Transmisión en vivo por el canal de YouTube del Centro de Arte de la UNLP:
Charla Diario Método. Claudia del Río y Diana Aisenberg

Claudia del Río y Diana Aisenberg, integrantes del colectivo pintorAs, conversarán sobre el proceso de escritura de sus libros Ikebana política (Iván Rosado, 2019), Litoral y cocacola (Iván Rosado, 2012), y MDA (Método Diana Aisenberg). Apuntes para un aprendizaje en el arte (Adriana Hidalgo, 2017) e Historias del arte. Diccionario de certezas e intuiciones (Adriana Hidalgo, 2004). Dialogarán sobre las motivaciones que las condujeron a la escritura y sobre los vínculos -conceptuales, afectivos, políticos- que pueden establecerse entre las dos producciones editoriales de las artistas visuales.

La actividad, realizada en el marco de la exposición pintorAs, una historia de más de 10 años, permite dar cuenta de la impronta más destacada del grupo, el interés por exceder los límites de la pintura, que, en esta oportunidad, se hará presente a través del diálogo entre del Río y Aisenberg, dos artistas de larga trayectoria, pero además compañeras y amigas.

Ikebana política reúne los textos que Claudia del Río seleccionó de sus cuarenta y tres cuadernos, desde 2005 a 2015. En ellos acerca a les lectores anotaciones sobre la educación en arte, borradores de poemas, ensayos y diferentes reflexiones que son clave de su producción artística.

Litoral y cocacola es una selección de poemas de Claudia del Río en los que con voz personal describe, como señala Ana Wandzik, el paisaje detenido y lanza infinidad de imágenes.

MDA (Método Diana Aisenberg). Apuntes para un aprendizaje en el arte concentra el trabajo desarrollado por Aisenberg en la formación de artistas que se configuró como un modo de enseñar propio y al que denominó MDA. En esta publicación, la artista vuelve públicos sus conocimientos, sus rituales y sus experiencias para que el MDA pueda ser apropiado por otres.

Historias del arte. Diccionario de certezas e intuiciones es un proyecto de construcción colectiva, un diccionario de arte compuesto por palabras en idioma castellano en el que las definiciones se diversifican, se amplían, se problematizan a través de la búsqueda de los usos, los orígenes y las diferentes acepciones de los significados de las palabras que circulan frecuentemente en el campo artístico.

Diana Aisenberg (Buenos Aires, 1958). Vive y trabaja  en Buenos Aires. Figura esencial en la articulación del arte de los ochenta con el de los noventa. Docente de artistas desde hace más de treinta años, pintora de género y materializadora de objetos, muestras y diccionarios colectivos. Diana Aisenberg es una personalidad indiscutiblemente influyente en el arte argentino. Premiada por la Asociación de Críticos Argentinos por su labor educativa, trabajó en escuelas, universidades y museos de Argentina, Brasil, Uruguay, Colombia, Honduras y México. Desarrolló y coordinó proyectos para la Fundación Antorchas, el Fondo Nacional de las Artes, el Centro Cultural Rojas y la Facultad de Diseño Gráfico de la Universidad Nacional de Buenos Aires. Desde hace tres décadas investiga las relaciones entre arte y educación, a través de la acción docente y la creación de proyectos que incluyen a una población variable de artistas y no artistas. En 2018 impartió el seminario Tópicos de Avanzada de la Carrera Especialización en Diseño Conceptual (Universidad Nacional de Tres de Febrero) y en octubre del mismo año el seminario Una actitud frente a la imagen en la Escuela Superior de Cine en México, país donde en 2016 dictó la ponencia “Las preguntas del cine a la locura” para el Programa Universitario Insight CIW, de la Universidad Autónoma de México. Su cortometraje Mi amigo José (versión audiovisual del proyecto Historias del Arte) participó del XXI Festival Internacional de Cine en Mar del Plata (2006) y recibió el Primer Premio en el VII Festival Internacional de Cine por los Derechos Humanos en la categoría Cortometraje Documental (Buenos Aires, 2010). Sus obras se encuentran en las colecciones del Museo Nacional de Buenos Aires, Museo Mar de Mar del Plata y Museo Provincial de Bellas Artes “Franklin Rawson” de San Juan, entre otros. En 2020 fue invitada a intervenir el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires para su reapertura post cuarentena-pandemia, con las obras site specific Zaguán y besos y Totema. De sus últimas muestras individuales se destacan Economía de cristal en los tiempos del toroide (Galería Aldo de Sousa, Buenos Aires, 2020), Assamblage#11 (en Communauté, Julio Space, París, 2018), Inédita Invita (Quinta Trabucco, 2016), Tormenta de cristales (Daniel Abate Galería, 2012) y Adoración a la madona de las artes (muestra itinerante con nueve paradas en museos del país); y su participación en obras colectivas como Economía de cristal, Lo que trajo el mar (realizada en Utila, Honduras) y Madonna-Protectora de las  Artes.
Ha publicado, entre otros: Presencia (Comisión Pro Monumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado, 2002), Historias del arte. Diccionario de certezas e intuiciones (Adriana Hidalgo, 2004), El arte como herramienta y metodología para la educación (Fondo Editorial Museo Antioquía, Medellín, 2011), Aisenberg (Adriana Hidalgo, 2015), MDA (Método Diana Aisenberg). Apuntes para un aprendizaje del arte (Adriana Hidalgo, 2017); Upé y Epú junto a Carolina Rack (Editorial Maravilla, 2018).

Claudia del Río (Rosario, 1957). Vive y trabaja en Rosario. Es artista visual, poeta y educadora. Licenciada en Artes Visuales por la Universidad Nacional de Rosario (UNR), donde da clases. Entre 1981 y 1983 formó parte del Grupo experimental de arte contemporáneo (CEAC) y entre 1984 y 1986 del Colectivo APA (Artistas Plásticos Asociados de Rosario). Posee un acervo de correspondencia de mail-art recibidas y enviadas entre 1983 y 1992. En 2002 cofundó el Club del Dibujo, un espacio de pensamiento y acción; desde el 2006 el proyecto Pieza Pizarrón (Lehrstücke), dispositivo de dibujo, teatro y pedagogía. En 2007 inició RUSA: Residencia para Un Solo Artista, en su casa taller. Fue invitada como representante argentina a las Bienales de La Habana (Cuba), la del Mercosur en Porto Alegre (Brasil), la de Medellín (Colombia) y la de Salto (Uruguay); y a las residencias Programa Do Largo Das Artes, Espazio Vazio y Cooperativa de Mulheres Artistas, Río de Janeiro (Brasil), Apotheke, UDESC (Universidad Estatal de Santa Catarina), Florianópolis (Brasil), Casa B, Museu Bispo do Rosario, Río de Janeiro (Brasil), Espacio Recombinante y Dobradiça, Santa María (Brasil), Taller 7 y Museo de Antioquía, Medellín (Colombia), Kiosko, Santa Cruz de la Sierra (Bolivia), Fundación Valparaíso, Mojácar (España), RIAA (Residencia Internacional de Artistas en Argentina), Ostende (Argentina), Arteleku, San Sebastián (España). Formó parte del Archivo Enciclopedia Oliveros entre 2014 y 2018, archivo de la producción visual de artistas que viven en la Colonia Psiquiátrica Oliveros. Desde 2015 forma parte de Le brote de sol, proyecto para la formación de pintores discapacitades en el Taller de Pintura de la UNR. Publicó Litoral y Cocacola (Iván Rosado, 2012), Pieza Pizarrón (Club del Dibujo, 2013), Ikebana política (Iván Rosado, 2016) e Ikebana política. Notas, poemas y ejercicios 2005-2015 (Peter Lang, Reino Unido, 2019).

Inauguración: Viernes 26 de febrero a las 19h
Vivo de Instagram

Visitas: del 3 de marzo al 8 de mayo
De 14 a 19h

La reapertura de las puertas del Centro de Arte de la UNLP presenta, por primera vez en la ciudad, la exposición del colectivo de artistas mujeres, pintorAs. Un grupo compuesto por dieciséis integrantes que se centra en la producción pictórica contemporánea, pero excediendo los límites de la disciplina.

La muestra retoma los núcleos principales que se llevaron a cabo en la exposición de 2019 en la Usina del Arte con curaduría de Lara Marmor, aunque en esta ocasión las obras de las artistas y el diseño de montaje fueron rediseñados y repensados por las pintorAs especialmente para la sala B y la Vidriera del Centro de Arte.

pintorAs, una historia de más de 10 años da cuenta de este largo recorrido que transitaron y se enmarca en la reanudación de las actividades del Centro que el público podrá visitar a partir del 3 de marzo de 14 a 19h.

“Una tarde calurosa de diciembre de 2008, Ad Minoliti visitó a Paola Vega en su taller de la calle Zapiola en la Ciudad de Buenos Aires. Mientras conversaban y escuchaban el ruido de los trenes pasar, se les ocurrió imaginar cómo sería su muestra ideal, qué obras de arte exhibirían, a quiénes podrían llamar para participar. Empezaron a escribir en papelitos desperdigados sobre una mesa algunos nombres y así la exposición ideal dio origen a una lista y este repertorio de nombres dio forma a pintorAs. Todas mujeres, pintoras, amigas, maestras o colegas.
En 2019 pintorAs cumplió diez años de autogestión para la organización de exposiciones y actividades en torno a la exploración de los límites y las posibilidades de la pintura como dispositivo. Su fundación coincidió con un momento en el cual las exposiciones tenían como grandes protagonistas a los hombres, el debate sobre la participación de la mujer en el mundo del arte era tímido (me atrevería a decir que era casi inexistente) y la pintura era resistida a ser entendida como práctica contemporánea. Con este panorama, los objetivos del grupo adquirían proporciones casi épicas.
Las artistas desplegaron en estos diez años deseos y estrategias para realizar distintas acciones. A lo largo de este tiempo realizaron exposiciones, talleres, charlas sobre arte y sobre género en distintas ciudades de las provincias de Buenos Aires, Santa Fe, Salta y Corrientes, también en España y Francia. Con su trabajo sostienen una forma de estar y de despertar conciencia en un ámbito que históricamente se ocupó de discriminar a las mujeres. Las pintorAs no hacen arte de mujeres -la identidad de género de une artista no predispone un tipo de obra, las obras no tienen género-. La cuestión de género como problema no está presente necesariamente en la obra de cada una de las artistas sino que se evidencia en el funcionamiento del colectivo.
PintorAs forma una comunidad con una organización interna que resiste el paso del tiempo. Hay división del trabajo, solidaridad y un oficio compartido. Su unión es un acto político, aunque la política no es el común denominador en el programa de cada una. La decisión que condujo y sostiene su existencia es política. Para ellas la pintura y lo pictórico, la política y lo político se entrecruzan y se funden en un mismo gesto.
Las obras de cada una de las artistas y su convivencia en una exposición hacen visible la existencia vital y el proceso de cambio permanente que atraviesa la pintura como lenguaje. En todas sus formas la pintura se presenta como un recurso inagotable, como territorio resistente y a la vez permeable a las nuevas formas que va adquiriendo la práctica artística a lo largo del tiempo.
Las pintorAs despliegan un escenario generoso sobre las posibilidades de ser pintora, hacer pintura y entender lo pictórico. Nos muestran que la pintura es un lugar, es una forma de presentar y representar, es un lenguaje que se hace, se pinta, se mira, se enseña, se aprende, sobre el cual se escribe, sobre el que se escribe y con el cual se escribe porque quien pinta mira el mundo de una manera particular”.

Lara Marmor

Forman parte de pintorAs: Diana Aisenberg (Buenos Aires, 1958, vive y trabaja en Buenos Aires), Carla Bertone (Buenos Aires, 1975, vive y trabaja en Berlín), Florencia Bohtlingk (Buenos Aires, 1966, vive y trabaja en Buenos Aires), Claudia del Río (Rosario, 1957, vive y trabaja en Rosario), Verónica Di Toro (Buenos Aires, 1974, vive y trabaja en Buenos Aires), Silvia Gurfein (Buenos Aires, 1959, vive y trabaja en Buenos Aires), Gachi Hasper (BA, 1966, vive y trabaja en Buenos Aires), María Ibañez Lago (Buenos Aires, 1969, vive y trabaja en París), Catalina León (Buenos Aires, 1981, vive y trabaja en BA), Mariana López (Buenos Aires, 1981, vive y trabaja en Buenos Aires), Valeria Maculán (Buenos Aires, 1968, vive y trabaja en Madrid), Ad Minoliti (Buenos Aires, 1980, vive y trabaja en Buenos Aires y Berlín), Déborah Pruden (Buenos Aires, 1972, vive y trabaja en Buenos Aires), Inés Raiteri (Mar del Plata, 1963, vive y trabaja en Buenos Aires), Leila Tschopp (Buenos Aires, 1978, vive y trabaja en Buenos Aires) y Paola Vega (Buenos Aires, 1979, vive y trabaja en Buenos Aires).

Texto de sala para descargar

Inauguración: viernes 26 de febrero a las 19h
Vivo de Instagram

Visitas: del 03 de marzo al 26 de marzo de 14 a 19h
Cierre: 27 de marzo de 16 a 19h

En el marco de la reapertura del Centro de Arte, Lucía Delfino presenta un conjunto de obras pictóricas que fueron parte de su tesis de licenciatura en Artes Plásticas de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata (FDA-UNLP), defendida virtualmente en diciembre del 2020. Si bien el trabajo final de graduación contemplaba la exhibición, en esta oportunidad la artista se encargó de proyectar un diseño específico para la sala C del Centro que da cuenta de una nueva relación entre las obras y la incorporación de una cortina que intermedia entre el acceso del público y las pinturas, como un modo de cubrirlas y, al mismo tiempo, de descubrirlas.

Dirigida por Jimena Ferreiro y codirigida por Leila Tschopp, Delfino trabaja con la voluntad de dirigir la mirada hacia la temporalidad de las imágenes a través de la captura instantes cotidianos que se detienen en la aparente quietud de la pintura. La reflexión sobre este medio, el realismo extrañado, las paradojas entre lo efímero y lo permanente, y la particularidad en su empleo de la luz dan cuenta del proceso de producción de esta joven artista y de las características más sorprendentes de sus obras.

“Las pinturas de El vacío no está ni adentro ni afuera muestran fragmentos de espacios que van y vienen, indecisos entre quedarse más acá – presentes donde se encuentran quienes las miramos – o radicarse más allá, en espacios que parecieran irse afuera de ellas. Ese afuera quizás se proyecta hacia atrás o hacia adelante, pero sin dudas siempre está lejos de nuestro alcance. No sabemos si quedarnos suspendides en ese espesor propio de una pintura y deambular dentro de ese espacio insignificante que se halla en el ornamento de una fachada o en lo sinuoso de una cortina densa o si, por el contrario, rastrear el recorrido de aquellas luces y reflejos de origen completamente incierto. ¿Se puede sentir acaso que se está en pausa sin estar detenido? ¿Es posible que el aire se vuelva más espeso y manso haciendo que todo lo que en él sucede se dilate? ¿que los sonidos de alrededor lleguen opacos a los oídos debido al cambio de espesura, al igual que la voz de quien habla bajo el agua? ¿Se puede sentir a la luz respirar? ¿Puede ser que aquello que la imagen oculta en verdad exista detrás de ella? ¿Será que lo importante está en otro lado?”.

Lucía Delfino

Lucía Delfino (La Plata, 1992). Licenciada y profesora de Artes Plásticas de la FDA de la UNLP. Actualmente ejerce la docencia en dicha institución. Realizó Tarde, muestra individual en la galería Quadro, septiembre de 2019, y Todo en el exterior flota, exposición individual en el Centro Cultural Recoleta seleccionada en el Ciclo Radar Visuales 2018. Participó como artista expositora en la Bienal Arte Joven en sus ediciones de 2015 y de 2017 y como jurado en la edición de 2019. Fue seleccionada para asistir a la Beca FNA-Conti en 2015. Obtuvo el Premio Cámara de Diputados en el Salón Provincial Arte Joven Pintura 2017 y varias menciones, entre ellas: Mención de Honor en el Salón de Pintura Molina Campos 2019, Mención honorífica en Pintura en el Concurso de Artes Visuales del Fondo Naional de las Artes (FNA) 2018, en el Premio XV Proyecto-A 2017, Salón Félix de Amador 2017, en el Salón Arte Joven Dibujo 2016 y en el Gran Premio Pintura del Banco Provincia 2015. En 2015 realizó su primera exposición individual, En la repetición hay cambio, en la galería BÚM en La Plata y participó en varias muestras grupales, entre ellas: Yo nunca miento junto con Agustín Sirai (Centro de Arte de la UNLP, 2018) y 10 ensayos indisciplinados, curada por Graciela Olio (Museo Provincial de Bellas Artes “Emilio Pettoruti”, 2018). Vive y trabaja en La Plata.

Texto de sala para descargar

Pasaje del Bicentenario

Duración: 1 hora
Reserva de entradas: https://www.centrodearte.unlp.edu.ar/calendario/
¡Se suspende por lluvia!

Esta actividad se realiza a través de la beca otorgada por el Programa Becar Cultura del Ministerio de Cultura de la Nación en convenio con el Ministerio de Cultura y Turismo de la República Popular de China y la Academia Nacional de Pintura de China

En Copiar China la artista visual, Paula Massarutti, conversará acerca de su experiencia en la residencia en la ciudad de Beijing, realizada a fines de 2019. Allí, desarrolló el proyecto El elogio del Shanzhai con el que se propuso conocer, investigar y apropiarse del potencial de la cultura Shanzhai como forma de vida y como procedimiento para la creación artística. El término Shanzhai es un neologismo chino que se utiliza para copia pirata, lo que en nuestro país podría equivaler al término trucho.

Durante la charla se presentarán los conceptos de original y de copia para la cultura china y un acercamiento al antiguo sistema de enseñanza del arte chino, donde el aprendizaje se llevaba a cabo copiando a los grandes maestros mediante la utilización de módulos y la repetición. Para esta cultura la creación no es un acto repentino, sino un proceso dilatado que exige una comunicación intensa con lo que ya ha sido para, a partir de ello, extraer lo nuevo.

Público destinatario: estudiantes de arte y personas interesadas en el tema

Vistazos es un ciclo en el que les artistas y les curadores nos acercan los avances de los proyectos de exposición que estaban programados para la agenda de este año en el Centro de Arte de la UNLP, pero que debido a la situación de emergencia no se pudieron concretar.

Además de funcionar como adelanto de lo que en algún momento se espera exhibir en el espacio físico y de manera presencial, el ciclo se presenta como una activación de las propuestas y como un nuevo encuentro entre les espectadores, les artistas y la institución.

En este adelanto, Cristalería San Carlos comparte la historia de la empresa y las imágenes de las obras que realizaron les artistas seleccionados en el programa Residencias para Artistas en Industrias, proyecto coordinado por el Ministerio de Innovación y Cultura de la Provincia de Santa Fe y el Museo Castagnino + Macro de Rosario. La exposición tenía previsto presentarse del 7 de noviembre al 5 de diciembre de 2020.