Inauguración: Viernes 26 de febrero a las 19h
Vivo de Instagram

Visitas: del 3 de marzo al 8 de mayo
De 14 a 19h

La reapertura de las puertas del Centro de Arte de la UNLP presenta, por primera vez en la ciudad, la exposición del colectivo de artistas mujeres, pintorAs. Un grupo compuesto por dieciséis integrantes que se centra en la producción pictórica contemporánea, pero excediendo los límites de la disciplina.

La muestra retoma los núcleos principales que se llevaron a cabo en la exposición de 2019 en la Usina del Arte con curaduría de Lara Marmor, aunque en esta ocasión las obras de las artistas y el diseño de montaje fueron rediseñados y repensados por las pintorAs especialmente para la sala B y la Vidriera del Centro de Arte.

pintorAs, una historia de más de 10 años da cuenta de este largo recorrido que transitaron y se enmarca en la reanudación de las actividades del Centro que el público podrá visitar a partir del 3 de marzo de 14 a 19h.

“Una tarde calurosa de diciembre de 2008, Ad Minoliti visitó a Paola Vega en su taller de la calle Zapiola en la Ciudad de Buenos Aires. Mientras conversaban y escuchaban el ruido de los trenes pasar, se les ocurrió imaginar cómo sería su muestra ideal, qué obras de arte exhibirían, a quiénes podrían llamar para participar. Empezaron a escribir en papelitos desperdigados sobre una mesa algunos nombres y así la exposición ideal dio origen a una lista y este repertorio de nombres dio forma a pintorAs. Todas mujeres, pintoras, amigas, maestras o colegas.
En 2019 pintorAs cumplió diez años de autogestión para la organización de exposiciones y actividades en torno a la exploración de los límites y las posibilidades de la pintura como dispositivo. Su fundación coincidió con un momento en el cual las exposiciones tenían como grandes protagonistas a los hombres, el debate sobre la participación de la mujer en el mundo del arte era tímido (me atrevería a decir que era casi inexistente) y la pintura era resistida a ser entendida como práctica contemporánea. Con este panorama, los objetivos del grupo adquirían proporciones casi épicas.
Las artistas desplegaron en estos diez años deseos y estrategias para realizar distintas acciones. A lo largo de este tiempo realizaron exposiciones, talleres, charlas sobre arte y sobre género en distintas ciudades de las provincias de Buenos Aires, Santa Fe, Salta y Corrientes, también en España y Francia. Con su trabajo sostienen una forma de estar y de despertar conciencia en un ámbito que históricamente se ocupó de discriminar a las mujeres. Las pintorAs no hacen arte de mujeres -la identidad de género de une artista no predispone un tipo de obra, las obras no tienen género-. La cuestión de género como problema no está presente necesariamente en la obra de cada una de las artistas sino que se evidencia en el funcionamiento del colectivo.
PintorAs forma una comunidad con una organización interna que resiste el paso del tiempo. Hay división del trabajo, solidaridad y un oficio compartido. Su unión es un acto político, aunque la política no es el común denominador en el programa de cada una. La decisión que condujo y sostiene su existencia es política. Para ellas la pintura y lo pictórico, la política y lo político se entrecruzan y se funden en un mismo gesto.
Las obras de cada una de las artistas y su convivencia en una exposición hacen visible la existencia vital y el proceso de cambio permanente que atraviesa la pintura como lenguaje. En todas sus formas la pintura se presenta como un recurso inagotable, como territorio resistente y a la vez permeable a las nuevas formas que va adquiriendo la práctica artística a lo largo del tiempo.
Las pintorAs despliegan un escenario generoso sobre las posibilidades de ser pintora, hacer pintura y entender lo pictórico. Nos muestran que la pintura es un lugar, es una forma de presentar y representar, es un lenguaje que se hace, se pinta, se mira, se enseña, se aprende, sobre el cual se escribe, sobre el que se escribe y con el cual se escribe porque quien pinta mira el mundo de una manera particular”.

Lara Marmor

Forman parte de pintorAs: Diana Aisenberg (Buenos Aires, 1958, vive y trabaja en Buenos Aires), Carla Bertone (Buenos Aires, 1975, vive y trabaja en Berlín), Florencia Bohtlingk (Buenos Aires, 1966, vive y trabaja en Buenos Aires), Claudia del Río (Rosario, 1957, vive y trabaja en Rosario), Verónica Di Toro (Buenos Aires, 1974, vive y trabaja en Buenos Aires), Silvia Gurfein (Buenos Aires, 1959, vive y trabaja en Buenos Aires), Gachi Hasper (BA, 1966, vive y trabaja en Buenos Aires), María Ibañez Lago (Buenos Aires, 1969, vive y trabaja en París), Catalina León (Buenos Aires, 1981, vive y trabaja en BA), Mariana López (Buenos Aires, 1981, vive y trabaja en Buenos Aires), Valeria Maculán (Buenos Aires, 1968, vive y trabaja en Madrid), Ad Minoliti (Buenos Aires, 1980, vive y trabaja en Buenos Aires y Berlín), Déborah Pruden (Buenos Aires, 1972, vive y trabaja en Buenos Aires), Inés Raiteri (Mar del Plata, 1963, vive y trabaja en Buenos Aires), Leila Tschopp (Buenos Aires, 1978, vive y trabaja en Buenos Aires) y Paola Vega (Buenos Aires, 1979, vive y trabaja en Buenos Aires).

Texto de sala para descargar

Inauguración: viernes 26 de febrero a las 19h
Vivo de Instagram

Visitas: del 03 de marzo al 26 de marzo de 14 a 19h
Cierre: 27 de marzo de 16 a 19h

En el marco de la reapertura del Centro de Arte, Lucía Delfino presenta un conjunto de obras pictóricas que fueron parte de su tesis de licenciatura en Artes Plásticas de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata (FDA-UNLP), defendida virtualmente en diciembre del 2020. Si bien el trabajo final de graduación contemplaba la exhibición, en esta oportunidad la artista se encargó de proyectar un diseño específico para la sala C del Centro que da cuenta de una nueva relación entre las obras y la incorporación de una cortina que intermedia entre el acceso del público y las pinturas, como un modo de cubrirlas y, al mismo tiempo, de descubrirlas.

Dirigida por Jimena Ferreiro y codirigida por Leila Tschopp, Delfino trabaja con la voluntad de dirigir la mirada hacia la temporalidad de las imágenes a través de la captura instantes cotidianos que se detienen en la aparente quietud de la pintura. La reflexión sobre este medio, el realismo extrañado, las paradojas entre lo efímero y lo permanente, y la particularidad en su empleo de la luz dan cuenta del proceso de producción de esta joven artista y de las características más sorprendentes de sus obras.

“Las pinturas de El vacío no está ni adentro ni afuera muestran fragmentos de espacios que van y vienen, indecisos entre quedarse más acá – presentes donde se encuentran quienes las miramos – o radicarse más allá, en espacios que parecieran irse afuera de ellas. Ese afuera quizás se proyecta hacia atrás o hacia adelante, pero sin dudas siempre está lejos de nuestro alcance. No sabemos si quedarnos suspendides en ese espesor propio de una pintura y deambular dentro de ese espacio insignificante que se halla en el ornamento de una fachada o en lo sinuoso de una cortina densa o si, por el contrario, rastrear el recorrido de aquellas luces y reflejos de origen completamente incierto. ¿Se puede sentir acaso que se está en pausa sin estar detenido? ¿Es posible que el aire se vuelva más espeso y manso haciendo que todo lo que en él sucede se dilate? ¿que los sonidos de alrededor lleguen opacos a los oídos debido al cambio de espesura, al igual que la voz de quien habla bajo el agua? ¿Se puede sentir a la luz respirar? ¿Puede ser que aquello que la imagen oculta en verdad exista detrás de ella? ¿Será que lo importante está en otro lado?”.

Lucía Delfino

Lucía Delfino (La Plata, 1992). Licenciada y profesora de Artes Plásticas de la FDA de la UNLP. Actualmente ejerce la docencia en dicha institución. Realizó Tarde, muestra individual en la galería Quadro, septiembre de 2019, y Todo en el exterior flota, exposición individual en el Centro Cultural Recoleta seleccionada en el Ciclo Radar Visuales 2018. Participó como artista expositora en la Bienal Arte Joven en sus ediciones de 2015 y de 2017 y como jurado en la edición de 2019. Fue seleccionada para asistir a la Beca FNA-Conti en 2015. Obtuvo el Premio Cámara de Diputados en el Salón Provincial Arte Joven Pintura 2017 y varias menciones, entre ellas: Mención de Honor en el Salón de Pintura Molina Campos 2019, Mención honorífica en Pintura en el Concurso de Artes Visuales del Fondo Naional de las Artes (FNA) 2018, en el Premio XV Proyecto-A 2017, Salón Félix de Amador 2017, en el Salón Arte Joven Dibujo 2016 y en el Gran Premio Pintura del Banco Provincia 2015. En 2015 realizó su primera exposición individual, En la repetición hay cambio, en la galería BÚM en La Plata y participó en varias muestras grupales, entre ellas: Yo nunca miento junto con Agustín Sirai (Centro de Arte de la UNLP, 2018) y 10 ensayos indisciplinados, curada por Graciela Olio (Museo Provincial de Bellas Artes “Emilio Pettoruti”, 2018). Vive y trabaja en La Plata.

Texto de sala para descargar

Pasaje del Bicentenario

Duración: 1 hora
Reserva de entradas: https://www.centrodearte.unlp.edu.ar/calendario/
¡Se suspende por lluvia!

Esta actividad se realiza a través de la beca otorgada por el Programa Becar Cultura del Ministerio de Cultura de la Nación en convenio con el Ministerio de Cultura y Turismo de la República Popular de China y la Academia Nacional de Pintura de China

En Copiar China la artista visual, Paula Massarutti, conversará acerca de su experiencia en la residencia en la ciudad de Beijing, realizada a fines de 2019. Allí, desarrolló el proyecto El elogio del Shanzhai con el que se propuso conocer, investigar y apropiarse del potencial de la cultura Shanzhai como forma de vida y como procedimiento para la creación artística. El término Shanzhai es un neologismo chino que se utiliza para copia pirata, lo que en nuestro país podría equivaler al término trucho.

Durante la charla se presentarán los conceptos de original y de copia para la cultura china y un acercamiento al antiguo sistema de enseñanza del arte chino, donde el aprendizaje se llevaba a cabo copiando a los grandes maestros mediante la utilización de módulos y la repetición. Para esta cultura la creación no es un acto repentino, sino un proceso dilatado que exige una comunicación intensa con lo que ya ha sido para, a partir de ello, extraer lo nuevo.

Público destinatario: estudiantes de arte y personas interesadas en el tema

Vistazos es un ciclo en el que les artistas y les curadores nos acercan los avances de los proyectos de exposición que estaban programados para la agenda de este año en el Centro de Arte de la UNLP, pero que debido a la situación de emergencia no se pudieron concretar.

Además de funcionar como adelanto de lo que en algún momento se espera exhibir en el espacio físico y de manera presencial, el ciclo se presenta como una activación de las propuestas y como un nuevo encuentro entre les espectadores, les artistas y la institución.

En este adelanto, Cristalería San Carlos comparte la historia de la empresa y las imágenes de las obras que realizaron les artistas seleccionados en el programa Residencias para Artistas en Industrias, proyecto coordinado por el Ministerio de Innovación y Cultura de la Provincia de Santa Fe y el Museo Castagnino + Macro de Rosario. La exposición tenía previsto presentarse del 7 de noviembre al 5 de diciembre de 2020.

 

 

Cierre de Búnker de Javier Samaniego García
Curaduría Florencia Rodríguez Giles y Alfredo Aracil
Transmisión en vivo por el canal de Youtube del Centro de Arte de la UNLP

La muestra Búnker se despide invocando al legendario boliche gay de los años 90. Este viernes 4 de diciembre, Diego Lirussi (Dj residente de Búnker) compartirá un remix de canciones que estallaron la pista y quedaron resonando como ecos del túnel.

Transmisión en vivo por el canal de YouTube del Centro de Arte de la UNLP:
Charla Margarita Paksa. Hacia un arte revolucionario

La curadora de Margarita Paksa. Hacia un arte revolucionario, Florencia Qualina, adelantará los ejes, las obras y los documentos que compondrán la exposición que tendrá lugar en el Centro de Arte de la UNLP durante el año próximo. A su vez, comentará los avances de la investigación que realizó sobre la producción y la trayectoria de la artista y que podrán visualizarse en la muestra.

Margarita Paksa creó una obra compleja y poderosa durante toda una vida dedicada al arte. En su vasto trabajo podemos reconocer una serie de fuertes centros de atracción, que persistieron a lo largo del tiempo. Determinada a esquivar cualquier filiación, elaboró un lenguaje que la condujo por el informalismo, la pintura figurativa, la creación de ambientaciones, el arte conceptual, y el diseño industrial. Se sirvió de toda clase de materiales y dispositivos; hierro, mármol, acrílico, programación cibernética, nada le resultó ajeno. Con igual libertad asumió el compromiso con las causas políticas, militante de la izquierda popular, fue activa agitadora de las acciones que en 1968 pusieron en jaque a la institución artística en Argentina. Pero este es solo un capítulo, sin dudas el más agitado, de muchas otras formas que cobró su manera de intervención en la esfera pública. El compromiso político que dirigió su vida no puede ser desvinculado de su práctica pedagógica, en la enseñanza se inscribe otra faceta de su voluntad de transformación social. La Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata (UNLP) fue un espacio privilegiado en este sentido.

La exhibición Margarita Paksa. Hacia un arte revolucionario recorrerá estos núcleos, animada tanto por el deseo de honrar su memoria como por la necesidad de pensar el trabajo de una artista fundamental para el arte contemporáneo en Argentina.

Margarita Paksa (Buenos Aires, 1933-2020). Estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova. Durante la década del sesenta transitó desde la escultura hacia la ambientación. La exhibición Calórico, construcciones en poliéster y vinilo (1965) fue determinante en los nuevos lenguajes que comenzaría a explorar. Integró las exposiciones Más allá de la geometría (1967) y el Experiencias Visuales 67 y 68 en el Instituto Torcuato Di Tella. Participó de la obra colectiva Tucumán Arde en el transcurso del mismo año. Creó, junto a Osmar Cairola, el MAC, un espacio dedicado al diseño industrial que funcionó desde 1968 hasta 1980. Dedicada a la docencia y a la investigación, escribió ensayos sobre Marcel Duchamp, Macedonio Fernández y fue curadora de la exposición Ejercicios, dedicada a Ricardo Carreira, en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, en 1999. En este museo tuvo lugar su exposición retrospectiva en 2012. Fue profesora titular de la Facultad de Artes de la UNLP y del Instituto Universitario Nacional de Arte (UNA), entre otras instituciones.

Florencia Qualina es curadora y crítica independiente, sus investigaciones se centran en el arte moderno y contemporáneo. Publicó los libros Subsuelos (Adriana Hidalgo) y La vida activa (Fundación Foro del Sur). Entre sus curadurías recientes se encuentran Silvia Torras. Resplandor. 1960-1963 en el Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori; Pan Dulce. Cynthia Cohen, en la galería Pasto; Carolina Antoniadis. La estampa en el campo expandido en el Museo Nacional de Grabado; Desarme en la Fundación Federico Jorge Klemm; 300 actas, exhibición individual de Cristina Piffer en Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti (CCMHC), Bienal Sur; Vanguardia/Caballo de Troya/ América, una exposición en tres actos, exposición con obras de Magdalena Jitrik, Leila Tschopp y Germaine Derbecq, Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (MACBA). Co-curó las ediciones 2017 y 2019 del Premio Braque en el Centro de Arte Contemporáneo del Museo de la Universidad Nacional de Tres de Febrero (MUNTREF).
Entre 2010 y 2012 trabajó en el Archivo Kenneth Kemble y ha sido curadora de la exhibición Kenneth Kemble. Archivo, en la Embajada Argentina en París en 2012. Produjo los libros Escritos. Kenneth Kemble. Prólogos, artículos y entrevistas 1961-1998 y Entre el Pincel y la Underwood dedicados a la escritura de Kemble.
Ha producido escritos sobre la producción de Diego Bianchi, Mariana Tellería, Débora Pierpaoli, Marcelo Pombo, Miguel Harte. En el campo editorial editó junto a Federico Baeza el libro Germaine Derbecq. Lo que es revelación. Textos críticos y curatoriales; co-editó junto a Vanina Scolavino e Inés Katzenstein el libro Experiencias 2008-2018. Programa de Artistas. Universidad Di Tella; con Vanina Scolavino y Laura Escobar editaron el libro de Carlos Huffman, Extraño gobernante para un corazón. Junto con Vanina Scolavino desarrollaron las jornadas “Conversaciones errantes entre el cuerpo y sus alrededores” en el Departamento de Arte de la Universidad Torcuato Di Tella en septiembre de 2019. Participa con regularidad en mesas redondas, presentaciones de libros y como jurado de premios. En 2015 obtuvo el Premio Adriana Hidalgo-ArteBA al ensayo crítico por Subsuelos.