Sala A

El Festival Danzafuera es un espacio que busca contener diversas prácticas y producciones artísticas que se desarrollan en contextos determinados, atravesadas por procesos de investigación in situ, que toman al cuerpo y al lenguaje del movimiento como principal soporte y medio. Así, busca abrir sentidos y preguntas en torno a los límites de la danza, ampliando sus fronteras, tanto en un sentido espacial como conceptual, llevándola fuera de sus espacios de circulación habituales, pero también fuera de sí misma, descentrarla, cuestionarla y aperturarla hacia otras posibilidades.

El festival nace en 2013 a partir de la necesidad de ocupar nuevos espacios de visibilidad, proponiendo la calle como escenario. Con el pasar de las sucesivas ediciones, las preguntas acerca de cómo abrir y cómo ocupar espacios y, fundamentalmente, cómo trabajar en contextos específicos, nos fueron llevando a repensar y actualizar la propuesta y las convocatorias del festival.  Seguimos pensando en ocupar las calles, pero ¿cómo?, ¿de qué manera? ¿Qué implicancias tiene para la danza estar en la calle?, ¿y para los cuerpos? ¿De qué cuerpos estamos hablando? ¿Qué cuerpos incluye y qué cuerpos excluye la danza contemporánea? ¿Y la danza en la calle?

Se basa en cinco posicionamientos:

  • El foco en los procesos de investigación artística.
  • La producción de pensamiento y la elaboración conceptual en torno a la danza.
  • El desarrollo de procesos artísticos en territorios específicos.
  • El encuentro con otrxs, la co-gestión y el trabajo colaborativo y en red.
  • El carácter gratuito para el público en general y el pago de honorarios a lxs artistas por su trabajo.

Sobre Danzafuera

Somos un grupo de bailarinxs, gestorxs y coreógrafxs del circuito independiente que, que desde el año 2013 decidimos realizar este festival. Apostamos a una programación abierta y gratuita construyendo un posicionamiento político que busca aperturar y transformar los sistemas de circulación que tienden a excluir. Al revés de lo que suele decirse sobre la falta de público para la danza, con cada edición confirmamos que hay muchas personas interesadas en la disciplina por el alcance masivo que se genera. Por eso seguimos y, ¡vamos por más!
Apostamos a la revalorización del patrimonio de la ciudad a partir de estas formas de habitarla, abriendo nuevos sentidos sobre el uso del espacio público urbano y los vínculos que construimos ahí desde diversos lenguajes.
Queremos más espacios y más espectadorxs para la danza y una danza nueva para el público y para estos nuevos espacios, revalorizando el patrimonio de la ciudad a partir de este lenguaje y abriendo nuevos sentidos sobre el uso y el valor del espacio público urbano y de los vínculos que construimos allí. Pero sobre todo, queremos que todo esto siga siendo gratuito y accesible para todxs.

El festival tendrá lugar del 10 al 18 de marzo en diferentes lugares de la ciudad: espacios públicos como calles y plazas, centros culturales independientes de la ciudad como Vil Teatro, El Sótano, El Escudo, El Espacio y también en el Centro Universitario de Arte de la UNLP.

Para ver la programación completa: http://danzafuera.wixsite.com/festival/programacion

Sala A

El Centro de Arte de la UNLP presenta, en esta ocasión, la obra de teatro Montaraz, escrita y dirigida por Braian Kobla. Montaraz es una coproducción de PAR (Programa de apoyo para la Realización artística) de la Universidad Nacional de La Plata y AÚRA Festival de Artes Escénicas.

Sinopsis
Partimos conceptualmente del pensamiento del filósofo y activista italiano Franco Berardi (Bifo), quién en varios de sus ensayos señala que “La sublevación es antes que nada un acto físico, afectivo y erótico.” Esta afirmación nos provocó una relación directa sobre el cuerpo como plataforma generadora y transformadora de discursos. Un cuerpo capaz de soportar las contingencias de la realidad y a su vez desdoblarse de manera poética.
¿De qué manera podemos dar cuenta de ciertos mecanismos del poder y de los vínculos en sociedad a través del cuerpo?
Desarrollamos una serie de procedimientos formales que buscan acercarse a esos mecanismos cargados de contenido: social, político, sexual, intelectual, pero no para desarrollar temas de reflexión, sino como función operatoria para producir sentido sobre el cuerpo de las intérpretes.
La obra no se sostiene desde un relato argumental a la manera que refiere, por ejemplo, Tzvetan Todorov como: equilibrio–desequilibrio–nuevo-equilibrio, sino que nuestro relato funciona por resonancias, por la yuxtaposición de varios lenguajes o procedimientos desarrollados como: estados de actuación, canciones, secuencias físicas, sonidos, loops de textos, coreografías, secuencias textuales.
De esta manera podemos pensar a las intérpretes como pulsos, intensidades que vibran estableciendo un pulso superior, un ritmo, y ese ritmo deviene en relato. Un relato sostenido por las vibraciones de los cuerpos. Un par de cuerpos sublevándose así mismos, sometidos a una partitura que deben ejecutar a la cual denominamos obra.

Ficha técnica
Intérpretes: Denisse Van Der Ploeg, Julieta Ranno, Natalia Maldini, Anabelén Recabarren y Eliana Giommi
Músicos: Francisco Raposeiras y Andrés Dillón
Escenografía, vestuario e iluminación: Sol Santacá
Asistencia de dirección: Rafael Gigena
Dramaturgia y dirección: Braian Kobla

Braian Kobla. Actor, director, dramaturgo y docente teatral. Egresado de las carreras del profesorado y la licenciatura en Artes Escénicas en la Escuela de Teatro La Plata (ETLP). Formó parte del staff del Club de Teatro Defensores de Bravard, dictando los cursos anuales de actuación en los niveles intermedios bajo la coordinación de Matías Feldman y Santiago Gobernori.
Ha participado como dramaturgo y actor en Panorama Sur, plataforma de intercambio internacional, organizada por Goethe Intitut y THE-Asociación para el Teatro Latinoamericano, bajo la dirección de Alejandro Tantanian y Cinthia Edul. Formó parte de la Compañía Buenos Aires Escénica, coordinada por Matias Feldman. Su obra The Good fue editada por la Editorial Sur Surreal, formando parte del tomo II de la colección Poéticas Profanas. Dicha obra formó parte de la Biblioteca digital de CREADOR.ES (Madrid, España) durante el año 2014. Su obra No hay nada más hermoso que acariciar algo quieto, fue seleccionada por la Biblioteca Nacional de España (Madrid) para formar parte de su colección Joven Dramaturgia Iberoamericana, sumándose al catálogo digital de dramaturgos emergentes de la escena iberoamericana sub 30. Con dicha obra ganó la Beca Individual del Fondo Nacional de las Artes a la Creación. Actualmente es el coordinador de la Plataforma de Entrenamiento y Creación Escénica, generando un espacio de producción e investigación en relación a la escena contemporánea. Sus obras estrenadas son: Yo fui Sofía (2010); Ofelia se ahoga (2011); The Good (2015); Montaraz (2017); No hay nada más hermoso que acariciar algo quieto (2018).

Sala A

El Centro de Arte de la UNLP presenta Instante 9, obra a cargo de Compañía DO2. Grupo de producción y experimentación escénica. La obra cuenta con el apoyo del Instituto Nacional del Teatro y del PAR (Programa de Apoyo a la Realización Artística y Cultural) de la Secretaría de Arte y Cultura de la Universidad de La Plata.

Sinopsis
Tres personajes. Una reina, un rey y un tablero.
Separados por el tiempo, la reina y el rey juegan su partida en un tablero que coarta sus movimientos/acciones, castigando y separando sus cuerpos con instantes de sus vidas. El objetivo del juego es romper la barrera temporal que los separa para nuevamente encontrarse. El tablero hará su jugada con el destino de ambos.

Ficha técnica
Bailarina: Florencia Olivieri
Actor: Jerónimo Búffalo
Música: Alejandro Santucci y Mauricio Silva
Escenografía e iluminación: Martín Galle y Leandro Mosco / MATE Espacio de producción
Vestuario: Esteban Licht
Fotografía: Sofía Marcos
Diseño en comunicación visual: Paula Dreyer
Asistencia de dirección: Leonardo Basanta
Asistencia técnica: Beder Reyes
Dirección y puesta en escena: Jerónimo Búffalo y Florencia Olivieri
Producción general: DO2 Experimentación escénica

Sobre la Compañía DO2. Grupo de producción y experimentación escénica

Jerónimo Búffalo. Desde el año 1995 a la actualidad realiza su formación como actor, docente y director. Es egresado de la carrera de Actuación de la Escuela de Teatro de La Plata. Se formó como actor con los maestros Marcelo Katz (con el cual se especializa en la técnica de la pantomima), Raúl Serrano, Rubén Szuchmacher y Pompeyo Audivert. Realiza diferentes seminarios y cursos relacionados al circo, el canto, la actuación y la danza.
Sus trabajos se han presentado en diferentes espacios oficiales como en el Teatro Argentino de La Plata, el Espacio Memoria y DDHH (ex ESMA), la sala Payró del Auditórium de Mar del Plata, en el Centro Cultural Haroldo Conti (ex ESMA), el CCC (Centro cultural de la Cooperación), la UNSAM (Universidad Nacional de San Martin), el Auditorio de Bellas Artes (UNLP), el Museo de Bellas Artes de la Provincia de Buenos Aires “Emilio Pettoruti”, en la Escuela de Teatro de La Plata y en el Centro Cultural Islas Malvinas (La Plata). En espacios no oficiales de Capital Federal como el Galpón de Guevara, el Teatro Mandril y en varias salas de La Plata, donde reside. Sus obras han sido seleccionados para participar en distintos ciclos y festivales nacionales e internacionales.

Florencia Olivieri. Egresada de la Escuela de Danza Contemporánea Armar Danza Teatro. Se formó en diversas técnicas de danza, improvisación y composición. Cursó el posgrado en la Especialización en Análisis Coreográfico de la Facultad de Bellas Artes de la UNLP. Sus obras han sido seleccionadas en ciclos y festivales nacionales e internacionales como el Festival Internacional de Buenos Aires, Festival Internacional “A Sul” en Portugal, Festival Internacional Multipla Danca Florianópolis, Brasil, entre otros. Es docente de Técnica de Danza Contemporánea, Improvisación, Composición Coreográfica, y danza para niños en instituciones privadas y oficiales. Su trabajo ha sido reconocido con becas y subsidios del Fondo Nacional de las Artes, la Fundación Antorchas, el Instituto Prodanza y el Instituto Nacional del Teatro. Desde 2007 dirige Proyecto en Bruto y desde 2010 coordina La Casa Centro de Formación y Producción Artística de la ciudad de La Plata.

Instante 9 ha participado en:
• Selección Festival Cult Dance 2017. Brasilia, Brasil.
• Auditórium de Mar del Plata, Sala Payró. Temporada primavera 2017
• Festival MEF (Movimiento en Foco) 2017. Posadas, Misiones.
• Festival FETI (Festival Efímero de Teatro Independiente) 2017. Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
• Festival Cuerpo en Escena 2017. Santa Rosa, La Pampa.
• Ciclo de danza “Aula 20” 2016. Secretaría de Arte y Cultura de la Universidad de La Plata.
• Ciclo de danza “Danza en el museo” 2017. Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti. La Plata, Buenos Aires.
• Ciclo “La Noche de los Teatros”. ATEPLA (Asociación de teatros platenses) 2017.
• Ciclo de teatro “Sábados Abiertos” 2017. Escuela de Teatro de La Plata.

Sala A

Desde el año 2010, la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de la Plata cuenta con un grupo de danza contemporánea. El mismo se creó desde la cátedra Trabajo Corporal I (Departamento de Música), como un grupo de investigación y experimentación en nuevas tendencias en el campo de la danza que pudiera tener vinculación con otras materias del departamento de música y otras carreras de la facultad.

Aula 20 ha generado vínculos con diferentes carreras de Música, con la carrera de Artes Audiovisuales, de Artes Multimediales y de Artes Visuales, generando a partir de este intercambio numerosas producciones.
A lo largo de estos años el grupo dirigido por Mariana Estévez y Diana Montequin se ha presentado en diferentes ámbitos de la UNLP, de la UBA, de la UNC y en espacios escénicos independientes.

Actualmente está en proceso de producción de la obra Lo que nos sostiene, que cuenta con el apoyo del programa PAR (Programa de Apoyo a la Realización Artística y Cultural) de la Secretaría de Arte y Cultura de la UNLP.

Sala A

El Centro de Arte de la UNLP presenta la obra de Iván Haidar, Lugar monstruo, del cual es director, autor y performer. La obra cuenta con el apoyo del Fondo Nacional de las Artes, Prodanza y la Secretaría de Arte y Cultura de la UNLP.
Duración: 45 minutos

El espacio sin límites, o más allá de cualquier límite tangible, es un insistente cuestionamiento que Iván Haidar coloca en su obra a través de diversos formatos, revisando cada vez el concepto de espacialidad para pensar la experiencia teatral. Como la proyección de un universo que en su adentro y afuera se vuelven en sí mismo, el macro proyecto Lugar Propio creado en el año 2013 desenvuelve diversos marcos que contienen esta imagen como motor y fuente de producción: obras web transmitidas en vivo, intervenciones performáticas en casas, instalaciones vivas en museos e investigaciones derivadas en publicaciones y videos.

Lugar Monstruo se desprende de allí como el procedimiento de una obra creada en tiempo real, a partir de la utilización de diferentes mecanismos que son fabricados para la construcción de una fantasía. El espacio de realización es intervenido por un hombre con sus maquinarias tecno-caseras, que de forma auto-sustentable desarrolla diferentes relaciones entre las mismas y su propio cuerpo para transformarse. Aquel pequeño entorno enredado con cables, un ventilador, una radio vieja, un micrófono roto, un smartphone, un velador, una notebook, un proyector y pequeñas linternas, se completa de una sórdida musicalización loopeada entre voces y ruidos. Este dispositivo desarrolla un relato abstracto que cuestiona los límites entre la ficción y la realidad, siendo una maquinaria compleja que es ejecutada desde adentro por una única persona que intenta exponerse para mostrar su interior, y transformar el espacio compartido en una nueva intimidad. Es en definitiva una auto-provocación sobre la potencia de ser y la capacidad humana para transformarse, como experimento que abre sus sentidos a diversos significados, afirmándose en la experiencia presente sobre la composición inacabable.

¿Cómo materializar un estado invisible? ¿Cómo darle vida a la representación mental de sucesos imaginados? ¿Cómo hacer real una verdad imposible? Entre el adentro y el afuera, la metamorfosis se interrumpe para continuar reconstruyéndose a sí mismo. Desvendando el truco para que aquella ficción que emerge sea fruto de un engaño aceptado, de entender el recurso para poder imaginar más allá del efecto, y entonces establecer nuevos modos de relacionar a la obra con otros universos. El lenguaje está en el dispositivo, en ese “entre” ir y venir, de creer y olvidar al recurso para viajar en la fantasía y ver finalmente al monstruo.

Presentaciones y premios:

• 11° FIBA (Festival Internación de Buenos Aires)
• Bienal de Arte Joven 2017. Premio a Mejor Director para participar de la residencia Directors LAB en el Lincoln Center Theatre en Nueva York
• Festival de Danza Contemporánea de Buenos Aires 2016
• Ciclo Noviembre Electrónico 2016 en el Centro Cultural San Martín
• Ciclo de Danza Contemporánea de la Secretaría de Arte y Cultura de la UNLP

Vidriera
28 de octubre
18:30h y 20h

En esta oportunidad, el Centro de Arte de la UNLP presenta la instalación teatral Sin cabeza (naturaleza muerta) de Blas Arrese Igor.

Sin cabeza surge a partir del deseo de seguir investigando con un grupo de artistas platenses con quienes realizamos Casa niña jabalí, espectáculo producido para el ciclo La Plata Arde realizado en el TACEC (Centro de Experimentación y Creación del Teatro Argentino de La Plata). Aquella obra había nacido a partir de un video casero donde se veía a cinco hombres internándose en un campo de la provincia de Buenos Aires con un objetivo doble: cazar un jabalí viejo para comerlo y apropiarse de una de sus crías para ser llevada como mascota a la hija de uno de los cazadores. El material presentaba un doblez muy interesante: en medio de las imágenes truculentas se veía a la niña contenta y rebosante de ternura ante la idea de poder criar a un cerdito bebé.

Ese dato nos llevó a una asociación directa con la literatura y el universo infantil: en los cuentos para niños conviven el horror (huérfanos maltratados, princesas acosadas por brujas malignas que las castigan, tratos infantiles horrorosos), y la candidez de la fantasía del mundo de los sueños, los animales encantados y del amor que parece triunfar moralmente ante el mal. De allí surgió la necesidad de trabajar con una actriz pequeña (niña que aparece en el video de la cacería) y un pony, que traía de manera cruda la presencia de lo animal, metáfora inicial que funda la obra.
A partir de este intercambio y del deseo de seguir trabajando juntos, es que emprendemos este nuevo proyecto signado por el riesgo y la búsqueda de los límites de diversos lenguajes artísticos.

La obra es una instalación teatral monocromática (blanca) que se activa en determinadas franjas horarias deviniendo en espacio de representación de la obra. Sin cabeza está estructurada en fragmentos sintéticos que no cuentan con una línea argumental clásica. Son capítulos, cuadros, números o pasajes que tienen un carácter común: hablan de la soledad, del arte, la muerte, la identidad, la historia y el futuro.

Ficha técnica
Idea, dramaturgia y dirección: Blas Arrese Igor
Director asistente: Juan Zurueta
Actuaciones: Norma Camiña, Silvia Carrera, Juan Manuel Castiglione, Esteban Manzano y Valentín Prioretti
Música original: Pablo Toledo, Lautaro Zugbi y Estaban Manzano
Operación y diseño lumínico: Juan Zurueta
Escenografía y vestuario: Cecilia Campos
Instalación Sin cabeza: Lucas Aquiles Borzi y Blas Arrese Igor
Colaboradores artísticos técnicos: Gastón Aramburu, Sebastian Cerri, Matías Sampedro, Julio Ricciardi, Ernesto Elvira y Martina Urruty
Xilografía: Mili Rabasa

Blas Arrese Igor. Director de teatro, dramaturgo, actor y docente en arte. Es licenciado en Comunicación Social por la UNLP y realiza participaciones periodísticas en publicaciones relacionadas con las artes escénicas. Dirigió la obra Triste golondrina macho, de Manuel Puig, en el Complejo Teatral de la Ciudad de Buenos Aires . Escribió y dirigió Casa niña jabalí (Sala TACEC), Del mundo hacia mí (Presidencia, UNLP), Acerca de un futuro viejo (Faro de la Cultura de Gyula Kosice), Ensayo sobre una imagen (Mosaico de Emilio Pettorutti, UNLP), El fracaso (Sala TACEC) y El éxito (obra en dos actos, obra en dos teatros), entre otros trabajos importantes. Como artista invitado participó del Manifiesto de niños, instalación teatral del Grupo Periférico de Objetos. Trabajó con Emilio García Wehbi en obras, performances y óperas experimentales, como así también con Daniel Veronese, Santiago Sierra, Maricel Álvarez, Lola Arias y Guillermo Arengo. Es invitado permanentemente a festivales y eventos artísticos nacionales e internacionales.
En el 2016 publicó su primer libro El éxito (o lo que queda del fracaso) (EDULP), que forma parte de la colección de ficción de la editorial, con prólogo de Alejandro Tantanian e ilustraciones de Pablo Ramírez. Fue director del Programa de Formación en Dirección Escénica del TAE (Teatro Argentino de La Plata) y se desempeña como docente de la carrera de Dirección Teatral de la Universidad Nacional de Arte (UNA). Es invitado periódicamente a dar clases en Brasil, Francia y España. En la ciudad de La Plata coordina su Taller de Entrenamiento Actoral y Creaciones Escénicas.

Para más información del director: www.blasarreseigor.com.ar