Sala A

En esta ocasión, el Centro de Arte invita a la presentación de la revista El ojo y la navaja (N° 1). Este primer número contiene, a modo de sumario, un resumen de todas las actividades desarrolladas entre 2015-2017. Una revista en formato papel con obras originales e inéditas, escritos, links y síntesis de charlas, entrevistas, conversatorios y talleres llevadas a cabo por la Plataforma de Teatro Performático (PTP), que busca ser un espacio de difusión y pensamiento alrededor de las artes escénicas locales.

La presentación será acompañada por la performace, Diarios de una lectora, dirigida por Leonardo Basanta y con performance de Mariana del Mármol.

“¿Existe una danza en la palabra escrita? ¿Cómo se traduce la potencialidad del texto escrito a un cuerpo? ¿Se puede bailar una revista? Aprovechando la oportunidad de la presentación performática del N°1 de la revista El ojo y la navaja, una bailarina concretará finalmente el sueño de bailar”.

Participan de El ojo y la Navaja (N° 1): Camilo Garbin, Agustín Lostra, Mariana Saez, Beatriz Catani, Yanina Hualde, Alejandra Ceriani, Marcelo Scotti, Diego de Miguel, Cesar Omar Genovesi, Natalia Di Sarli, Jose Pollo Canevaro, Jeronimo Buffalo, Victoria Hernández, Ayelen Dias Correia, María de los Ángeles De Rueda, Víctor Galestok, Agustín Salzano, Diana Rogovsky, Nelson Mallach y Luis Wilson.
Coedición: Plataforma de Teatro Performático–Malisia Editorial.

Con el apoyo de: Instituto de Historia del Arte Argentino y Americano – Facultad de Bellas Artes – UNLP / Grupo de Estudios de Artes Escénicas del Instituto de Historia del Arte Argentino y Americano – Facultad de Bellas Artes – UNLP / Biblioteca Teatral “Alberto Mediza” / Taller de Teatro de la UNLP / Asociación Amigos del Taller de Teatro de la UNLP / Cooperadora de la ETLP / Escuela de Teatro de La Plata / Secretaría de Arte y Cultura / Instituto Nacional del Teatro.

Sala A

El Centro de Arte de la UNLP presenta la obra Bajo un sol de sílice, a cargo del grupo Galón Momo Teatro y con dirección de Julían Poncetta.

Sinopsis
En un espacio desértico una mujer porta su cuerpo, sus imágenes-palabras, su vestido. En un espacio desértico un vestido porta el cuerpo de una mujer, sus imágenes-palabras, su vestido. Las piedras se acumulan y el sol transita iluminando un sueño que revoluciona el dormir.
Bajo un sol de sílice es una propuesta escénica que trabaja en principio sobre el vínculo que se establece entre el cuerpo de una actriz y el espacio que la rodea. Jugando con los límites de lo teatral y lo performativo, el espacio es un interrogante que cruza constantemente todos los componentes del espectáculo: los objetos, la luz, el vestuario, la voz y cuerpo de la actriz. En él se lanzan las preguntas que crean el imaginario, ¿Cómo aparecer y desaparecer? ¿Cómo suspenderse o seguir la gravedad? ¿Cómo se deambula? ¿Cómo encontrar el espacio entre los espacios? ¿Qué lectura sensible se desprende de la relación ambigua entre el espacio (lo concreto) y lo invisible? ¿Cuáles son sus límites? ¿Cómo tocarlo o negarlo? Así, todo lo que está u ocurre puede ser entendido como una prolongación del espacio.

Ficha técnica
Actriz-performer: Rocío Passarelli
Dirección de arte y vestuario: Mara Mroczek
Maquillaje: Rosario Miranda Cochella
Escenografía e iluminación: Donna Sgarbi y Lujan Vivas
Dramaturgia y dirección: Julian Poncetta

Galpón Momo Teatro. Es un grupo de jóvenes actores, actrices y artistas de la ciudad de La Plata nacido en el año 2013. Su primer espectáculo, Los puntuales, surgió en el contexto de un seminario de dirección en la TA-Escuela de Arte y Oficios del Teatro Argentino de La Plata, en el que se intervinieron espacios no convencionales como las catacumbas abandonadas del Teatro y la Facultad de Bellas Artes (UNLP). Al presente funciona como un grupo de investigación y producción, nucleando disciplinas como el teatro, la performance y la plástica entre otros. Actualmente, se encuentra produciendo Fuego en tus ojos.

Julián Poncetta. Actor, director y estudiante de la licenciatura en Historia del Arte (UNLP). Comenzó su formación entre los años 2005 y 2006 con varios maestros y profesores, entre ellos Rafael Garzaniti (C.I.T.E.), Ernesto Martínez (Viewpoints), Blas Arrese Igor (entrenamiento para actores), Luis Salado (Instituo Universitario Nacional del Arte), Jorge Costa (Commedia dell Arte). A su vez, ha participado como actor y asistente de dirección en distintas compañías independientes de La Plata y Capital Federal. En el año 2007 participó de un seminario dictado por Eugenio Barba, organizado por la red de grupos El Séptimo. Allí conoció a Antonio Célico y a El Baldío Teatro, con quienes profundizará su recorrido como actor, junto con el entrenamiento fisico-vocal y la dramaturgia del actor. Además ha participado en giras, seminarios y en los espectáculos Sueños de serenata, Si puo fare… y El amor en tiempos de Amapolas. Como director de Galpón Momo Teatro, ha realizado los espectáculos Los puntuales,  Aquellos que siempre regresan, La turné. Intervención itinerante, el unipersonal Bajo un sol de sílice y Un koltés. Adaptación criolla, Amenazas y Proyecto 0. Actualmente coordina talleres de teatro para la Pro-Secretaría de Bienestar Estudiantil de la UNLP, el Laboratorio Permanente de GMT y dirige las obras Fuego en tus ojos y El Río.

Rocío Passarelli. Actriz y docente recibida de la Escuela de Teatro de La Plata (ETLP). Es investigadora teatral, bailarina de tango y estudiante de la carrera de licenciatura en Psicología (UNLP). Comienza sus estudios como bailarina en la ciudad de La Plata con las maestras Karo Pizzo y Mariana Pereyra. En teatro se ha formado con Norman Briski y Mirta Bogdasarian. Ha participado de varios seminarios nacionales e internacionales con Kai Bredholt, Elena Floris y Sofía Monsalve (Odin Teatret, Dinamarca), Deborah Kalmar, Pablo Rottemberg, Raúl Iaiza (Regula contra regulam, Milán), entre otros. Como actriz y bailarina ha participado en: La mesa, cada encuentro un desamor, de Karo Pizzo, Los puntuales, Esos que siempre regresan, La turné. Interveción itinerante, Bajo un sol de sílice, Un Koltés. Adaptación criolla, Amenazas, Proyecto 0 y Fuego en tus ojos, dirigidos por Julián Poncetta. Actualmente, continúa su formación trabajando en el Estudio TEM (Técnicas de Educación por el Movimiento) con las maestras Isabel Etcheverry y Giselle Galatoire, en gimnasia correctiva y flexibilización integradas a la senso percepción, y coordina el Laboratorio Permanente de GMT. A su vez, se encuentra ensayando Rodishera y participa del taller Construcción de una obra, ambos coordinados y dirigidos por Florencia Olivieri y Jerónimo Búffalo en el Centro de Arte de la UNLP.

Sala A

En el marco del ECART (Encuentro Platense de Investigadorxs sobre Cuerpo en las Artes Escénicas y Performáticas), el Centro de Arte de la UNLP presentará la función Bocetos para una coda, creación colectiva del grupo de exploración escénica Hierba Roja Teatro sobre textos de Ayelen Dias Correia y Constanza Mosetti, dirigida por Carolina Donnantuoni, y desmontaje a cargo de Mariana Provenzano y Mariana Ercoli.

Sinopsis
Ir y venir entre el ensayo, el boceto, la prueba, los errores y la función. Repensar una obra, romperla, re-dramaturgizarla, exponer dispositivos y recursos. Volverla más inestable. Renombrar y reactivar conceptos. Rehacer una obra desde los recuerdos que tenemos de ella. Recuerdos y memoria: ¿Qué espacio ocupan en nuestro cuerpo? ¿De qué estamos hechos? ¿De qué está hecha una obra de teatro? ¿Qué material sensible nos habita? ¿De cuántas maneras podemos nombrar lo que hacemos, lo que somos? ¿Cómo re-habitar lo que fue? ¿Cómo hacer vivir lo que ya no está? La repetición. Lo nuevo en lo viejo. ¿Por qué las cosas se repiten? ¿Las cosas se repiten? ¿Se repiten? ¿Cómo?

Ficha técnica
Dramaturgia y dirección: Carolina Donnantuoni
Actuación: Ayelen Dias Correia y Constanza Mosetti
Vestuario: Natalia Suárez y Magali Salvatore
Equipo lumínico: MATE EP!
Fotos: Columpio fotografía
Dramaturgia y dirección: Carolina Donnantuoni

Carolina Donnantuoni. Actriz, dramaturgista, docente y directora de teatro. Su actividad se centra en el campo de la construcción escénica y la investigación de las diferentes dramaturgias. Docente en la Escuela de Teatro de La Plata (ETLP) del Espacio Institucional Dramaturgia del Actor de la carrera Tecnicatura en Actuación. Ha participado como actriz, docente y directora en encuentros nacionales e internacionales. Es gestora y organizadora de encuentros de teatro y danza en Argentina y España. Trabaja en los grupos de teatro Hierba Roja Teatro, Didascalia Teatro y Locus Suspectus Teatro. También es co-gestora y coordinadora del ciclo de muestras de ensayos y trabajos en progreso Mini WIP y de la Plataforma de Teatro Performático (PTP) de La Plata, y co-editora de la revista EL ojo y la navaja.

Hierba Roja Teatro. Es un grupo de exploración escénica creado en 2001. Su actividad se concentra en la búsqueda de un lenguaje común basado en la profundización de los recursos expresivos de sus integrantes y en la investigación de las diferentes dramaturgias escénicas. Más allá de los proyectos escénicos puntuales, prioriza la creación de espacios de entrenamiento e investigación del cuerpo-voz y de los diferentes procedimientos de producción escénica. En relación con la enseñanza, varias de sus integrantes desarrollan el dictado de talleres, cursos y seminarios de formación y entrenamiento para actores y bailarines, de expresión corporal-danza, así como la realización de asistencias técnicas a grupos de teatro y danza. Su actividad principal se orienta fundamentalmente hacia la realización de espectáculos de sala, acciones callejeras y performances.

 

Sala A, Sala D y Auditorio
6,7 y 8 de septiembre de 9:30 a 21h

El ECART (Encuentro Platense de Investigadorxs sobre el Cuerpo en las Artes Escénicas y Performáticas) es un evento periódico que desde el año 2010 convoca a artistas provenientes de distintas disciplinas, como la danza, el teatro, la música, el cine, la performance, las artes plásticas, y a investigadorxs formadxs en estas mismas áreas o en filosofía, sociología, antropología, historia, ciencias de la educación, ciencias de la comunicación, entre otras, con el objetivo de abrir espacios de diálogo y reflexión entre quienes nos encontramos investigando sobre y desde la corporalidad en las artes escénicas y performáticas.

Cuerpo, Arte y Resistencia
Desde sus orígenes el ECART propone pensar diversas articulaciones entre el cuerpo y el arte, la teoría y la práctica, el pensamiento y el movimiento, lo institucional y el afuera de las instituciones, constituyéndose como un espacio de encuentro que propone producir desde lo intersticial. Desde esta identidad ha sido recurrente a lo largo de sus distintas ediciones la referencia a las propuestas que allí se comparten y los lazos que se construyen como espacios de resistencia. Es por eso que, atendiendo a la recurrencia de estas ideas, en este V ECART nos proponemos abordar esta temática de manera explícita preguntándonos por qué pensamos que el cuerpo y el arte conforman una encrucijada privilegiada para poner en juego estrategias de resistencia, cuáles son las formas que adquieren estas estrategias en la coyuntura actual y cuáles las tradiciones que dan lugar a los modos en los que hoy se ponen en juego estas formas de resistencia. Proponemos para esto tres grandes líneas de abordaje que nos permitirán aproximarnos a esta temática desde diferentes frentes.

Eje 1. Lo social, lo territorial y lo comunitario en el arte:
La primera de estas líneas invita a compartir y discutir experiencias de teatro territorial y comunitario, circo social, intervenciones urbanas, políticas públicas vinculadas al arte y la escuela como territorio de la producción artística, proponiendo debates acerca del lugar del lenguaje en este tipo de experiencias, las articulaciones entre lo independiente y el estado y los modos de construcción de política pública que se ponen en juego en cada una de las mismas.

Eje 2. Genealogía, archivo, memoria:
Abordando otro conjunto de aristas, esta línea propone tematizar aspectos vinculados a la creación de archivos sobre las artes escénicas, las genealogías de los grupos y las disciplinas y el rol del arte en la construcción de memorias, invitando a abrir debates sobre los vínculos entre arte y memoria, las políticas estatales en relación a la memoria y la patrimonialización y los modos en los que estas búsquedas despliegan formas de investigación en, desde y sobre el arte.

Eje 3. Género y sexualidades:
Una aproximación desde las disidencias. Finalmente, desde este eje proponemos abrir debates vinculados a los vínculos entre género y trabajo artístico, la dimensión performativa de la presentación de género, y la reflexión sobre el espacio de las marchas y movilizaciones con temáticas ligadas a cuestiones de género y sexualidades como ámbitos privilegiados para producción de performance artístico-política. Algunos ejes de discusión, tales como el rol del estado en las políticas públicas vinculadas al arte, los vínculos entre lo institucional y lo autogestivo; las tensiones y dicotomías entre arte popular y arte contemporáneo y su vínculo con lo masivo; las relaciones entre arte y espacios y entre arte y política y las diversas metodologías y modos de aproximación a la investigación en arte, desde el arte y sobre el arte serán tópicos que atraviesen la totalidad del encuentro dándole continuidad a las discusiones abiertas a partir de cada una de las líneas antes mencionadas.

Modalidad
El encuentro se desarrollará a lo largo de tres jornadas y contará, dentro de las mismas, con diferentes tipos de actividades:
• Conferencia de apertura: Palabras de bienvenida a cargo de las organizadoras del evento y conferencia inaugural a cargo de una oradora invitada .
• Paneles temáticos: Mesa de diálogo y discusión sobre cada uno de los ejes temáticos antes desarrollados. Estos paneles estarán integrados por invitadxs que trabajen temáticas vinculadas a los temas de discusión relativos a cada uno de los ejes y moderados por integrantes del equipo coordinador del evento. Tendrán un espacio destinado a la exposición e intercambio de ideas por parte de los y las invitadas y un tiempo para preguntas y comentarios del público.
• Grupos de trabajo: Mesas de debate e intercambio de experiencias sobre temáticas puntuales surgidas de los paneles temáticos.
• Residencia de investigación/creación: La residencia será un espacio de investigación creación con inscripción previa, que se llevará a cabo durante doce días con tres horas de trabajo diario. El proceso estará atravesado por el concepto de memoria como motor e insumo simbólico y será coordinada por el coreógrafo y bailarín colombiano Nemecio Berrio Guerrero. Será un proceso con preguntas en relación a la memoria a partir de la danza afrocolombiana contemporánea que recurre al sistema Swahili como un esquema de entrenamiento corporal que bebe del universo compartido de significados afro populares del caribe.
• Talleres: Espacios coordinados por una dupla de talleristas que trabajarán previamente en una residencia para generar un espacio de intercambio abierto a todo el público presente en el que se trabajen aspectos ligados a la temática del encuentro.
• Obras + Desmontajes: Cada jornada culminará con la presentación de una obra que dialogue con el eje temático desarrollado durante ese día y un espacio de desmontaje coordinado por unx comentarista y moderadorx invitadx y abierto a la participación de todo el público presente.
• Instalaciones permanentes: Instalaciones audiovisuales montadas durante los tres días del evento y que podrán ser visitadas por lxs asistentes ya sea en los momentos especialmente destinados para esta actividad como en cualquier otro espacio temporal del encuentro

Sala A
Viernes 13, 20 y 27 de julio
De 17 a 20h

La inscripción es abierta y se realiza en el Centro de Arte de martes a viernes entre las 14 y las 18:30h.
Traer fotocopia de la primera y la segunda hoja del DNI y abonar la matrícula y la cuota del seminario.
Dirigido a actores, bailarines, músicos y artistas en general.

El Centro de Arte de la UNLP invitan a participar del seminario inensivo “Pettoruti, Kandinsky y Bacon como estímulos para la actuación” a cargo de Blas Arrese Igor. El seminario trata de indagar en la obra de tres artistas proveniente de las artes visuales para ampliar las posibilidades expresivas de actuación de los talleristas.
Bacon, Kandinsky y Pettoruti como una fuente inagotable de experimentación para encontrar en sus propuestas intensidades, fuerzas y estados de actuación, más allá de lo temático o lo anecdótico de sus obras. Con Emilio Pettoruti se retomará la ruptura de la figuración clásica y el rescate de una percepción singular, múltiple y estallada de la realidad. En Bacon se trabajará a partir de la teoría del accidente como herramienta fundamental de producción de materiales asociados a las artes vivas. Finalmente, con Vasili Kandinsky se profundizará en el concepto de lo abstracto para reconocer las leyes de necesidad interior de la toda composición escénica. El taller será eminentemente práctico, con entrenamientos concretos y producciones de materiales escénicos a partir de algunas nociones teóricas.