El Centro de Arte UNLP en Plateada. Feria de Arte Contemporáneo Bonaerense

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14, 15 y 16 de noviembre de 2025
De 14:00 a 22:00h
Teatro Argentino de La Plata
Entrada libre y gratuita

 

Por tercer año consecutivo, el Centro de Arte de la Universidad Nacional de La Plata (UNLP) participa en Plateada. Feria de Arte Contemporáneo Bonaerense, que se realizará los días 14, 15 y 16 de noviembre de 2025 en el Teatro Argentino de La Plata, de 14:00 a 22:00h con ENTRADA LIBRE Y GRATUITA.

En esta edición, el Centro de Arte presenta una nueva cápsula de su Archivo de Arte, con materiales audiovisuales y documentales del Fondo Beatriz Catani, junto a la performance Si yo en silla y el público habla. 2025, bajo la dirección de la reconocida dramaturga platense.

Si yo en silla y el público hablar 2025 fue la acción de inicio del Proyecto Atlas (de) las obras perdidas.

Era el año 2019 y nos preguntábamos: ¿dónde queda una obra?, ¿qué imágenes recuerda el público?, ¿cómo traer al presente las obras que ya no están?

Ahora, seis años después, nuestras preguntas son: ¿podemos replicar la acción una segunda vez?, ¿en qué se transforma?, ¿qué recuerdan lxs  actores de esa acción?, ¿y el público?, ¿cómo son las nuevas circunstancias, el entorno, nosotrxs, qué estrategias pensamos para trabajar la falta, entre otras, de plata?

Se trata de seguir pensando en la memoria, el presente de las obras y nuestro tiempo.

 

Beatriz Catani. Escritora y directora de teatro. También profesora de historia, docente e investigadora de la Universidad Nacional de La Plata y de la Universidad Nacional de Arte. Su trabajo se centra en la exploración de la voz y en la expansión hacia otros lenguajes como la música y el cine, con anclaje en la literatura y la historia argentina. Sus obras se presentaron en Teatro Cervantes, C.C.G. San Martín, C.C. Recoleta, Konex, TACEC, Teatro Princesa, Theater der Welt, KunstenFestival desArts, Theaterformen, des Ameriques, Spierlart, Culturgest, HebbelTheater, Casa de las Américas, Wiener Festwochen, entre otros teatros y festivales. Actualmente trabaja en el Proyecto Atlas (de) las obras perdidas, que se ha presentado en el Festival Internacional de Buenos Aires, Festival Internacional de Cádiz, Universidad Nacional de Quilmes y de La Plata, y cuyos archivos se alojan en el Centro de Arte de la Universidad Nacional de La Plata. https://www.centrodearte.unlp.edu.ar/fondo-beatriz-catani/ Vive en La Plata. Coordinó durante veinte años el Teatro Princesa junto a Quico García. Parte de sus textos y diversos registros de sus obras están reunidos en Acercamientos a lo real. Textos y escenarios y en El tiempo después, obras, escritos y archivos, publicado por INT https://inteatro.ar/editorial/el-tiempo-despues/#versiondigital.

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Programa de formación en arte, curaduría y teorías contemporáneas

Coordinación: Fernando Davis
Docentes: Paula Bertúa, Damián Cabrera, Mag De Santo, Ana Longoni y Duen Neka’hen Sacchi.

 

De junio a octubre de 2025
Modalidad virtual sincrónica
Actividad no arancelada

INSCRIPCIÓN

 

Cronograma
Inicio de la inscripción: 21 de abril
Cierre de la inscripción: 11 de mayo
Resultados: 28 de mayo
Presentación: Miércoles 4 de junio a las 18:00h

 

El programa de formación en arte, curaduría y teorías contemporáneas del Centro de Arte UNLP constituye un espacio de reflexión y producción crítica y teórica en torno al arte contemporáneo, la práctica curatorial y la investigación en historia y teoría del arte. La apertura del Programa en 2025 tiene lugar en el marco de una grave crisis que afecta el sistema universitario nacional, la ciencia, la educación pública en general y los ámbitos del arte y la cultura, sometidos a agresivos ajustes y recortes presupuestarios. En este complejo escenario, sostenemos la continuidad del Programa de formación, convencidas/os/es de que la universidad pública tiene un lugar central en la producción de conocimientos como instrumentos de soberanía, en la transformación de las comunidades y en la construcción democrática, de que el acceso al arte y la cultura es un derecho de todas/os/es y de que las prácticas artísticas y curatoriales constituyen espacios de experimentación e imaginación sensible, social y política, que dan forma a interpretaciones críticas de la realidad y contribuyen a reinventar las condiciones de lo posible.

El conjunto de seminarios del programa compone una cartografía de problemas en torno a la pregunta por las formas de agencia social y política del arte, considerando la práctica artística en su funcionamiento performativo, en las operaciones que construye, en sus modos de intervención en el presente, en los porvenires de sentido que torna pensables. Entendemos que las imágenes son performativas porque, más que describir o representar un determinado estado de cosas, participan en la construcción de la realidad, en la producción y administración de subjetividades, procesos de identificación, políticas de la mirada, regímenes escópicos, modulaciones del deseo y formas de existencia. En sus formaciones hegemónicas, las imágenes forman parte de las tecnologías de control y de organización de las políticas de producción de lo visible de la globalización neoliberal. Pero así también, como se propone en las prácticas artísticas, activistas, curatoriales y de archivo presentadas en los seminarios de este programa, las imágenes contribuyen a diagramar escenas de disenso que perforan o introducen intervalos en los “repartos (desigualitarios) de lo sensible”, como ha señalado Jacques Rancière, en los ensamblajes sensoriales que disciplinan o constriñen las posibilidades de los cuerpos y sus modos de organización y acción. Las posibilidades de agencia de las imágenes se juegan en su capacidad para ensayar formas de la imaginación política y sensible desde donde hacer pensables y visibles realidades y existencias que no preexisten a la escena que el arte configura en los modos oblicuos y suspensivos a través de los cuales interpela las condiciones de su presente. Las imágenes constituyen complejas tecnologías críticas y poético-sensibles que modulan formas de relacionalidad afectiva, ficcionan realidades alternativas y levantan memorias, narrativas y figuraciones que desafían la estabilidad de las construcciones hegemónicas, posibilitan conexiones no lineales entre objetos, cuerpos, espacios y tiempos, encienden la imaginación teórica y política.

 

Destinatarias/os/es
Estudiantes, docentes, investigadores de arte, literatura, ciencias sociales y comunicación. Artistas, diseñadores y realizadores.

 

Requisitos para la inscripción
Inscripción: 21 de abril al 11 de mayo

 

Se podrá cursar con inscripción previa a:
– Disponibilidad horaria para cursar el programa de manera completa.
– Se otorgará un certificado de asistencia por el programa completo a aquelles que cumplan con el 75% de la cursada del programa, no pudiendo tener más de una inasistencia por seminario.

 

Documentación a presentar:
– Curriculum Vitae (formato abreviado).
– Carta de motivación dirigida a las autoridades del Centro de Arte. Cada postulante debe explicitar en su carta en qué sentido el programa y las perspectivas teóricas, críticas y epistemológicas del conjunto de seminarios, se vinculan con su propia trayectoria y líneas de investigación, contribuyendo a ampliarlas o posibilitando nuevas indagaciones y preguntas teóricas.

 

Consultas: formacioncentrodearteunlp@gmail.com
Asunto: Inscripción.

 

Evaluación
Un comité integrado por la Prof. Mariel Ciafardo (Secretaria de Arte y Cultura de la UNLP y Directora de proyectos de investigación en el IPEAL), la Dra. Natalia Giglietti (Directora del Centro de Arte de la UNLP) y el Lic. Fernando Davis (Coordinador del Programa) seleccionarán sobre una vacante aproximada de 45 personas para cursar los seminarios.

 

Seminario
Políticas de investigación, archivo y curadurías colectivas desde la RedCSur
Ana Longoni
Miércoles 11 y 18 de junio y 2 de julio de 18:00 a 20:00h

La Red Conceptualismos del Sur, fundada en 2007, se define como una trama afectiva y activista que busca actuar en el campo de disputas epistemológicas, artísticas y políticas del presente. Desde un posicionamiento plural sur-sur, la RedCSur apuesta a incidir en la dimensión crítica de prácticas artísticas, archivísticas, curatoriales y de movimientos sociales, bajo la idea de que investigar es en sí un acto político, interviniendo sobre diferentes coyunturas que habitamos. En este seminario, además de presentar los modos de trabajo, y las políticas de investigación, archivo y activación de la RedCSur, nos focalizaremos en tres proyectos de curaduría colectiva sobre arte/política: Perder la forma humana. Una imagen sísmica de los años ochenta en América Latina (2012), Giro gráfico. Como en el muro la hiedra (2022) y El futuro detrás. Imaginación política después del estallido del 2001 (2024).

Ana Longoni es escritora, investigadora del CONICET y profesora de grado y posgrado en la Universidad de Buenos Aires y otras universidades. Doctora en Artes (UBA). Trabaja sobre los cruces entre arte y política en la Argentina y América Latina desde mediados del siglo XX hasta nuestros días. Autora de numerosas publicaciones, entre sus libros destacan Del Di Tella a “Tucumán Arde”. Vanguardia artística y política en el 68 argentino (junto a Mariano Mestman, 2000), Traiciones (2007), El Siluetazo (junto a Gustavo Bruzzone, 2008) y Vanguardia y revolución. Arte e izquierda en la Argentina de los sesenta-setenta (2014). Sus últimos libros son Tercer oído (2021) y Parir/Partir (2022). Dos obras teatrales de su autoría, La Chira y Árboles, se estrenaron en Buenos Aires en 2003 y 2006, respectivamente. Impulsa desde su fundación en 2007 la Red Conceptualismos del Sur. Curó sola o en colaboración las exposiciones Roberto Jacoby. El deseo nace del derrumbe (2011), Perder la forma humana. Una imagen sísmica de los años ochenta en América Latina (2012), Con la provocación de Juan Carlos Uviedo (2014), Oscar Masotta. La teoría como acción (2017) y Giro gráfico. Como en el muro la hiedra (2022). Integró la Comisión Gestora y fue vicerrectora de Investigación y Posgrado de la Comisión Gestora de la Universidad de las Artes, Guayaquil, Ecuador, 2015. Entre 2018 y 2021, fue directora de Actividades Públicas del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

 

Seminario
Nombres en busca de un hogar: discurso, arte y curaduría
Damián Cabrera
Martes 5, 12 y 19 de agosto de 18:00 a 20:00h

Este seminario se centrará en las relaciones entre escritura y prácticas artísticas y curatoriales desde algunas claves para pensar obras que operan en la frontera del discurso hablado y escrito, pasando por el rol de la escritura en la investigación curatorial, hasta curadurías centradas en el texto. El punto de partida del seminario serán algunos ejercicios curatoriales en el Museo del Barro y la Fundación Migliorisi, de Asunción, Paraguay, centrados en la escritura. Finalmente, se propondrán modos de categorización de proyectos expositivos en función de géneros discursivos y se pensará en las posibilidades del espacio expositivo para abrigar discurso. Este seminario pretende explorar un repertorio teórico y de casos que -aunque marginales- enfaticen el papel que desempeña el discurso en las prácticas artísticas y curatoriales, y cómo el campo abierto entre ambos se vuelve un espacio para la articulación de las diferencias.

Damián Cabrera es escritor, investigador, docente y curador paraguayo. Tanto sus obras de ficción como sus ensayos se concentran en la investigación de la realidad de la Triple Frontera, especialmente en las relaciones entre Brasil y Paraguay. Es licenciado en Letras por la Universidad Nacional del Este y magíster en Filosofía por el programa de Pós-Graduação em Estudos Culturais da Escola de Artes, Ciências e Humanidades (EACH) de la Universidade de São Paulo. Es miembro de la Red Conceptualismos del Sur, integra el colectivo editorial Ediciones de la Ura y es miembro de la Asociación Internacional de Críticos de Arte – Capítulo Paraguay. Es coordinador del Departamento de Documentación e Investigación del Centro de Artes Visuales / Museo del Barro y docente de la Licenciatura en Artes Visuales del Instituto Superior de Arte Dra. Olga Blinder, de la Universidad Nacional de Asunción, y de la Licenciatura en Cinematografía de la Universidad Columbia del Paraguay. Es autor de los libros Xiru (2012, ganadora del premio Roque Gaona) y Xe (2019). Ha curado las exposiciones de arte Inestable. Aproximaciones poéticas a la masacre de Curuguaty (Centro de Artes Visuales / Museo del Barro, 2015), Poder, autoritarismo e insubordinación (Fundación Migliorisi, 2018), Porvenir: Vida común a destiempo (Centro de Artes Visuales / Museo del Barro, 2022) y La silla más distante: Historia de dos obsesiones (Centro de Artes Visuales / Museo del Barro, 2023).

 

Seminario
Reencantamiento de la técnica: imaginación, política y agencia de las imágenes
Paula Bertúa
Martes 2, 9 y 16 de septiembre de 18:00 a 20:00h

Los siglos XIX y XX vieron el surgimiento y masificación de las imágenes técnicas (cine, fotografía, video), mientras que el siglo XXI dio lugar al nacimiento de las imágenes maquínicas (inteligencia artificial, machine learning, complejos algorítmicos). A lo largo de los tres encuentros, realizaremos un recorrido por diversas prácticas artísticas que ponen en escena este giro estético de la técnica. El objetivo es indagar en el estatuto político de las imágenes técnicas y en su capacidad de agencia para desmontar los programas de los aparatos, y así fabular nuevos imaginarios a aquellos determinados por el progreso tecnocrático. Propongo que si en la modernidad, la racionalidad instrumental llevó a un desencantamiento de la cultura y a la burocratización de las sociedades tecnológicas, en la contemporaneidad, la apertura de las imágenes a una topografía indeterminada de materiales, prácticas y saberes nos permite especular con un reencantamiento de la técnica.

Paula Bertúa es docente, crítica y curadora. Doctora en Letras (UBA), magíster en Historia del Arte Argentino y Latinoamericano (UNSAM) e investigadora del CONICET en el Centro MATERIA (IIAC-UNTREF). Allí dirige PIPEC, un Programa de Investigación sobre Prácticas Estéticas Contemporáneas [Materialidades – Procesos – Medialidad]. Enseña teoría y crítica literaria en la carrera de Letras, en la Facultad de Filosofía y Letras (UBA). En sus investigaciones sobre literatura y cultura visual en América Latina, explora las intersecciones entre estética, política y tecnología, desde un enfoque que integra una perspectiva materialista con el posthumanismo crítico y la filosofía de la técnica. Ha publicado los libros La cámara en el umbral de lo sensible. Grete Stern y la revista Idilio (1948-1951) (2012), Múltiple, singular, plural. Derivas de género en la fotografía contemporánea (2022), El trabajo de mirar. Saberes, prácticas y abordajes críticos de las imágenes (2023), y colaborado con artículos en revistas académicas especializadas y capítulos en volúmenes colectivos.

 

Seminario
Las pieles en que se imprimen las ausencias: documento, aparición y prácticas artísticas
Río Paraná (Mag De Santo y Duen Neka’hen Sacchi)
Martes 7, 14 y 21 de octubre, 18:00 a 20:00h

Los regímenes de desaparición occidental producen, entre otras cosas, una suspensión de los marcos epistémicos, temporales, espirituales documentales: la imagen está rota, incompleta, escondida y cargada de violencias. Ante el acecho que esas imágenes del orden clasificatorio colonial puedan provocar en el presente, esperamos indagar sobre procedimientos formales de trastocamiento, reconociendo los límites de la hipervisibilidad y reproducción, e insistiendo en formas alternativas de compartir la posibilidad de encuentros poéticos con esos pasados.

Río Paraná es una pareja de artistas transmasculinos con base en Argentina que trabajan desde 2016 sobre archivos, disidencia sexual y anticolonialidad. Los principales lenguajes que utilizan son la escritura, la investigación, mural, video y performance. Su obra fue adquirida por el Museo de las Américas, Washington y por el Leslie-Lohman Museum de Nueva York. Han curado La Pisada del Ñandú en La Virreina Centre de la Imatge, Barcelona, el Museo de Arte Contemporáneo de Panamá y el Centro Cultural Haroldo Conti de Buenos Aires. Han realizado laboratorios de formación en instituciones de Buenos Aires, Cali, México y Barcelona y acciones performáticas en Salta, La Plata, Buenos Aires, La Matanza, Barcelona, Madrid, Bilbao y Frankfurt. También desarrollaron proyectos de investigación artístico archivística en París y Turín. Son activistas militantes por los derechos de las personas LGBTIQ y/o racializadas.

Mag De Santo trabaja como artista investigador. Se licenció en Filosofía con especialidad en estudios queer sobre performatividad de género en paralelo que lleva su práctica teatral. Obtuvo el Premio Nueva Dramaturgia en el Festival Internacional de Buenos Aires, publicó una compilación de obras teatrales en Teoría de las aguas (Rara Avis, 2019) y estrenó sus obras Inundación en el C.C Rojas-Zinegoak, Eduardo la pelopincho y Canadá. Realizó el Programa de Estudios Independientes del MACBA-Barcelona (2017-2018) y actualmente cursa el doctorado de investigación en Artes (UNA) con una beca financiada por CONICET en torno a apariciones trans en los archivos institucionales de Argentina.

Duen Neka’hen Sacchi es artista visual, investigador y escritor trans. Su trabajo se centra en la investigación artística de las relaciones entre ficción, documento, memoria, etnicidades y trans-corporeidades. Sus principales medios son el texto, la trama, el gesto, el trazo, la forma y todas sus deformaciones. Publicó Ficciones Patógenas (Brumaria/Álbum, 2018; Rara Avis 2019), Organoléptico (Eremuak 2019) y Se me lo lleva (Lobita de río, 2024) Estudió y luego fue docente y tutor en PEI MACBA (2014-2017), profesor en P.O.P.S. Matadero, Madrid (2019). Fue editor en la revista de arte contemporáneo Terremoto (2022-2023). Desarrolló acciones, residencias y presentaciones de su obra en La Virreina (Barcelona), Tabakalera (Donostia), Matadero (Madrid), MACBA (Barcelona) CCK, CC CONTI, La ENE (Buenos Aires), entre otros.

 

Coordinador

Fernando Davis es profesor Titular de la cátedra Teoría de la Práctica Artística de la Facultad de Artes de la UNLP. Actualmente dirige el proyecto de investigación “Escenas de disenso y agencia política en el arte contemporáneo. Ensamblajes sensibles, ficciones performativas y torsiones de la imagen”, radicado en el Instituto de Investigación en Producción y Enseñanza del Arte Latinoamericano (IPEAL) de la Facultad de Artes de la UNLP. También dirige, desde 2014, la Cátedra Libre Prácticas Artísticas y Políticas Sexuales de la UNLP. Sus investigaciones se centran en las prácticas crítico-políticas de los conceptualismos en América Latina desde 1960, las redes experimentales de artistas y las poéticas queer. Entre las últimas exposiciones en las que se ha desempeñado como curador, se encuentran Inventar a la intemperie. Desobediencias sexuales e imaginación política en el arte contemporáneo (Parque de la Memoria – Monumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado, 2021), Cristina Piffer. Archivos pulsantes, imágenes intempestivas, supervivencias espectrales (Centro de Arte UNLP, 2022), Luis Pazos. Poesía vital (ArtHaus y Centro de Arte UNLP, 2024 y 2025) y Martha Peluffo. Estados suspensivos (Colección AMALITA, 2025). Integra desde su fundación en 2007 la Red Conceptualismos del Sur (RedCSur).

 

Evaluadoras
Mariel Ciafardo es profesora en Historia de las Artes Visuales, investigadora, docente y artista visual. Se desempeña como Titular Ordinaria de las cátedras de Lenguaje Visual 1 y 2 B en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata. Dirigió el proyecto de investigación “Artes visuales contemporáneas latinoamericanas. Los vestigios formales del pasado en el presente”. Es miembro del Comité Académico del Instituto de Investigación en Producción y Enseñanza del Arte Argentino y Latinoamericano (IPEAL). Autora de libros, capítulos de libro y de artículos en revistas especializadas. En 2020, publicó el libro La enseñanza del Lenguaje Visual. Bases para la construcción de una propuesta alternativa. Actualmente, es secretaria de Arte y Cultura de la UNLP.

 

Natalia Giglietti es Doctora en Artes, licenciada y profesora en Historia de las Artes Visuales por la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata (FDA-UNLP) y Especialista en Crítica de Artes (UNA). Se desempeña como Titular ordinaria en la cátedra Historia de la Fotografía I. Fue becaria de investigación tipo A y B de la UNLP. Sus últimas publicaciones trabajan en torno a los archivos personales de artistas y la fotografía entre el documento y la ficción. Dirigió NIMIO. Revista de la cátedra Teoría de la Historia, publicación especializada en arte y archivos. Desde 2023, dirige el proyecto de investigación “Archivos de arte, de artistas y de colectivos artísticos en la ciudad de La Plata desde 1970 a la actualidad: Aportes teóricos, metodológicos y estrategias de acceso público” (I+D-UNLP). Entre 2011 y 2014, fue Directora de Arte de la Prosecretaría de Arte y Cultura de la UNLP. Actualmente es Prosecretaría de Arte de la Secretaría de Arte y Cultura de la UNLP, tiene a su cargo el Centro de Arte de la UNLP.

 

Créditos imagen: Algo siempre está pasando (2012) de Patricio Gil Food. Instalación realizada en el marco del ciclo Arte en el patio, organizado por Francisco Lemus y Natalia Giglietti. Rectorado de la UNLP

 

Lista de seleccionades

Abril Carolina Vargas Hinojosa
Agustín Fernández
Agustina Puricelli
Aldana Noelia Maidana
Amira Sara Yañez
Ana Belén Rodríguez
Ana Cecilia Soares
Ana Raggio
Andrea Brunotti
Azucena Arvez Talavera
Carmina Frankel
Cássia Tavares
Celeste Caporossi
Daiana Rodríguez
Damián Emanuel Erviti
Dan Provenzano
Daniela Campos
Eduardo Arauz
Enzo Palavecino
Evelyn Araceli Ramp
Fernanda Díaz
Florencia Larralde Armas
Francisca Pérez
Gabriela Sacks
Gastón Lugones
Gilda Lorenti
Giuliana Uset
Grisel Gudiño
Inés Hernández
Jimena Medina Aguilar
Johana Titos
Juliana Distéfano
Karens Santana
Laura Khalloub
Lautaro Parada
Luana Cabra
Lucía Bancalari
Lucía Gambetta
Lucía Jazmín Beratz
Lucía Jazmín Tarela
María Bressanello
María Gallo Ugarte
María Laura Villasol
María Luján Escudero
María Nazarena Mazzarini
Marina Lanfranco
Martina Coronel Arribas
Matías Nicolás Bianchi
Mauro Rivas
Mauro Tomasini Torres
Mayro Romero
Milagros Alegre
Natalia Aguerre
Patricio Ruiz
Piré Rayen Sandoval
Pol Torres Piolo
Roberta Stubs
Rodrigo Cabrera
Román Eduardo Mayorá
Suyai Otaño
Tomás Darío Riveros
Valentina del Valle Ruiz Bailón
Valeria Cotaimich
Verónica Anahí Córdoba
Virginia Giovachini
Zaira Sabrina Allaltuni

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Teatro. Unos pocos globos dorados
Dramaturgia y dirección: Victoria Hernández

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Sábado 30.08.25
20:00h
Auditorio

 

Sinopsis
Cinco personas reunidas sin un motivo definido, exponen lo reprimido, lo no dicho, lo olvidado, en una mezcla de trasgresión, decadencia, melancolía y éxtasis. Abren preguntas y reflexiones en torno a un mundo carente de proyección y utopía.

 

Unos pocos globos dorados habita lo humano y lo monstruoso, la vigilia y los sueños, el original y el doble, el entumecimiento de los cuerpos y la historia. Intenta exponer la sensación de desasosiego y de ansiedad que se vive en un presente sin protección ni huida posible, y cómo en él, se intentan sostener los días, las alegrías, las alianzas, aún de modo inestable y precario. La persistencia del horror y de la capacidad de hacer el mal, parece indicar que lo que brilla, lo que se festeja, siempre será tan sólo un poco.

Unos pocos globos dorados retoma la idea de Lo gótico como significante que aglutina combinaciones simultáneas y contradictorias de creencias, tiempos y geografías. Como territorio para encarnar viejos conflictos que persisten, nuevas preguntas que se abren frente a la incertidumbre, horrores imaginados para el futuro. El gótico como posición que da lugar a lo ambiguo, que se opone al relato único y a las jerarquías, que realza la fragilidad y las zonas irracionales del ser humano. Como modo de acercamiento y acceso al mundo, universo de conceptos y figuras que buscan recuperar una cierta sensibilidad usurpada y desplazada. Espacio intermedio y confuso, escéptico y sin límites.

 

Ficha artístico-técnica
Dramaturgia y dirección: Victoria Hernández
Intérpretes: Nieves Nicolini, Elisa Nicolini, Susana Tale, Analía Carlé y Agustina Finochietto Vestuario: Adulto Kit
Iluminación: Agustina Palermo
Realización dispositivo escénico: Germán Stasiuk y Martín Moreno

 

Victoria Hernández nació en La Plata, Argentina (1985). Es directora escénica, dramaturga y actriz. Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (2019). Trabaja principalmente en el circuito de teatro independiente de La Plata y Buenos Aires. Participa de obras en el Teatro Cervantes y el Teatro Argentino de La Plata, con E.G. Wehbi y Claudia Billouroru, entre otros. Fue seleccionada para formar parte del Foro de Arte Joven organizado por el FIBA, Centro Cultural Recoleta y la Bienal Arte Joven en el 2017, y recibió la Beca de Creación del Fondo Nacional de las Artes en el 2021. Su proyecto De las risas, fue seleccionado en las residencias Azala y Arragua Arropaineko del País Vasco, y fue programado en el International Performance Art Festival, Ibiza, en el año 2020.

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Concierto
. El club de los corazones rotos

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Viernes 13.06.2025
20:00h
Auditorio

 

El viernes 13 de junio se presenta El club de los corazones rotos en el auditorio del Centro de Arte. Se trata de un proyecto indie rock de la ciudad de La Plata, conformada en el año 2023 por sus integrantes: Melany Kolmann en voces y guitarra armónica, Ana Clara Carozza en voces y guitarra rítmica, Gino Rossi Issa en bajo y coros, Camila Herrera en batería y percusión y Daniela Torres en teclas/sintetizadores. Actualmente se encuentran en proceso de producción y grabación de su primer álbum el cual interpretarán un adelanto de algunas de las canciones que lo conformarán.

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Conversatorio
. Programadores del QUEER -Festival de Cine sobre Diversidad Sexual y Género Espacio Queer-

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Martes 17.06.2025
17:00h
Auditorio

 

4 cartografías en 4 conversatorios

En la ciudad de La Plata y sus alrededores cuatro festivales combinan comunidades de espectadorxs, estudiantxs, cineastxs y cinéfilxs. El QUEER -Festival de Cine sobre Diversidad Sexual y Género Espacio Queer-, el REC -Festival de Cine de Universidades Públicas-, el FICE -Festival Internacional de Cine de Ensenada-, y el FESTIFREAK -Festival Internacional de Cine Independiente de La Plata-.

En el Centro de Arte invitamos a lxs programadores de estos cuatros festivales para que nos comenten sus lógicas de programación, mapas audiovisuales y ecosistemas de imágenes para relacionar, compartir y vivenciar anticipos audiovisuales de estos festivales 2025.

El encuentro 1 es el 17 junio y nos visitarán lxs programadores del Queer en el Auditorio del Centro de Arte a las 17:00h.

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Teatro-Performance. Mensajes a pobladores rurales. Concierto performático

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Sábado 31.05.25
20:00h
Auditorio

 

Desde hace décadas, las radios del sur del país emiten mensajes dedicados a pobladores de puestos y parajes perdidos en la meseta patagónica, donde no hay señal de teléfono.

Con seis micrófonos, música en vivo, en un lugar intermedio entre el teatro y la performance, Mensajes a pobladores rurales. Concierto performático disuelve los límites artísticos para evocar una Patagonia inspirada en esos detalles.

Humor, emoción y poesía en una propuesta original y sensible. Un cruce entre los mensajes enviados a la radio y lo que se crea a partir de ellos.

 

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA

Dramaturgia: Ana Laura Suárez Cassino
Intérpretes: Uki Cappellari, Cecilia Colombo, Seba Dorso, Fede Bethencourt y Mucio Manchini
Participación Especial: Karina Lopez
Vestuario: Paula Bianchini
Diseño de escenografía: Salvador Aleo
Diseño de luces: Facundo Estol
Diseño sonoro: Sebastián Dorso
Diseño audiovisual: Lucía Mena
Fotografía: Jorge Piccini
Asistencia de dirección: Mateo Garcia
Utilería: Agustín Valle
Producción: Carla Almiron
Dirección: Ana Laura Suárez Cassino

 

Ana Laura Suarez Cassino. Licenciada en Dirección Escénica por la Universidad Nacional de las Artes (UNA), autora, docente y abogada por la Universidad Católica Argentina (UCA). Trabaja en el teatro independiente desde 2003, donde escribió y dirigió más de diez espectáculos. Entre ellas, Mensajes a pobladores rurales. Concierto performático (FIBA 2024), Fantasía para tirar en una rima (Mención especial en Premios Nacionales 2022), El olvido, El argentino perfecto. Es docente de la Maestría en dramaturgia de la UNA. Es presidenta de APDEA (Asociación de Profesionales de la dirección escénica) y participa de la Colectiva de Autoras. Mensajes a pobladores rurales. Concierto Performático fue declarada de interés de la Legislatura de Chubut en 2024. Participó del Festival Internacional de Buenos Aires 2024.

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Universo energía. El principio de todo. Exposición de arte, ciencia y tecnología

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Apertura: 14.11.24 – 16:00h

 

La Secretaría de Arte y Cultura de la UNLP presenta Universo Energía. El principio de todo, una muestra de arte, ciencia y tecnología que busca generar un espacio formativo para el aprendizaje, la reflexión y el debate sobre el presente y futuro de la energía. La muestra está orientada al público en general, con especial énfasis en niños, niñas y adolescentes.

La exposición cuenta con seis salas que exploran el concepto de energía desde diversas disciplinas y teorías científicas. Además, se abordan los distintos modos de obtención, almacenamiento, distribución y uso de la energía, así como su cuidado. Se destacan las investigaciones y los desarrollos científicos de la universidad, la soberanía energética y las manifestaciones artísticas relacionadas con este importante tema.

La muestra está abierta al público a partir del 15 de noviembre, de martes a viernes de 9 a 18 horas y los sábados de 15 a 19 horas, en el Centro de Arte de la casa de estudios ubicado en el Edificio Sergio Karakachoff, en calle 48 nº 551 entre 6 y 7, La Plata. La entrada es libre y gratuita.

El acto inaugural de la megamuestra de arte, ciencia y tecnología se realizará este jueves 14 a las 16:00h y contará con la presencia del presidente de la Universidad, Martín López Armengol.

 

Universidad Nacional de La Plata

Presidencia
Mg. Martín López Armengol

Vicepresidencia Área Académica
Dr. Arq. Fernando Tauber

Vicepresidencia Área Institucional
Dra. Andrea Varela

 

Secretaría de Arte y Cultura
Prof. Mariel Ciafardo

Prosecretaría de Cultura
Prof. María Elena Larregle

Prosecretaría de Arte
Dra. Natalia Giglietti

Dirección de Administración
Prof. Pablo Toledo

Dirección de Arte
Lic. Lisa Solomin

Dirección de Cultura
Dr. Pablo Tesone

 

Facultad de Artes

Decano
Dr. Daniel Belinche

Vicedecano
DCV Juan Pablo Fernández

 

Universo Energía. El principio de todo

Coordinación General
Natalia Matewecki

Diseño de exposición y coordinación escenográfica
Laura Musso

Comité Asesor Científico y Cultural
Marcos Actis
Gonzalo Albina
Gustavo Andreasen
Patricia Arnera
María B. Barbieri
Paula Bergero
Mariano Bonomo
Margarita Bouzenard
Florencia Cabana
Valentín Carbajal
Leonardo Catalano
Heliana Custodio
Javier Díaz
Guillermo Garaventa
Diego Gobbo
Nora Gómez
Liliana Guevara
Damián Gulich
Cecilia Lucino
Hugo Gastón Mayer
Laura Miotti
Juan Pablo Morales
Alejandro Patanella
Santiago Perdomo
María Pía Piccirilli
Juan Portillo
Nicolás Rendtorff
Augusto Manuel Rodríguez Carrillo
Mariana Santamaría
Juan Manuel Santillán
Cecilia Verónica Sanz
Cecilia Scalia
Marcela Taylor
Myriam Tebaldi
Daniel Tovio
Paulina Vera
Arnaldo Visintin
Cecilia von Reichenbach
Carlos Wall

Producción
Florencia Murace

Diseño Escenográfico
José Hernán Arrese Igor
Eliana Cuervo
Florencia Murace
Laura Musso
Matías Quintana
Santiago Régulo Martínez
María Fernanda Rodríguez

Diseño de Producción
José Hernán Arrese Igor

Diseño Visual
Pablo Tesone

Realización Escenográfica 

Coordinadores:
Eliana Cuervo
Gonzalo Monzón
Laura Musso
Mariel Uncal

Realizadores:
Karen Carballo
Luisina Fucile
Facundo Ichuribehere
Sofía Madrid
Mariana Marziali
Ana Clara Montorsi
Carolina Muro
Matías Quintana
Santiago Régulo Martínez
Julieta Reinaud Pavón
Karina Sacco
Irene Scotti Donnantuoni

Voluntarios:
Salomé Aschemager
Paz Cabanilla
Laura Abril Fiquepron
Agustina Ganly Sánchez
Carolina Giménez
Melisa Legaspi
Verónica Martínez
Sofía Ninno
David Alejandro Noal
Juliana Pardo Estévez
Priscila Jacqueline Sánchez
Daira Talesco
Camila Viglienghi

Colaboradores:
Catalina Chontasi Trujillo
Vanina Policano
Julián Savegnano
Santiago Torres
Florencia Urrutia

Maqueta tradicional:
Catriel Petti
Gabriel Piñero

Coordinación Multimedia
Agustín Scurzi

Realización Multimedia
Federico Joselevich Puiggrós (mentor)
Lourdes Bellido
Tomás Benjamín Costantini
Simón Grün
Nicolás Mata Lastra
Andrés Pablo
Agustín Scurzi
Álvaro Juan Terracciano
Elizabeth Toledo

Realidad Virtual
Alejo Llamas (desarrollo, diseño y 3D)
Tobías Albirosa (colaboración en programación)

Edición Audiovisual
Pablo Ceccarelli

Diseño de Sonido
Federico Jaureguiberry

Montaje
Florencia Murace
Amparo Nittoli
Gabriel Piñero
Santiago Régulo Martínez
Camila Tellería

Colaboradores:
Camila Pereyra
Daira Talesco

Diseño Lumínico
Eliana Cuervo

Iluminación
Eliana Cuervo
Juan Quiroga

Producción Gráfica
Florencia Depino (La Pecera Impresiones)
Sebastián Vanini (Fox La Plata)

Impresión 3D
Federico Campos

Corrección de textos
Guadalupe Russo

Registro audiovisual y fotográfico
Amparo Fernández
Luis Migliavacca

Comunicación y Redes
Diego Ibañez Roka
Inés Ward

Coordinación de guías
Lucía Delfino (Centro de Arte)

Coordinación de mediadores
Florencia Cabana (Museo de Física)

Guías y mediadores
María Eugenia Azame
Agustín Mariano Barca
Rocío Bernaola
Marco Fabrizio Cuccaro
Estefanía Ferrari
Fermín Filiberto
Valentina García
Dolores García Campodónico
Michelle Junop Sepúlveda Chandia
Melisa Legaspi
Nicole Paris Draghi
Eliana Presta Castagnini
Juana Renteria
Rocío Richetti
Agostina Santo
Antonela Angela Sorgi
Sofía Irene Stefanu
María Luján Vazelle
Rocío Soledad Villena
Fiorella Agustina Zanazzo

Colaboradores
Mauricio Angulo
Abril Buffarini
Alberto Ramón Ghisolfi
Julieta Lombardelli
Sabrina Lombardo
Constanza Pedersoli
Giorgina Rosli
Matías Zeballos

Obra Vidriera
«Analogía I, 2da. versión» o «Energía» de Víctor Grippo

Montaje:
Paulina Vera
Olivia Coll

Investigación:
Marcela Cabutti
Natalia Giglietti

Asesoramiento:
Enzo Bard
María José dos Reis
Nilda Fink
Nilda Olmos de Grippo
Mario Rentería
Mariana Santamaría
Elena Sedán

Obras Vidriera Bicentenario
Caja de música «Tres orientales» del Museo Azzarini
«Fluidos Vitales» de Martín Bonadeo
«Proyecto Biosfera» de Joaquín Fargas
«EAD: Energía Atómica Doméstica» del colectivo Hangar 3°
«Colonia» de Darío Sacco
«VIR» de Darío Sacco

Obra Sala A
«Juego del no opi» de Marcela Cabutti

Obra Sala C
Mural de Ichu

Obra Sala D
«Huellas del sonido» de Federico Jaureguiberry y Lisandro Peralta

Experiencias multimedia de autor
«Briyuela» de Elizabeth Toledo (sala A)
«Conciencia Energética» de Lourdes Bellido (sala B)
«Mudanza medieval» de Tomás Benjamín Costantini (sala C)
«Bat Bat» de Simón Grün (sala C)
«Demokratos» de Andrés Pablo (sala C)
«T.I.T.O.» de Álvaro Juan Terracciano (sala C)

Auspiciantes
YPF
CBZ
Acuflex
JBL
Deep Make

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Exposición. Sin Sitio. María Santi y Rosario Salgado
Curaduría de Lucía Savloff

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Inauguración: 16.03.24
De 17:00 a 20:00h
Vidriera Bicentenario

 

Repliegue y expansión

Esta exposición pone en relación un conjunto de obras recientes de las artistas platenses Rosario Salgado y María Santi. Ambas exploran las posibilidades de la actividad pictórica cuando es pensada para interactuar con un entorno específico, en este caso la Vidriera del Bicentenario del Centro de Arte de la UNLP

La muestra aborda el cruce entre lo pictórico y la instalación al incorporar la experiencia del cuerpo en movimiento como condición necesaria para la percepción de las obras. Éstas invitan a detenerse ante imágenes y situaciones visuales cuyos detalles difícilmente puedan captarse mediante una reproducción fotográfica. En un mundo en el que prima el frenesí de la circulación digital de las imágenes, hay aquí una invitación a la demora.

María Santi aplica pintura acrílica con aerógrafo hasta otorgar rigidez a la tela que luego recorta y pliega para explorar la tridimensión. Las rectas de los pliegues dibujan patrones geométricos o se deforman cuando las piezas ceden ante la gravedad. Sus búsquedas formales van desde la retícula ortogonal a la evitación de lo recto, mediante lienzos que no niegan su doble faz. En el trabajo de María Santi podemos ver referencias a la historia de la pintura y sus sucesivos certificados de defunción. En este conjunto de obras recientes también encontramos ecos de algunos de sus trabajos anteriores como la serie Operaciones pictóricas, en la que María Santi acumulaba diversos modos de aplicación de la pintura sobre la superficie de lienzo blanco, generando formas por enmascaramiento y superposición. Como una especie de repertorio de eventos pictóricos encadenados. En otras series como Pieles o Los despieces las formas ya se habían desprendido del bastidor como soporte para adquirir cuerpo propio y ubicarse directamente sobre el muro. ¿Cuándo empieza y dónde termina una obra que es en el espacio? ¿Cómo encuentra sus límites?

Rosario Salgado también desarrolla su actividad pictórica dentro y fuera de los límites del cuadro. En sus telas embastadas el blanco de fondo opera aislando composiciones centradas en las que una paleta reducida dibuja motivos que parecen abstractos pero se abren a asociaciones diversas. Sus Mapas interiores despliegan una temporalidad propia mediante una especie de geometría blanda. La autora define la pintura “…como espacio donde me muevo en la intuición, donde la forma decanta y el contorno es el límite de una expansión, de un movimiento anterior, como la orilla es el dibujo de la marea que luego se contrae.” En su obra se combinan los plenos planos sin marca de pincel con aguadas que develan los procesos acuosos que atraviesa el pigmento. En algunas de sus obras las formas oscilan entre figura y fondo, entre la imagen positiva y el negativo de los huecos que la rodean. Sin lugar para lo fijo, sin sitio para la obra única. Cada imagen tiene su doble, como si para ejercer el acto de ver fuera necesaria la comparación, el ir y venir, el entrenamiento en la observación de las sutiles diferencias entre un motivo y sus variaciones. Una poética de la curva y el rodeo, marcada por el ritmo de una insistencia. Una invitación a la reflexión sobre el ver como un proceso que es siempre en relación.

El trabajo de las pintoras parece proceder por acumulación en el tiempo. Sus obras son resultado de una tarea paciente pero subterránea, que muchas veces pasa inadvertida. ¿Cómo sostener la pintura? Si no hay muro, si no hay marco, si no hay bastidor. Pinturas que se apoyan espalda con espalda y se sostienen entre sí. Pinturas que evitan el contacto con el suelo, que se dan aire. Obras que no tienen sitio. Que no se encuentran a gusto en el tenor de la época. En tiempos difíciles, se trata de haceres que sostienen.

Lucía Savloff, marzo de 2024

 

María Santi (La Plata, 1970). Licenciada en Artes Plásticas por la Universidad Nacional de La Plata (UNLP). Es Especialista en Medios y Tecnologías para la Producción Pictórica por la Universidad Nacional de las Artes (UNA). Asistió a talleres con artistas como Marta Ares, Matías Duville, Eduardo Stupía, y realizó clínica de obra con Ana Eckell, Fabiana Barreda, Tulio de Sagastizábal, María Carolina Baulo y Marcelo Pelissier, entre otros. Transitó por la Escuela de Proyectos de Galería ArtexArte y realizó estancias de residencia artística en países como Alemania, Finlandia, Rusia y China. Realizó exhibiciones individuales en distintos espacios y galerías como Reencantamiento del rosa en Una obra un artista (2023), Chromohipnótico Galería Praxis (2018) y participó en exhibiciones colectivas como 111° Salon Nacional de Artes Visuales (2023), Premio Adquisición 8M (2023),  67° Salón de Artes Plásticas Manuel Belgrano (2023),  entre otras.  Recibió una Mención de Honor en el 110° Salón Nacional de Artes Visuales en la categoría Pintura (2022), una Mención del Jurado en el 16° Premio Bancor (2023) y ganó el Premio Adquisición Honorable Cámara de Diputados en el Salón Provincial de Artes Visuales Molina Campos del Museo de Bellas Artes Emilio Pettoruti (2023). Vive y trabaja en La Plata, Argentina.

Rosario Salgado (La Plata, 1986). Profesora y Licenciada en Artes Plásticas por la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata (UNLP). En 2020 finalizó el Programa de Posgrado en Producción Visual (FDA-UNLP). Participó de talleres y cursos con artistas como Diana Aisenberg, Claudia del Río, Silvia Gurfein, Graciela Hasper y Eduardo Stupía, entre otros. Realizó clínica de obra con Tulio de Sagastizábal. En 2021 realizó una residencia de arte en Ciudad de México, presentando en Galería Nudo, París, las obras allí realizadas. Realizó muestras individuales como Proyecto tendal en el Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti, Todo lo que había brotado entonces en el Museo de Arte Contemporáneo Latinoamericano MACLA, Index esencial en Residencia Corazón, La importancia de la forma en Siberia Galería, y Las especies privadas en el Museo de Ciencias Naturales de La Plata. Ha participado en exhibiciones colectivas en espacios como la Casa Nacional del Bicentenario y el Centro Cultural Borges, entre otros. Vive y trabaja en La Plata, Argentina.

Lucía Savloff (La Plata, 1984). Es profesora en Historia de las Artes Visuales por la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata (FDA-UNLP). Docente en la cátedra Historia de las Artes Visuales IV (FDA-UNLP); en la cátedra Historia de las Artes Visuales del Área Transdepartamental de Crítica de Artes, Universidad Nacional de las Artes (UNA) y en el Bachillerato de Bellas Artes (UNLP). Integra el proyecto de investigación “Imaginación de futuro y visión prospectiva en el arte contemporáneo (1990-2022)”, radicado en el Instituto de Historia del Arte Argentino y Americano (FDA-UNLP). Integró el equipo curatorial de la exposición Ilustres desconocidas, algunas mujeres en la colección (2017) en el Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti. En la misma institución realizó junto a Florencia Suárez Guerrini la curaduría de Empezar un museo núcleo de la exposición Fundaciones en ocasión del 100 aniversario de la institución (2022). Otras exposiciones recientes: El cuerpo aún (2019) Centro de Arte (UNLP) y Vértigo. Geometría e inestabilidad (2019) Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (MACBA).

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Exposición. Pueblada. Tadeo Muleiro

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Inauguración: 16.03.24
De 17:00 a 20:00h
Vidriera 

 

Una vidriera habitada por extraños seres fantásticos. Del otro lado, el mundo exterior. La calle, la vereda, los autos, lxs caminantes, los comercios, lo cotidiano. ¿Existe realmente esta dicotomía? ¿Se trata de dos espacios diferentes? ¿De mundos separados?

El artista Tadeo Muleiro se encarga, precisamente, de responder estas preguntas difuminando los límites, aquella separación, entre diferentes mundos y cosmogonías. Construye estos seres de tela como una encarnación vibrante y colorida del mundo intangible de los relatos y costumbres, del mito y de los espíritus. De forma desprejuiciada fusiona la rica mitología latinoamericana con la estética dinámica del cómic y el animé, construyendo sus propios arquetipos y rituales. Seres del viento, Gualicho o Los hermanos, son algunos de los nombres de estas piezas que meticulosamente cosidas a mano en una producción personal e íntima, se cargan de tiempo, de una latencia, donde parecen haber sido parte de alguna ceremonia o costumbre que desconocemos. O bien están esperando el momento oportuno para cobrar vida, para manifestarse y salir a la calle, así como en las puebladas de nuestro continente.

¿No es acaso la separación tajante de las cosas el error más grande que cometemos una y otra vez como sociedad? Si algo necesitamos recuperar con urgencia es aquello que Tadeo mismo realiza en su producción como artista, la hibridación de mundos. El mundo espiritual y el terrenal, los humanos con el planeta que habitamos, nuestro país con los países vecinos, nuestra historia con nuestro presente, lo colectivo con lo íntimo. En un contexto hostil como el de hoy necesitamos recordar que todo y todes estamos conectados.

 

Tadeo Muleiro (1983, Argentina). Vive y trabaja en Buenos Aires. Es licenciado en Artes Visuales de la Universidad del Museo Social Argentino y profesor de escultura en la Universidad Nacional de las Artes de Argentina. Obtuvo becas nacionales e internacionales, entre las que se destacan en el 2023 la Residencia en el Serliachus Museum en Finlandia y en el McColl Center, en Charlotte, Carolina del Norte, Estados Unidos. En 2022 realizó la Contemporary Textile Residency Ifitry en Marruecos, África, y en 2020 la residencia artística en La Napoule Art Foundation en Niza, Francia. En 2019 el GloArt Center financió su proyecto Cernunnos realizado en Lanaken, Bélgica, y formó parte de la residencia en el Building Bridges Art Exchange en Los Ángeles (Estados Unidos). Recibió en 2012 la Beca de Artes Visuales del Fondo Nacional de las Artes de Argentina y ese mismo año participó del Proyecto PAC organizado por la Galería Gachi Prieto en Buenos Aires.

Entre las muestras que ha realizado destacan: Love is love by Swatch, 76° Festival Internacional de Cine de Locarno, Suiza, 2023; Myhtos, en el McColl Center, en Charlotte, Estados Unidos, 2023; Sueño Sombra en Quimera Galería en el año 2022; Arte en juego, Fundación PROA, 2021; Estation E: In transit en Building Bridges Art Exchange Gallery, Los Ángeles, California, 2019; Extracorporeal: Beyond the Body en el Museum of Latin American Art (MOLAA), Long Beach, California en 2018, y Borges: Ficciones de un tiempo infinito en el Centro Cultural Kirchner (CCK) en Buenos Aires, 2016. Su obra fue expuesta de forma federal con muestras individuales en distintas provincias de Argentina como en el Museo de Bellas Artes “Timoteo Navarro” de Tucumán, el Museo de Bellas Artes “Franklin Rawson” de San Juan y en el Museo “Rosa Galisteo” de Santa Fe.

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Apertura 2024 – 16.03.24 de 17:00 a 20:00h

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La apertura 2024 del Centro de Arte de la UNLP no será la misma que otros años. Se enmarca en la situación crítica que atraviesa el sistema universitario público nacional. En condiciones muy difíciles hemos decidido, junto a la Secretaría de Arte y Cultura de la UNLP, la continuidad de las actividades porque creemos en el derecho al arte y a la cultura para todas/os/es y porque tenemos la convicción que sostener los espacios es defender el valor estratégico que tiene la educación universitaria, la producción de conocimiento, la construcción democrática y la soberanía cultural.

Por primera vez, esta inauguración se concentrará en las salas que tienen un acceso más directo con espacio público, con la calle. Son las vidrieras las que expresan una vecindad con el territorio; son las que desgobiernan el ritmo urbano; son nuestra presencia, donde interrogamos al presente y por donde ese presente nos interpela.

A partir de este sábado 16.03.24 a las 17:00h te invitamos a la apertura de las exposiciones Sin sitio de María Santi y Rosario Salgado con curaduría de Lucía Savloff en Vidriera Bicentenario, Retratos de colección de Bruno Pianzola en sala A y Pueblada de Tadeo Muleiro en Vidriera de calle 48.

Podés visitar el Centro de Arte de miércoles a sábados, excepto feriados, de 14:00 a 19:00h. ENTRADA LIBRE y GRATUITA. Calle 48 entre 6 y 7, La Plata.

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Capítulo Ojos de ciervo rumanos en diálogo con Luis Pazos y Graciela Taquini II

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Archivo audiovisual que pone en diálogo Imágenes recuperadas de Ojos de ciervo rumanos, Beatriz Catani (2001), Roles, Graciela Taquini (1988) y la serie fotográfica Estilo de vida argentino, Luis Pazos (1971) junto a conversaciones mantenidas durante el año 2021 por plataformas virtuales coordinadas por Alejandra Ceriani.

Dentro de las cuestiones que nos propusimos conversar en nuestros encuentros del 2021 (con Graciela, Luis y Alejandra) una preocupaba centralmente: ¿Cómo viven los artistas? Se habló sobre sus economías y en particular cómo transitaron la crisis del 2001.

Piglia dice que hacer arte es estar financiado. Una afirmación certera. En la gran mayoría de los casos hay otra actividad que nos apoya, otro sustento, sean clases o algunas otras como surgen de estas conversaciones.

Luis y Graciela cuentan su propia economía, cómo financian sus obras y cómo vivieron la coyuntura del 2001 sobre las imágenes de las obras citadas de ambxs. Roles, que fue un primer autorretrato performático en el video arte argentino, hoy se vuelve un autorretrato de artistas en (las) crisis (o durante los procesos de crisis).

Voz off: Beatriz Catani
Edición: Marcos Migliavacca

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