doctora en Artes, Licenciada y Profesora en Historia de las Artes Visuales de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata (FDA-UNLP) y Especialista en Crítica de Artes (UNA). Se desempeña como Titular en la cátedra Análisis y Escritura de la Imagen Visual. Fue becaria de investigación tipo A y B de la UNLP. Dirigió los diez números de NIMIO. Revista de la cátedra Teoría de la Historia, publicación especializada en arte y archivos, y el Proyecto de Investigación ”Archivos de arte, de artistas y de colectivos artísticos en la ciudad de La Plata desde 1970 a la actualidad: Aportes teóricos, metodológicos y estrategias de acceso público” (I+D-UNLP). En el período, 2022 y 2025, fue Prosecretaria de Arte de la UNLP y entre 2025 y 2026, Coordinadora del Departamento de Curaduría del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. Actualmente es Prosecretaria de Arte y tiene a su cargo el Centro de Arte de la UNLP.

Inauguración: sábado 30.05.26
18:00 h
Sala D

 

A Leandro Katz le gustan las palabras con el prefijo des: descabellado, desfachatado, desgarrador, desconcierto, despampanante. Es una actitud poética. Algo que estaba en su lugar y fue sacado de él, algo que se desarma para volverse otra cosa. Metropotamia empieza con un juego de palabras combinadas. “Fue inventar un nombre, un neologismo, una pantalla”.

Concebida para doble proyección sobre una pantalla en zig-zag y música de Richard Landry, la obra desplaza la experiencia frontal de la mirada y propone un recorrido hecho de percepciones parciales y perspectivas laterales, donde la imagen se recompone en el movimiento del cuerpo. Desde este lugar, Metropotamia roza el universo de La visión oblicua de César Paternosto, pues en ambas la mirada se vuelve descentrada, incompleta, activa. El espectador entonces no recibe una totalidad; la busca, la recuerda, la reconstruye. 

Cuando Metropotamia se exhibió por primera vez, en 1982, en la cancha de básquet del Institute for Art and Urban Resources -hoy MoMA PS1-, Thomas Lawson escribió en Artforum: “Katz espera que esta presentación excéntrica estimule a que los espectadores tomen mayor conciencia de su posición como tales, ya que los obliga a moverse para obtener una visión más completa”. 

La conversación entre estas obras, reunidas ahora en el Centro de Arte de la UNLP, pertenece, a su vez, a una historia compartida: la de dos artistas argentinos que se conocieron y vivieron en Nueva York durante décadas. “Apenas me lo preguntás, recuerdo saludarme con César viniendo en bicicleta por la calle Lafayette. Se movía por la ciudad como una saeta”, dice Katz. 

A veces fija, a veces torcida, a veces en movimiento, la cámara de Metropotamia atraviesa Nueva York con esa misma velocidad. El skyline, la azotea, el subte, la hora pico. Las multitudes se derraman por las escaleras, fluyen por el andén y desembocan en la calle, impulsadas por algo que no controlan. Las sombras de las nubes pasan como olas; un ginkgo tiembla fuera de ritmo.

Filmada en time-lapse, la obra comprime el tiempo. Cuatro fotogramas por segundo que convierten ochenta minutos de ciudad en veinte de película. La metrópolis está enloquecida. Sin embargo, la música -un saxofón que se demora, que migra de un parlante a otro, que flota en el espacio- crea una atmósfera envolvente, fantasiosa, de una sensualidad ochentosa. El tiempo se comprime en la imagen y se dilata en el oído.

En sus notas de 1982, Katz señala que Metropotamia cuestiona la idea de la pantalla como una superficie neutra, destinada a desaparecer detrás de la imagen. Esa inquietud había empezado antes, cuando filmaba la luna y reconoció en ella “una especie de pantalla eterna, antiquísima, donde se han posado las miradas de millones y millones de personas”.

A más de cuarenta años de su primera presentación, Metropotamia vuelve con una pregunta abierta: ¿cómo mirar una imagen proyectada cuando la pantalla también mira y devuelve?

Natalia Giglietti

 

Leandro Katz (Buenos Aires, Argentina, 1938). Artista, escritor y realizador argentino, conocido por sus películas y sus instalaciones fotográficas, sus obras incluyen proyectos de largo término que abordan temas latinoamericanos y que incorporan la investigación histórica, la antropología y las artes visuales.

INSCRIPCIÓN: https://forms.gle/9hoANYharhWF3mYg9

CALENDARIO 2026
Inscripción extendida hasta el 5 de junio
Evaluación: del 1 al 15 de junio de 2026
Resultados: 19 de junio de 2026
Plazo de aceptación: del 19 de junio al 25 de junio de 2026

 

PRESENTACIÓN
BASES Y CONDICIONES
PREGUNTAS FRECUENTES

 

La octava Bienal Universitaria de Arte y Cultura se inscribe en un presente atravesado por la incertidumbre, la violencia y la disputa por los sentidos de la memoria. Esta edición propone volver sobre el pasado reciente argentino, y en particular sobre los cincuenta años del golpe de Estado cívico-militar de 1976, no solo como instancia de conmemoración, sino también como una forma de reabrir preguntas, sostener la reflexión y renovar el compromiso con la democracia, la universidad pública y la construcción colectiva de horizontes más justos.

En las tramas siempre activas de la historia, el arte ocupa un lugar singular: como espacio de evocación y de denuncia, pero también como una práctica capaz de interpelar las formas en que recordamos y de producir imágenes, relatos y experiencias para pensar lo común. Desde sus poéticas, sus modos de intervención y su potencia crítica, las prácticas artísticas no se limitan a representar el pasado, sino que lo activan en el presente, lo ponen en tensión y lo proyectan hacia el porvenir.

Pensada como un espacio de intervención, reflexión y producción, esta nueva edición invita a colectivos de artistas de todas las disciplinas a acercar sus propuestas en torno a la consigna A 50 años del Golpe: Democracia y educación pública siempre.

La Bienal tendrá lugar del 14 al 28 de noviembre en el Centro de Arte de la Universidad y en otros espacios de la Universidad y de la ciudad.

 

Proyectos seleccionados 8º Bienal Universitaria de Arte y Cultura

 

A 50 años del golpe: datos y relatos

Acción Reactiva

Archivo de lo común Prácticas colectivas de investigación artística en PLANTA ALTA

Arte Contemporáneo y trabajo de memoria

Bancar los trapos

BLOOM proceso creativo en 24h – Teatro Abierto

Consciente Colectivo

Diseñar la Memoria. Agenda de la Identidad 2025

Diálogos Visuales

El espacio como marca, sitio y memoria activa

El viento

Entre banderas

ESTANBAI

Formas Breves del Arte – Programa especial: A 50 años del golpe. Democracia y Educación Pública siempre

Fotografía, memoria y visualidad en la Argentina reciente: Temporalidades del Archivo de la Memoria trans a 50 años del golpe

Freezer Festival Internacional de Fotografía

Giros. Memorias industriales de la Fábrica Argentina de Alpargatas

HABITAR LA MEMORIA, ENCENDER EL CONOCIMIENTO

Hubo una vez un patio

Identidad

La estrategia de la araña/Tejer mundos para infancias.

La historia es un pañuelo

LA VENGANZA DE LA PRIMAVERA

Lo que circula, resiste — Gráfica popular a 50 años del golpe

Lo que no podía decirse

Lo que resiste, flamea: banderas por la memoria, los DDHH y la educación pública

Lxs niñxs preguntan: Musicando para habitar la memoria e interpelar el presente

Memoria Sembrada

MEMORIA VERDAD JUSTICIA Y TEATRO

Memorias vegetales

Mientras haya estudiantes, la memoria seguirá viva

Nosotros no(tachado) sabíamos [1976-2026]

Panóptica

Persistencias: dispositivos para una memoria en presente

RADIOTEATRO EN VIVO: CUÁNTO VALE UNA HELADERA

Recurso Extraordinario

RESONANCIAS de la Memoria: objetos que hablan, voces que persisten

SEÑALES

SILENCIADOS EN EL RÍO

Territorio Vulnerable – Taller Complementario de Cerámica

Todos los silencios

TORCACITAS. Un tributo a Chicha

Tratado de la memoria, el deseo y todas las cosas

Un suspiro de libertad

Voces en Resistencia – 2° Encuentro Nacional de Experiencias Artísticas en Contextos de Encierro

WALSH WALK – Escuchar la ciudad, escuchar la memoria

¿Qué sonidos te hicieron quien sos?

10 Canciones Prohibidas

13º exposición anual de la cátedra Lenguaje Visual 2B TM y TN

20º exposición anual de la cátedra Lenguaje Visual 1B TM y TN

4º exposición anual de la cátedra Lenguaje Visual Fotografía

Desde el 21.03.26 al 11.07.26
V200

 

Los intentos de reencantar las cosas pertenecen a una imaginación compartida; la manufactura obstinada nos invade. Se trata de querer hacer que lo incierto se reconfigure, de modelar un prisma con el que irradiar otros accesos hacia aquello que permanece suspendido en la intuición.

En los repintes ensayamos un secreto: hacemos otros mundos con las manos. Es un punto entre lo que existe y lo que insiste en hacerlo; donde formamos moños sobre la madera y buscamos llegar al color escondido en la baba de un caracol. Es un trabajo que va por los bordes del deseo.

La pintura nos pica, se nos adhiere, aferra y abraza: no podemos borrar sus rastros; como el moho sobre la superficie que se infiltra por sitios inesperados y hace brotar otros tonos. Aunque lo pintemos entero de rosa aparece igual una mancha que llega sin anunciarse, ingobernable, rosa con moho. Ante la obstinación por encontrarlo todo, ese rosa mohosa desborda y redefine lo que toca, se vuelve condición y entonces lo hacemos práctica y modo de ver el mundo.

Desde ese fin lo trabajamos, dejándonos atravesar por la posibilidad que configuran nuestras manos. Lo que ellas traman es algo hechizo. Un hacer torcido donde aparecen recorridos inusitados, mientras revolotean animales y bicharracos escurridizos. En esta sala exploramos tres formas de practicar el tiempo, mientras crecemos tres veces de tamaño, nos alejamos tres veces de la belleza y nos acercamos una vez más a nuestras intuiciones. Al final, llegamos a una forma imposible de terminar a solas: una imagen en común.

 

El Club de la Pintura (2019, La Plata) es un colectivo integrado por pintoras, poetas, escultoras, bricolajistas e historiadoras del arte. La amistad, la mesa de trabajo compartida, el despliegue y rescate de materiales, el diálogo entre pintura y poesía, y los encuentros abiertos en el taller —con su vidriera a la calle en el Barrio del Mondongo— se fueron constituyendo como los pilares que definen la identidad del Club.

Como señala Claudia del Río: “más de dos hacen un club”. En ese espíritu, el Club de la Pintura se configura como un punto de encuentro, un espacio de pensamiento y de acción, donde lo colectivo se vuelve un lugar desde el cual imaginar y construir un presente y un porvenir más amables de habitar. Sus integrantes pintan juntxs para discurrir en un estado permanente de arte, buscando que la vida sea amiga del arte.

El colectivo está integrado por Agustín Poletti, Bautista Miranda, Eva Costello, Herbi, Juan Téllez, Julia Oliva Torre, Manuela Villanueva Fernández, M. Eugenia Bifaretti, Pilar Cuevas, Tori Ferlan y Victoria Macioci.

Viernes 20.03.26 a las 14:00h
Sede Central de la Facultad de Artes
Diagonal 78 nº 680, La Plata

 

La Universidad Nacional de La Plata, a través de la Facultad de Artes, otorgará al artista César Paternosto el título de Doctor Honoris Causa, en reconocimiento a su extraordinaria trayectoria y a su aporte decisivo al arte argentino y latinoamericano. La distinción reviste, además, un sentido especial para la UNLP, ya que Paternosto nació en La Plata y realizó en esta casa de estudios una parte fundamental de su formación: cursó allí sus estudios y encontró algunas de las experiencias formativas decisivas para el desarrollo de su obra y de su pensamiento. Figura central de la abstracción contemporánea, Paternosto renovó la tradición geométrica a partir de una profunda reflexión sobre el color, la forma y el espacio, en diálogo con las tradiciones visuales de la América antigua. Su obra, su producción teórica y su labor curatorial han alcanzado una amplia proyección internacional, consolidando un legado fundamental para el pensamiento artístico de la región.